El Arcangelino

De San Valentín, Amor y Mujeres: Un ensayo delirante

2012-02-16T23:19:00.002-06:00

François Boucher (1703 - 1770)
"La Educación de Cupido" (1742)
Óleo sobre tela, 118 x 134 cm
Palacio de Charlottenburg, Berlín

El lunes, en un típico pensamiento para el timeline de Twitter, escribí lo siguiente: "Pensándolo bien, voy a terminar escribiendo un lovepost en el blog... Soy un cursi de lo peor..." En vista de que en muchos de los blogs que sigo se ha realizado una entrada relacionada de alguna manera con el día 14 de Febrero, no me quiero quedar atrás, aunque llegue con dos días de retraso. No quería armar un playlist, eso ya se había hecho en la radio; tampoco pensaba burlarme de clichés y consumismos, ni que fuera videobloguero; mucho menos iba a burlarme del amor, porque pese a todo tengo esperanza de que me conquiste.

A lo largo del día 14, después de haber visto cualquier cantidad de globos, rosas y demás regalos cursis en la calle; después de que mi hermana llegó con su novio a caramelizar el aire del departamento de mamá, y después de haber ido al cine a ver el último chick flick de Rachel McAdams (The Bow, bastante irregular), supe que esta entrada tendría que redactarla, aunque no sabía cómo y en qué iba a concluir.

Y es que, desde inicios del año, he estado pensando en ideas para un escrito relacionado con el amor, o mejor dicho, lo que yo veo en las mujeres que me llama la atención. Los que se han tomado la molestia de leer mi blog con atención, sabrán que soy un tipo que se encapricha fácilmente con las personas; no sé por qué, pero por alguna razón tengo necesidad de definir esas cosas que me gustan, sólo para saber dónde y a quién buscar. Quisiera comenzar hablando de ese niño llamado Cupido...

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Cada vez que pienso en el dios Cupido, no pienso en ese infante caprichoso de bucles dorados que lanza flechas a voluntad, que permite que el mundo rejuvenezca y que los animales se reproduzcan, aunque eso significara problemas entre los dioses y fatalidad para el mundo. Antes de comenzar con este ejercicio, busqué la pintura de François Boucher que corona esta entrada, porque define mi aspiración de amor: la pasión carnal desbordada debe tener algo de razonamiento y aprendizaje, sólo sería cuestión de citar a todos los escritores, artistas, filósofos, cineastas y músicos que han dicho algo sobre él. El dibujo de Durero que comparto en la parte inferior es un recordatorio: la dulzura del amor suele traer también dolor.

En el cuadro de Boucher, Mercurio, el mensajero de los dioses, instruye con poesía al niño Cupido, ante la mirada cándida de la diosa Venus. Considero, inspirado en este lienzo, que la línea debe ser muy delgada entre el eros platónico y la philia aristotélica, entre la carne y la virtud. No hablaré por el momento de otro concepto relacionado, el de agapé, que habla sobre el amor ideal y perfecto, porque es muy difícil de definir, y a menudo se asocia al amor hacia la verdad, o en la tradición bíblica, el amor a Dios.

Alberto Durero (1471 - 1528)
"Cupido el Ladrón de Miel" (1514)
Tinta y acuarela sobre papel, 22 x 31 cm
Kunsthistorisches Museum, Viena

El eros era una de las virtudes de la diosa del amor, y bajo este concepto, los griegos englobaban el amor físico; sin embargo, hay que mencionar que tanto la tradición filosófica como la mitología llegan a diferir. Mientras la literatura maneja el "amor a primera vista" como manifestación del deseo de una persona hacia otra, los pensadores han ampliado el término de significados: Platón lo considera, en El Banquete, como apreciación de belleza que aspira a la verdad (amor platónico), y Sigmund Freud lo reconoce como la pulsión de vida que se opone a la destrucción y a la muerte.

Por otro lado, la philia es un término que Aristóteles acuño en su Ética a Nicómaco para hablar del entendimiento en las relaciones humanas. Hay que tomar en consideración que el Estagirista observa la philia en diferentes tipos de vínculos, que van desde los amantes hasta los soldados de un mismo regimiento, o los pasajeros del mismo viaje. Sin importar el tipo de philia, uno de sus requisitos fundamentales radica en el entendimiento mutuo y correspondido entre las partes.

Dicho en palabras mucho más prosaicas, defino el amor como un conjunto inexorable entre tensión físico-sexual y afinidad de carácteres. Hasta el momento, no he dicho nada nuevo, y estoy seguro que muchos de ustedes buscan lo mismo que yo; el gran asunto radica en cómo encontrarlo.

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Hagamos dos escenificaciones, la primera de ellas ocurre en una noche de antro. Cuando una persona planea "salir de cacería" a un bar para conocer a una potencial pareja, ocurre un juego ritual muy semejante al de las cavernas rupestres. Imaginemos la noche de antro, en la cual cada individuo quiere verse lo mejor posible: la mejor ropa, el perfume más llamativo, el mejor peinado, etc.

Las luces de neón de los centros nocturnos son la versión postmoderna de las antorchas que permitieron al hombre primitivo internarse más en las entrañas de las montañas, quienes con diversas sustancias entraban en trance en búsqueda de la visión totémica de las fuerzas de la naturaleza; el alcohol es la droga social que desinhibe a las personas, que les permite atreverse a hacer acciones que no haría en otro momento.

Con el alcohol, las cosas se ven de otra manera, las palabras fluyen de otra manera, el ardor de la sangre es diferente; aquella chica que está en la mesa de enfrente se ve notablemente más atractiva que dos shots de tequila antes, el oficinista de la barra afloja su corbata, se arremanga la camisa y comienza a pavonearse para llamar la atención de la mujer con busto prominente que se encuentra a su lado, y el fulano de pantalones pegados y camisa desabotonada comienza a observar con más cinismo al joven de cara chapeada que baila en la pista.

La comunicación verbal es torpe, las miradas se tergiversan ante la cambiante iluminación y ante el efecto relajante de la bebida; las pasiones fugaces, los encuentros casuales, el one-night stand, parte volátil de un enamoramiento interrupto; quizás no sea lo que estoy buscando, pero nunca se sabe a quién nos podemos encontrar.

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Siempre he sabido que me gustan las chicas listas, las que se saben bonitas pero también inteligentes; no se trata necesariamente de las mejores de la clase, ni de las de los ojos más bonitos o el cuerpo más armónico, son más bien una combinación extraña de las dos. No le diría que no a una mujer fiestera, de hecho tengo fascinación por ellas, pero ante todo busco a las que discuten en la sobremesa, a las que recorren museos, leen libros, tienen buena redacción y caminan por la ciudad con su cámara en mano. Prueba fehaciente de esto radica en mi lista de blogs y en los perfiles de mis amigas. Por experiencia, sé que este tipo de chicas son las más difíciles de conquistar, sus aspiraciones están claras, buscan un tipo muy diferente a mí.

Pongamos una segunda escenificación, la cita a ciegas. Supongamos que un conocido me propone que conozca a una de sus amigas, de la cual nunca he visto una fotografía a detalle; un encuentro de este tipo siempre será un volado, no conozco su voz, ni su ortografía ni la calidez de su mirada. Llega el día, cumplo el ritual del arreglo personal, quedamos en un lugar, en una señal y en un horario. La primera vista cuenta, pero no hay forma de dar marcha atrás. Quizás no se trate de la mujer más bella, pero logra encerrarme en su conversación, con las preguntas y los temas indicados, con la pasión desbordada que es irresistible y atractiva.

El café se apura, la conversación entra en un clímax de ambición y de interés; hay un momento en el que te das cuenta que la persona vale mucho la pena, pero siempre hay un problema, que es tal la afinidad que es difícil arriesgar a dar el siguiente paso. Aquí radica mi gran vicio, me niego a intentar un movimiento agresivo, lo mismo que me pasa con el ajedrez; soy experto en coleccionar amigas que podrían ser algo más. Algunas de las mujeres que he conocido no son mi tipo desde el punto de vista físico, pero que es tal su inteligencia que son irremplazables para mí; lo sé, soy un tipo demasiado elitista desde en eso. Al final de la cita, he concluído que no soy del tipo de la chica, que no habrá nada más; la segunda cita queda asegurada para seguir conversando de algún tema que nos apasione.

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Finalmente, después de tantas palabras, mi construcción de la mujer perfecta es una labor extraña; los que saben de seducción suelen decir que un hombre debe saber qué busca en su pareja ideal para poder lanzarse a buscarla, en todos sus aspectos y particularidades.

Siempre me han gustado las mujeres de ojos grandes, de cabellos abundantes y oscuros; me suelo fijar en los rostros redondos, en los lunares en los pómulos y en las sonrisas amplias. Me gustan las chicas en little black dresses, faldas arriba de las rodillas, mangas cortas y pullovers; los zapatos me encantan, creo que dicen cosas de las mujeres que la ropa podría sesgar, dónde estuvo la persona, su forma de caminar, a dónde se dirige, sus gustos y sus aficiones. No soy del tipo que busquen chicas demasiado delgadas, ni demasiado grandes, pero esa exigencia es demasiado frívola; la mirada profunda y un toque de sex appeal son más que suficientes.

La cultura general me mata, siempre encuentro un reto extra en aquellas chicas que deslumbran con su conversación, con su vocabulario y con su gestualidad; que sean apasionadas, con gustos que desborden sus palabras y el brillo de su mirada al hablar. Soy un obsesivo de las buenas ortografías y de las letras bonitas, también me atraen las chicas que dibujan o que hacen algo relacionado con lo visual; aquellas que cantan o tocan algún instrumento suelo encontrarlas misteriosas, pero tienden a ser muy alivianadas y agradables.

¿Existe una mujer en el mundo que esté cercana a esas descripciones?, ¿Dónde la encuentro? Por ahora, sólo tiene cábida en mis sueños...

Cover-contra-Sencillo #7: "How Will I Know"

2012-02-12T04:22:00.000-06:00

IN MEMORIAM: Whitney Houston (1963 - 2012)

En memoria de una de las mejores voces femeninas de la historia de la música pop, escribo esta séptima entrega de "Cover-contra-Sencillo". No lo podía creer cuando leía mi timeline de Twitter hace rato; pero con buena razón sabía que no se trataba de una broma. Whitney Houston estuvo metida en un tremendo huracán de adicciones durante sus últimas dos décadas de vida, posteriores a su éxito rotundo con la película El Guardaespaldas (1992); un matrimonio altamente explosivo y el dramático deterioro de su voz por consumo de drogas duras fueron las señales más claras de que estábamos perdiéndola, todo pese a que siempre se las ingeniaba para regresar al ojo público por una razón más allá del escándalo. Todo indica que la diva falleció debido a una falla cardiaca, pero mejor no hagamos especulaciones al respecto.

En lo que esperamos la necropsia y escuchamos especulaciones, y mientras algún guionista comienza a escribir la biopic de su vida, recordemos la música, único vestigio tangible de su trascendencia. No les propondré, como muchos medios de comunicación que sólo tratan de sacar la nota mediante clichés periodísticos, que analicemos su emblemático cover de la canción de Dolly Parton "I Will Always Love You", ya que muchos ya lo hicieron mientras escribo y la gran mayoría de la gente sabe los porqués; mejor me remitiré a sus inicios para rescatar "How Will I Know", un tema dance altamente pegajoso que se encuentra en mi lista de guilty pleasures gracias a su ochenterísimo videoclip. En oposición a este tema, la versión que hizo del mismo la banda de happy punk Hit the Lights.

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Descanse en paz...

En 1985, a la edad de 22 años de edad, Whitney Houston firmó un contrato discográfico con Arista Records; era guapa, talentosa y tenía una voz mezzosoprano cálida y entrenada; apoyo no le faltaba: su mamá era la corista Cissy Houston, su tía era Dionne Warwick, y su madrina era una tal Aretha Franklin. Su disco homónimo (1985) llegaría a vender 13 millones de copias alrededor del mundo; el cuarto sencillo de esta producción era "How Will I Know".

Esta canción fue para Whitney la primera de dos colaboraciones con el matrimonio de compositores George Merrill y Shannon Rubicam, alias Boy Meets Girl, también conocidos por el entrañable one hit wonder "Waiting for a Star to Fall" (1988), tema pensado originalmente para que Houston lo cantara. La canción fue ofrecido originalmente a Janet Jackson, pero cuando ésta la rechazó, terminaron por dársela a una entonces desconocida intérprete que estaba preparando su álbum debut; el resto es dulce historia de la música pop norteamericana.

La canción cuenta la clásica historia de la chica que se fija en un chico y que se pregunta si él compartirá su sentimiento. El arreglo instrumental es, como muchas canciones de la época, basado en sintetizadores y una línea rítmica de bajo y batería eléctrica y sexy solo de saxofón, pero lo que destaca es el arreglo de voces que realizó el productor Narada Michael Walden; Whitney luce su voz, se divierte, juguetea con su instrumento sin despeinarse demasiado, mientras los coros, a cargo de su madre, le hacen una muy agradable segunda.

Si escuchan esta canción, y la comparan tanto con "Waiting For a Star to Fall" como con "I Wanna Dance With Somebody (Who Loves Me)" (1987), segunda cooperación entre Houston y el dúo Merrill / Rubicam, se darán cuenta que la estructura y los ganchos melódicos son muy similares; de hecho, los videos de Whitney Houston de la época podrían formar parte de una especie de tratado de la estética del videoclip de los 80's, pero ése es material para otra entrada y una labor que, de partida, apunta para ser ardua y tediosa.

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Sin duda, las interpretaciones de Whitney Houston han sido un marco de referencia inigualable para las cantantes norteamericanas que la han precedido, desde Mariah Carey hasta Lady Gaga, pasando por Alicia Keys y Christina Aguilera; la habilidad que ella poseía para crear pop divertido, baladas inspiradoras y cánticos gospel era asombrosa. Piensen en "Vision of Love" (1990), en "The Voice Within" (2002), en "You Don't Know My Name" (2003), incluso en "The Edge of Glory" (2011) como temas que la Whitney de los 80's hubiera cantado sin problemas en el cenit de su carrera; cuando escucho esas canciones, pienso en ella, todas le deben algo, todas ven hacia ella de alguna u otra forma.

Sin embargo, hay pocos intérpretes que se han atrevido a realizar grabaciones de estudio de los temas que ha inmortalizado Houston, limitándose a escuetas rendiciones en vivo; esto ha abierto lugar a versiones muy divertidas de parte de bandas que no parecieran tener su influencia de primera oída. Este caso ocurre con una banda de pop punk de Ohio llamada Hit the Lights, que grabó "How Will I Know" para su segundo trabajo discográfico, titulado Skip School, Start Fights (2008).

Hit the Lights es una banda del montón, y decirlo no es despectivo, sino pura descripción; pero destaco este cover porque nos muestra que el legado de Whitney va más allá de nuevas divas del pop vocal. Si dicen que la canción suena demasiado gay en la voz de un hombre, no los culpo, ya que no hay ningún cambio de género en la letra, lo cual la hace sonar bastante extraña. El sonido de las guitarras es fiel a la melodía de la canción, pero se omite por completo el arreglo vocal que hace de la versión original una canción irresistible. No hay mucho qué reportar, sólo un buen intento.

No tengo dudas, me quedo con el Sencillo...

Yo Confieso... #10: De mi título profesional y nostalgia universitaria

2012-02-09T04:30:00.000-06:00

Aquí está... (En Instagram: @franzmovi)

Hace una semana, fui a recoger mi título profesional; en un día bastante frío y nublado en Santa Fe, sana y dura costumbre invernal entre los ladrillos perfectos de mi universidad. Habían pasado dos semanas desde que me avisaron que ya podía ir a recogerlo, y pese a que papá y F.A. me había insistido que fuera de una buena vez, lo hice hasta el primer día de Febrero. Estuve ahí toda la mañana, en los brazos de mi propia añoranza de aquellos tiempos que se fueron como un reflejo sobre el agua turbia.

Ahora mismo tengo mi grado académico a mi lado, tan presente y tan magno como quien me leyera en voz alta las cartas de mi pasado inmediato; siento que se ríe de mí cuando lo observo, creo que encuentra gracioso que pese a todo el tiempo que dediqué a mi carrera universitaria, aún no encuentro los suficientes impulsos para derrochar todo lo que aprendí en 5 años de salones, compañeros, profesores, lecturas y viajes. No encuentro los motivos para comerme el mundo a grandes cucharadas soperas, habiendo tantos sabores en él; la vida pasa tan rápido y yo aquí, temiendo a los caballos inmóviles del tiovivo que pasan frente a mí como dragones enfurecidos.

De repente, cierro el gran y oscuro folder de piel que protege tan valioso y suave pedazo de pergamino, con el gesto de quien aún no termina por comenzar su historia. Es inevitable sentir que una extraña y agridulce nostalgia invade las cavidades vivas de mi corazón; extraño la Ibero, las discusiones en clase, el ir y venir de las palabras de mis maestros, el boost de energía de los cafés matutinos y el seco sonido del proyector al enfriarse; el sabor de galletas empalagando mi boca llena de ideas, las conferencias de las 11 de la mañana, los incómodos sillones de la laberíntica biblioteca, las quesadillas de la tienda del sindicato y las sacudidas del camión de regreso a casa.

Sin embargo, es imposible resistirse a volver a ver el nombramiento, las letras de mi nombre, el troquelado sobre mi fotografía y la rúbrica del Padre Rector. Cada vez que veo el escudo de mi Alma Mater, los lobos rampantes flanqueando el caldero colgante y el versículo del Evangelio de San Juan, "La Verdad Nos Hará Libres" (Jn. 8, 32), los años dorados de mi existencia invocan mi alma con toda su intensidad y su juventud: el esfuerzo y la paciencia de mi padre, sorprendido por el estribar misterioso de mis sueños; los compañeros y docentes que conocí y los amigos que aprendí a querer; los malos ratos, el stress, el hastío y la incertidumbre; exposiciones, tiempos muertos, comidas y el curso implacable del Sol; la oración de cada inicio de semestre en la capilla, el deseo de mandar todo al diablo, el respiro de alivio en las entregas de notas y el "¿ahora qué sigue?" de cada hiatus vacacional.

Doy gracias a todos los que fueron parte de esta aventura; si el destino decide que debemos encontrarnos, sólo esperen toparse con mi sonrisa, lo demás nadie lo sabe. A quienes están a mi lado, lo mejor del mundo y mi devoción eterna; espero tenerlos conmigo por muchas existencias.

La solución a esa enorme ecuación yace a mi diestra, esperándolo todo de mí.

A pesar de todo, aún no he aprendido cómo llegar a ser feliz...

Del Super Bowl XLVI

2012-02-06T23:43:00.003-06:00

Hakeem Nicks (Todd Rosenberg / NFL)

Antes de comenzar, me gustaría dejar claro que éste ha sido, por mucho, el mejor Super Bowl que he visto en mi vida. Trato de pensar en otro, pero no lo encuentro; el partido de ayer en el Lucas Oil Stadium de Indianapolis debe ser uno de los tres grandes Super Bowls en la historia de la NFL. Tuvo de todo: estrategia, dramatismo, fortuna y gloria; además, como si no fuera importante, fue uno de los tres más vistos en cuarenta y seis años de este evento.

Yo soy Raider, y nunca lo he negado pese a que nunca he visto a mi equipo coronarse; aún tengo fresca la dolorosa paliza que Jon Gruden y los Bucs le pusieron a mis Malosos en el Gran Juego de 2003 (Super Bowl XXXVII), y he tenido la mala fortuna de sufrir una racha de decepcionantes temporadas perdedoras. La mala fortuna de mis Raiders durante la década de los 2000's comenzó una noche nevada de Foxborough en 2002 contra los Patriotas, los cuales eran dirigidos por un QB reemplazo llamado Tom Brady; ese robo flagrante se suele llamar "the Tuck Rule Game" en el argot de la NFL.

Una intercepción de los de Oakland que hubiera significado la final de conferencia contra Pittsburgh fue revocada por una revisión de video, lo cual dio nueva vida a Nueva Inglaterra, que ganaría el partido con una patada en esa serie ofensiva. El resto es historia: hoy Tom Brady tiene tres anillos, a Gisele Bündchen y un nicho en el Salón de la Fama esperándolo, mientras mis Raiders no encuentran el fondo del hoyo. Cuando Nueva Inglaterra jugó partidos de Super Bowl, apoyé sin mucha fortuna a Carneros, Panteras y Águilas; fue hasta 2008 que pude sonreír, gracias a los Gigantes de Nueva York en la edición XLII.

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Ahora que, cinco años después, estos dos equipos se volverían a encontrar en el Gran Partido, sabía muy bien quién tendría mi simpatía. Siendo objetivos, los Patriots (13-3) tuvieron una mejor temporada y calificaron a playoffs sin problemas, aunque era claro que el devastador poder ofensivo de Brady y compañía fue tapadera de una defensa bastante acuosa; por otro lado, los Giants (9-7) estuvieron en serio peligro de quedar fuera de la postemporada, pero dos victorias sobre los Jets y sobre Dallas les permitieron ganar su división. Los Gigantes venían de menos a más, ya que vencieron a favoritos como Green Bay y los 49ers para ganar el banderín de la Conferencia Nacional, mientras que los Patriotas tuvieron problemas en la final de la Americana contra unos muy bravos Ravens.

Otra particularidad que se consideró como factor fue la sede, ya que Indianapolis es la casa del quarterback Peyton Manning, hermano mayor de Eli, mariscal de los Gigantes; el rival a vencer era Tom Brady, el rival máximo del primero. Se decía que Eli Manning tenía una responsabilidad de "cuidar" la casa de su fraterno contra la "invasión" de su némesis, y en cierta forma, esa postura fue tomada por la afición local: apoyar a la sangre por encima de cualquier cosa.

Se enfrentaban por segunda vez los entrenadores Tom Coughlin y Bill Belichick, quienes fueron compañeros en el Super Bowl XXV como asistentes de Bill Parcells, por si no hubiera ya muchas historias encontradas. No es necesario decir que la palabra "revancha" fue la que dominó en las conversaciones sobre este partido.

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Después de que Kelly Clarkson mostrara sus pulmones al interpretar el himno nacional norteamericano, el volado favoreció a los Giants, quienes acorralaron a los Patriots dentro de su yarda 5; un lanzamiento de Tom Brady a tierra de nadie fue marcado por los oficiales como safety, lo cual le dio 2 puntos a los Giants. El balón fue devuelto a los Gigantes, quienes hilaron una ofensiva que terminó en un pase de Eli Manning de 2 yardas para Víctor Cruz, poniendo el marcador 9-0 al final del primer cuarto.

El segundo periodo fue el momento de resurgimiento de Brady y los Patriots; en su primera ofensiva se tuvieron que conformar con una patada de tres puntos, pero recuperaron el balón casi de inmediato para hilar una ofensiva de 95 yardas que desgastó el reloj y los puso 10-9. Nada estaba definido; fue entonces que vino el espectáculo de medio tiempo.

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Madonna
(AP Photo / Michael Conroy)

En medio de una parafernalia inspirada en centuriones romanos, mitología nórdica y símbolos egipcios de idolatría, apareció la Reina del Pop. Tenía mucha expectativa de lo que fuera a hacer Madonna en este momento; de hecho, mucha gente que no simpatiza con el espectáculo de la NFL tuvo buen pretexto para verlo. Debo decir que no me defraudó, que me encantó en lo general; comparado con lo que nos recetaron el año pasado, esto fue un alivio de credibilidad y emoción.

Sólo una artista de la talla de Madonna puede darse el lujo de tener a su alrededor a lo peor de la chusma del pop actual, y aún así, hacerlos lucir; los de LMFAO estaban forzados, pero al tener click con la juventud americana, ayudaron a que el show fuera "digerible" para ellos. El espectáculo inició con "Vogue", que revivió tan gay como siempre; gran detalle el del Cirque du Soleil, que enfatizó la envidiable condición aeróbica de la Ciccone; caso aparte fue la banda de guerra, pues finalmente, estábamos en un evento de fútbol americano.

No soy fan del nuevo sencillo de Madonna, pero la presentación de "Give Me All Your Luvin" dio la nota: Nicki Minaj es plástica, insoportable y vulgar a más no poder, pero M.I.A., ángel rebelde de la globalización musical, estuvo soberbia con su políticamente incorrecto "dedo"; la rapera tamil, quedan advertidos, no es apta para las dobles morales americanas, y el escándalo que se derivó a posteriori era de esperarse. Lo mejor del show fue, sin embargo, el final, con el preacher Cee-Lo Green y un coro gospel, que hicieron con "Like a Prayer" un momento épico en la historia del halftime show; pocos cantantes en el pop actual cantan como este gordito sureño, y verlo hacer segunda voz a Madonna fue tan delicioso como el pan con mermelada.

Playlist: "Vogue", "Music / Party Rock Anthem / Sexy & I Know It", "Give Me All Your Luvin", "Open Your Heart / Express Yourself" y "Like a Prayer".

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El balón lo tuvo Nueva Inglaterra al inicio del tercer cuarto, y Tom Brady no desaprovechó: un pase de 21 yardas para Chad Ochocinco, una gran carrera de BenJarvus Green-Ellis y el pase final para el TD de Aaron Hernández pusieron el juego 17-9; fue por mucho el mejor momento del mariscal bostoniano en el juego. Los Giants fueron bien neutralizados por la defensa de los Patriots; pese a que buscaron llegar a la zona de anotación, se tuvieron que conformar con un par de patadas sencillas de Lawrence Tynes (17-15).

Al inicio del último cuarto, los Giants tenían que recuperar el balón rapidamente; un pase interceptado a Brady por Chase Blackburn les dio la primera oportunidad, pero no lograron convertir; cuando Nueva Inglaterra pudo definir el juego, Wes Welker no pudo contener un pase de tercera oportunidad. Tras esa devolución, llegó el momento de Manning para alzarse como inmortal; acorralados dentro de la yarda 10, puso un pase providencial para Mario Manningham de 38 yardas, con la misma precisión que todo el partido, en un instante clave. Tras unos pases para Hakeem Nicks y el mismo Manningham, Ahmad Bradshaw se vio solo entrando a la zona de anotación, lo cual fue permitido por órdenes del coach Belichick para darle tiempo a su ofensiva de hilar un drive ganador.

El marcador iba 21-17 con 57 segundos en el reloj y un tiempo fuera; los Giants buscaron una conversión de dos puntos sin éxito; Brady tenía una nueva oportunidad para consolidad su leyenda, pero Deion Branch y Hernández le fallaron en la hora buena. Después de una captura, logró poner un pase en cuarta oportunidad para seguir el drive; quedaban 9 segundos cuando Brady tuvo que lanzar un pase Hail Mary con todo su brazo a las diagonales, pero no consiguió esquivar el mar de manos que estaban entre Hernández y Rob Gronkowski.

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Por segunda vez en la historia, Gigantes vencían a Patriotas en el gran escenario. En 2008, Manning y compañía habían arruinado la temporada perfecta de los de Nueva Inglaterra, y en 2012 lograron imponerse a un mal momento para resurgir como campeones absolutos. Como es común en la lógica de los Super Bowls, Eli Manning se llevó el premio al JMV y toda la gloria del momento. El ataque de los de Nueva York fue la clave con sus jugadas apretadas y precisas, aunque no debemos olvidar a la defensa, que maniató en el momento indicado al ataque de sus rivales. ¿Dinastía? Eso está en veremos.

No hay duda, fue un partido épico, digno de ser visto muchas veces más.

2012: El año que la Influenza regresó / Un somnífero llamado #DebatePAN

2012-01-31T21:49:00.000-06:00

El regreso del cubrebocas.

Está terminando Enero, y con él está llegando un tremendo frente frío que nos tiene bien abrigados en el De-Efe. Lo preocupante del asunto es el nuevo brote de Influenza AH1N1 a lo largo y ancho del país.

Hace dos semanas, mamá prendió los focos rojos en casa; en la clínica donde trabaja, se detectó uno de los casos mortales; femenino de 36 años que falleció algunos días después. Me rogó que, si entro al Metro, use tapabocas, y que lleve gel antibacterial conmigo a todas partes.

Ahora, se reportan 29 muertos, casi la misma cantidad de los que ocurrieron el año pasado. Dos enfermos llamaron la atención: Heriberto Murrieta, el cronista taurino, logró librar la enfermedad y ya está en sus actividades normales. La columnista Aurora Berdejo no tuvo la misma suerte, y murió el pasado viernes 27.

No sé qué esté pensando Salomón Chertorivski, secretario de salud, al decir que el índice de 1623 brotes de gripe es "absolutamente normal", cuando el 90% tiene que ver con el virus. Algo que dijo es preocupante, que se esperan entre 9000 y 11000 casos para el resto del año.

Ha regresado la influenza. Aunque no creo que pasé algo parecido a lo de 2009, hay que tenerlo en cuenta.

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Debate PAN 2012: el cinismo amplificado.

¡Qué aburrido estuvo el segundo debate de precandidatos del PAN! Si nos quejábamos del "cantinflismo" del aspirante priísta Enrique Peña Nieto, aquí también tenemos mucha tela qué cortar. Nada más porque ya había tomado siesta, no me quedé dormido ante tan pobres retóricas. Eso sí, lo único que faltó fueron las propuestas.

Santiago Creel hizo muy mal tercio; no encontró la forma de llamar la atención hacia su figura gris y desgarbada. Ernesto Cordero "como que" quiso armar un incendio, pero al final terminó quemándose; ¿qué fue eso de "Vicente Calderón"?, ¿con 6 mil pesos le alcanzará para ir a ver al Atlético a Madrid, ahora que quedará fuera de la contienda?.

Por otro lado, no hay duda de que Josefina Vázquez Mota ganará la elección interna del próximo domingo, pero su forma de hablar es tan acartonada como la piel de un elefante; es como escuchar hablar a una contestadora. Se la pasó capoteando cualquier insinuación incómoda de Cordero, y no tuvo que pisar el acelerador en ningún momento. Según el periódico Reforma, la tendencia es de 70% de intención de voto para JVM entre los militantes auriazules, lo cual parece ser irreversible.

Ahora, si ningún extraño dedazo ocurre, Vázquez Mota tendrá que escalar una montaña muy alta. López Obrador puede crecer mucho, y Peña Nieto aún está muy lejos de ella.

Jackson Pollock: 100 años

2012-01-28T07:00:00.000-06:00

Jackson Pollock, 1949 (Martha Holmes / LIFE Magazine)

Para F.A., quien ama a Pollock más que nadie que conozco...

(Para escuchar leyendo: Louis Armstrong - That Rhythm Man)

Mi historia con Jackson Pollock, quien nació un día como hoy de hace 100 años, comenzó en 2007 cuando fui a Nueva York; la ciudad de todos los mundos, lagran urbe de hierro y luces incansables, un cosmos casi infinito frente a los ojos deun chico de 19 años. Las avenidas vivas, los grandes espectáculos, los rascacielosimponentes; aceras, callejones, grandes avenidas y puentes colgantes a lalejanía. Es muy difícil explicar todo lo que ahí ocurre, es como tratar decontar todas las historias que ahí han ocurrido y que suceden en estos momentos; sólo puedo decir que haypocas metrópolis que pueden concentrar ese tipo de encanto mágico y peligroso a la vez.

Habíados cosas que yo quería hacer en Nueva York, retando a los azares de una ciudadtan llena de diversiones y sitios turísticos; la primera era entrar en un museoy la segunda era ir al beisbol. Visitar la Estatua de la Libertad, Federal Hally la Zona Cero no me llamaba demasiado la atención, ir a ver teatro de Broadwaytampoco me quitaba el sueño; mi fobia a las alturas volvió un poco incómoda mivisita al Empire State y de mi caminata frente a Times Square sólo recuerdo elsabor de un pretzel, una pizza y un paquete de M&M's. Hubo mala fortuna en Shea Stadium: los Mets perdieron 4-1 contra los Diamondbacks, en un partido de Sunday Morning bastante desabrido.

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Jackson Pollock (1912 - 1956)
"One: Number 31" (1950)
Óleo y esmalte sobre tela, 269.5 x 530.8 cm
Museo de Arte Moderno, Nueva York

Sábado 2 de junio, tuve que hacer una difícil elección: ¿el MoMA, elMet o la Frick? Viajábamos con un hombre mayor (A.G. - q.e.p.d.) que no podíacaminar grandes trayectos, y ni su nieto V. ni mi papá estaban totalmenteentusiasmados con ir a un museo. Tuve que elegir la alternativa que, desde mipunto de vista, sería la menos agotadora y la más placentera: el Museo de ArteModerno de Nueva York; pensé que Van Gogh, Picasso y Monet podían entusiasmar a dos médicos y un estudiante del ITAM.

Todo fue de acuerdo al plan: nadie con sentimientos puede resistirse a La Noche Estrellada, ni a Las Señoritas de Avignon o a las Campbell's de Warhol; no creí que las salas de diseño industrial les fueran a gustar tanto, pero así fue. Por otro lado, fue difícil explicar de qué iba el Blanco sobre Blanco de Malevich, o la Rueda de Bicicleta de Duchamp; simplemente no pude explicarle a papá los zippers de Barnett Newman o por qué Willem de Kooning era tan importante, se quedó pensando que eran tomaduras de pelo. Cuando vas en segundo semestre de Historia del Arte, aún te falta muchísimo por saber.

Pero si tuviera que enmarcar un momento que resumiera toda esa maravillosa epifanía artística, donde se reflejó todo ese cúmulo de emociones que ocurrieron durante esa odisea neoyorquina, mencionaría el momento en el cual me encontré con el No. 31 de Jackson Pollock. F.A. lo advirtió en clase, y no fueron palabras al viento, sino pura belleza y emoción: me quedé sin palabras ante ese lienzo gigante que estaba frente a mí; no importaron los turistas japoneses que tomaban fotografías frenéticamente, ni el par de mujeres alemanas que platicaban a grandes susurros junto a mí, yo tenía que acercarme mucho más a buscar mi lugar en esa masa de color.

Hubo un momento en el cual pude estar a dos pasos del lienzo, cuyo tamaño parecía pedirme que me fundiera con él en una especie de atracción mística, en un abrazo total con la sustancia misma del misterio que ordena el Universo, el ciclo fundamental de todos los caminos que llevan al hombre por los avatares de los sueños, por los enigmas de la Creación. No sabía dónde comenzar, y al no haber ruta trazada, mis pasos en paralelo comenzaban a buscar, queriendo hacerme parte de un movimiento brutal, de un testimonio donde materia y luz eran el binomio de una energía sobrenatural; cada color era una nueva revelación, cada textura una tierra virgen por explorar; cada minúscula gota y cada río derramado de pintura era un encuentro con el caos que ordena los deseos que dan forma al destino.

Yo sólo podía sentir que las manos se tentaban a levantarse ante esa cartografía infinita de fractales ilegibles; mis piernas habían cesado de moverse, mis ojos se habían perdido. Después de la danza suave por el piso de madera de la galería, como la del amante que busca incansable el perfume de su amada, hubo un silencio absoluto frente al estruendo de esa fuerza superior. Fue entonces que entendí lo que quería decir ese tosco caballero llamado Jackson Pollock cuando le dijo a Hans Hoffman que Él era la Naturaleza.

Esa tarde, en la tela del No. 31, quedó atrapado algo de mí; sigo sin poder explicar exactamente qué.

Yo Confieso... #9: Cálculos Biliares y la Semana de Ausencia

2012-01-25T03:49:00.000-06:00

Peter Paul Rubens (1577 - 1640)
"El Castigo de Prometeo por el Águila de Zeus" (ca. 1610-11)
Óleo sobre tela, 189 x 240 cm
Philadelphia Museum of Art, Estados Unidos

Diez días de ausencia en el blog tienen muchas explicaciones, pero una de ellas es más importante que las demás. Sus mercedes disculpen por no tener un tema mejor del cual hablar, pero esto es bastante importante para mí.

Dudo que recuerden que el pasado mes de marzo tuve un severo dolor de espalda que me mantuvo con muchos problemas por varios días; en aquel momento me indicaron que debía realizarme un ultrasonido de abdomen superior como diferencial, pero como al final fue un asunto meramente muscular, no me lo hice.

*****

Pero fue en estos días que me regresaron unos dolores abdominales muy fuertes que había experimentado durante el año pasado en momentos aislados, y que asociaba a comer en exceso; dichos malestares me terminaron por tumbar el pasado jueves, día que tuve una entrevista de trabajo muy importante aderezada con un agradable encuentro inesperado. Me había sentido muy cómodo en la cita, y pese a que estaba nervioso, no había sentido ninguna clase de pánico escénico.

La tarde fue muy tranquila: tenía la adrenalina muy acelerada y me sentía demasiado bien; a las 8 de la noche, después de haberme quedado dormido mientras leía, sentí ese terrible ardor en el abdomen que me despertó. No lo podía creer, pensé que me había librado de ellos desde hace algunos meses; comencé a sudar frío y a tener escalofríos. Sin duda me encontraba muy mal, y cuando hicieron efecto los antiespasmódicos y los analgésicos, sentía que sólo habían vuelto el malestar más "light", como si estuviera adormilado pero muy presente. No me quedaron ánimos para cenar cuando todo terminó.

Tuve cita para ultrasonido el sábado por la mañana, después de un ayuno total que no me dejó dormir; cuando terminó la exploración, le pregunté a la doctora que me atendió que si tenía de qué preocuparme, pero no quiso decirme demasiado, sólo que no me enojara demasiado. Esa noche fue la fiesta de cumpleaños de V.G., y me divertí como pocas veces en mi vida, tratando de olvidarme un rato de lo que había pasado y recargando ánimos para lo que se viniera.

*****

Hace rato fui a recoger el resultado, y mi mamá se puso como loca al ver que tenía un par de cálculos de un centímetro; me dijo que tendrían que operarme en algún momento, lo cual me dejó sin muchas ganas de hablar. Entonces fui a la oficina de papá para que él viera el ultrasonido, y me dijo que era muy probable que tuviera que ir al quirófano, pero que debía buscar una alternativa, ya que era demasiado joven para que me quitaran la vesícula. En unos días, empezaré tratamiento con ácido ursodesoxicólico, el cual deberé llevar junto con una dieta; adios al huevo, a los lácteos y a las grasas.

Si mamá se entera de que papá no quiero que me metan bisturí, va a dar el grito en el cielo. Mamá es médico familiar, es del tipo de galenos que dan tratamientos a raja tabla, que mandan a sus pacientes a estudios ante cualquier síntoma extraño. Por su lado, papá es internista y administrador, él es más del tipo que busca alternativas menos invasivas a problemas aparentemente severos; el que sea hijo suyo también debe influir a que no me haya mandado de inmediato a operar.

Ese par de piedritas biliares me van a traer mareado por la primera mitad del año. Espero que todo salga bien y que no tenga que meterme a cirugía de emergencia. Habrá que tener fe en la ciencia y mucha disciplina.

No tiene nada de malo admitir que tengo miedo...

Cover-contra-Sencillo #6: "I Shall Be Released"

2012-01-16T23:32:00.003-06:00

El día de hoy tuve ganas de escuchar el compilado de canciones de Bob Dylan de mi iPod; me dieron tremendas ganas de ver I'm Not There, pero no la encontré, no quería escuchar el soundtrack sin el filme, por lo que mejor me puse a escuchar a Jack Frost de viva voz. Una de mis canciones favoritas de este gran genio es "I Shall Be Released", que originalmente fue grabada por la agrupación canadiense The Band en su disco debut, Music From Big Pink (1968); la versión que tengo en mi iPod es de 1971, y aparece en varias ediciones de Greatest Hits, por lo que busqué el track original para conocerlo.

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The Band en 1969 (Elliot Landy)

The Band era un ensamble que se definía a sí mismo como de rhythm & blues, con fuerte arraigo en el country e influencias en la música Motown; cinco virtuosos músicos lo componían: Rick Danko, Levon Helm, Garth Hudson, Richard Manuel y Jaime Robbie Robertson. Bob Dylan los conoció en 1965, momento de transición creativa para él; eran los tiempos en los cuales se había lanzado el seminal Highway 61 Revisited (1965), las canciones folk de protesta daban lugar al rock eléctrico, para pesar de muchos puristas de la música tradicional que veían en él a un ídolo. De esos años de cooperación surgió una amistad que se vio reflejada en el trabajo de ambas partes: dos trabajos de estudio en conjunto, así como algunas maquetas y giras; de hecho, la portada de Music From Big Pink fue realizada por el pincel de Dylan, quien también aportó tres canciones: "Tears of Rage", "The Wheel's on Fire" y "I Shall Be Released".

"I Shall Be Released" debe ser, sin temor a equivocarme, una de las canciones más emblemáticas que haya compuesto Bob Dylan en sus más de 50 años de trayectoria; hacer un juicio como éste cuando se trata de semejante coloso de la música popular es un acto que amerita mucha valentía. Cuando The Band la grabó, en 1968 para su opera prima, ocurrió un evento trascendental para la banda torontoniana; no sólo soldaron el vínculo que unió sus talentos con los de Robert Zimmerman por el resto de sus vidas, también se originó fue uno de los momentos más hermosos de la historia de la música estadounidense.

Algo que me causa mucha fascinación de la poesía de Bob Dylan es su búsqueda incesante por lo que parece ser inalcanzable, en un mundo donde elegir no es opción, sino que es un acto que se encuentra sesgado por la existencia misma. Se dice que esta canción fue compuesta pensando en el falsete del pianista Richard Manuel, el cual tiene una carga emotiva difícil de describir, como si estuviera destruido por dentro, como si no tuviera otra elección más que la sucumbir al sino. Detrás del rasgueo de la guitarra de Robertson, el órgano de Hudson causa un escalofrío sublime, acompañado en el bajo por Danko y en la batería por Helm. Esta interpretación adquirió una dimensión diferente cuando Manuel se suicidó en 1986 tras una larga batalla contra la depresión y las adicciones; como si se tratara de un réquiem a su tormentosa vida, la canción transmite una carga funesta detrás de su esperanza.

*****

Como ha ocurrido con gran parte del catálogo de Bob Dylan, "I Shall Be Released" ha sido versionada por una gran cantidad de artistas de diferentes géneros y orígenes. Uno de los primeros covers de la canción lo realizó Nina Simone a finales de los 60's, al cual siguió uno de la banda de reggae The Heptones. Algunos de los artistas que han retomado esta canción han sido The Byrds, Joe Cocker, U2, Jeff Buckley, Joni Mitchell, Wilco y muchos más.

Hay una versión bastante reciente que me gusta mucho de la canción que fue realizada por la cantante inglesa Beth Rowley en su disco debut Little Dreamer (2008). No dudo que una de las influencias que esta chica tuvo al realizar este disco fue la música de The Band, ya que los elementos de country y gospel que son prominentes en el sonido de los canadienses. Este disco es una pequeña joyita que conocí por uno de los sencillos del álbum, "So Sublime", cuando estaba clavado con las llamadas "nuevas Amys"; este disco salió en el mismo momento que el 19 de Adele y el Rockferry de Duffy. No lo prometeré, pero puede que hable de Little Dreamer a profundidad en otro momento.

La versión de Rowley es producto de convertir la canción de Dylan con un ritmo reggae muy parecido al que ya habían mostrado los Heptones casi 40 años antes. Sin embargo, la voz de Rowley destaca en la interpretación de estos géneros por su frescura, su calidez y su potencia, lo cual le ha valido comparaciones con cantantes como Dusty Springfield. Esta versión es muy elegante y sólida, y aunque a algunos le suene demasiado alegre y frívola, no me pueden negar que es un gran cover; hay algo que me encanta en esta chica, y es su capacidad interpretativa. En 2012, Rowley sacará material nuevo, y me muero de curiosidad por saber de qué se trata.

Es una decisión difícil, pero esta vez me quedo con el Sencillo...

Del rechazo a la Ley SOPA y el Armagedón de Internet

2012-01-12T21:32:00.003-06:00

Muchos se preguntan sobre la Ley SOPA (Stop Online Piracy Act); aquí las consecuencias que derivaría de ser aprobada por el Congreso estadounidense:

Se terminaría el intercambio de cualquier tipo de información por Internet, lo cual volvería a muchas expresiones culturales exclusivas de las personas que pudieran pagarlas: Conocimientos, manifestaciones artísticas, entretenimiento. Sería el fin de Wikipedia, Youtube, los motores de búsqueda y las redes sociales.
El "fin" que se persigue es combatir a la piratería, pero eso es sólo la punta del iceberg; sería un atentado contra la creatividad artística y la innovación tecnológica. Adiós música independiente, adiós patentes libres.
Al estar todos los grandes servidores web albergados en la Unión Americana, la ley afecta a todo el mundo. Irónicamente, este marco legal sería el pretexto para que los servicios que proveen Internet fueran obligados a bloquear a aquellas personas que fueran sospechosas de compartir información, sin orden judicial alguna.
Todo derivaría en el fin de la libertad de expresión por Internet; los sitios web no tendrían de otra más que autocensurarse. Si tú compartieras una canción, un discurso político grabado en televisión, el video de un acto artístico o una patente, aún cuando fuera con fines de crítica académica, el sitio te censurará so pena de que sea sancionado, y se vería obligado a bloquearte de toda forma. Adiós enlaces, adiós publicidad, adiós visitas, adiós ganancias.
Los servicios que te proporcionan Internet espiarán tus correos, y te censurarían también si agregas alguna información con copyright. Los sitios alternativos serían ilegales, lo cual sería un golpe de muerte al funcionamiento de páginas como WikiLeaks.
Sería el fin del Internet comunitario, sin el cual, no hubieran pasado las grandes revoluciones sociales, económicas, culturales y políticas que vivimos en nuestro tiempo. El temor de que el Internet se volviera una estructura rígida y jerarquizada es más latente que nunca. Lo que ya pasa en China con su "Gran Firewall" sería una realidad en Occidente.
Sería el fin, como ya lo dije, de las redes sociales: escribir blogs como éste sería sinónimo de ser un criminal. Ni George Orwell lo hubiera escrito mejor.
¿Quién está detrás? Los grandes conglomerados de software, las discográficas, las grandes editoriales, las televisoras, las casas cinematográficas, los laboratorios transnacionales y otros.
¿Quién se opone? Los sitios que han permitido que las revoluciones de Internet sean una realidad: Youtube, Wikipedia, Creative Commons, Facebook, Google y otros más.
¿Qué hacer? Expresar tu inconformidad, compartir información, hacerte ver. Desde las pequeñas chispas hasta los grandes incendios.

*****

El video que aquí comparto fue realizado por Anonymous, y lo colgué en el sitio Facebook de este blog el pasado Martes. Creo que es lo que mejor lo explica. El ejemplo hipotético puede ser ridículo, pero es muy claro y duro.

Entre mis valores para con este blog, "El Arcangelino", están el de compartir información de todo tipo, como opiniones, recomendaciones, ensayos e imágenes; si alguien las toma, es su decisión, ya que el Internet es democrático en ese sentido. Si se llegara a aprobar la Ley SOPA, gran parte de las razones por las cuales he cuidado de este espacio web por 32 meses serían insostenibles; lo mismo con la gran mayoría de los blogs a los que soy asiduo.

Muchos de los sitios que he mencionado arriba son de gran ayuda para que esto sea posible: Wikipedia, por ejemplo, es un punto de partida muy bueno; si es que fuera docto en el tema, puede que comparta bibliografía u otras fuentes diferentes, aunque casi nunca aplico rigor académico en este espacio. Internet es un mundo vasto donde la información es casi infinita, todo al alcance de cualquier computadora.

Me gusta la música, es una extensión de mi forma de ver el mundo, y comparto vídeos de Youtube cada vez que es posible. Casi no he hablado de cine en este espacio, pero siempre es bueno compartir un trailer para que ustedes decidan si pagar por ver o no; lo mismo pasa los discos de música, los libros y las exposiciones. Cada vez que subo una imagen, digo de dónde la tomé o en qué colección se encuentra, para que ustedes tengan la referencia.

Yo no gano dinero por escribir este blog porque no he querido monetizarlo, pero los que sí ganan también comparten información y crean contenido de todo tipo; en México está Sopitas (nada que ver con la ley), quien ha hecho de su blog lo que yo sólo puedo soñar: una enorme comunidad de internautas, que recauda gran parte de sus ganancias sólo en patrocinios. Piensen si su sitio web favorito podrían funcionar bajo esta legislación... ¿no, verdad?

En fin, sigo al pendiente, y tengo confianza que este atropello no sucederá.

La Ley SOPA explicada con Mafalda
(derechoaleer.org / culturacolectiva.com)
Ábrelo en una ventana nueva con el botón secundario.

De la Estela de Luz y el Triunfo de la Corrupción

2012-01-09T17:27:00.001-06:00

La fiesta de la Estela de Luz (APF)

El pasado 7 de enero, Felipe Calderón inauguró la Estela de Luz en Paseo de la Reforma, el monumento de conmemoración de las fiestas del Bicentenario de la Independencia. Tras quince meses de retraso, un lodazal de corruptelas y un costo de más de MX$1000 millones de pesos, mucho más que el proyecto original (MX$400 mdp), la Ciudad de México tiene un nuevo ícono que, desde mi punto de vista, está en un proceso que circula entre la resignada aceptación y el peligro de una dañina resignificación.

*****

La historia de este obelisco luminoso comienza a inicios de 2009, cuando se lanzó la convocatoria para la entrega de proyectos para un nuevo "arco" que conmemoraría los 200 años del inicio de movimiento de Independencia en México. Entre los trabajos de un grupo selecto de arquitectos invitados al concurso, se eligió la propuesta del equipo de César Pérez Becerril (Ciudad de México, 1960), una torre luminosa de 104 metros de altura por 9 de ancho con una plaza, símbolo de la modernidad del país y de recordatorio de los retos por afrontar en el futuro; éste enmarcaría el trazado original del Paseo de la Reforma, que data de los tiempos de Maximiliano de Habsburgo.

En un inicio, la propuesta del arquitecto Pérez Becerril sonaba muy bien, ya que su propuesta abogaba por un memorial innovador para el entorno urbano, ecológicamente económico y visualmente discreto. Lo que pocos previeron en ese momento fue la sarta de problemáticas que se iban a desatar a su alrededor, las cuales provocaron su retraso y la enorme alza de su precio para el erario público. Se asignó la responsabilidad de la obra a la Secretaría de Educación Pública, liderada por Alonso Lujambio, y la licitación arrojó como ganadores del proyecto a dos constructoras, iii Servicios (léase Triple I) y Gutsa Infraestructura. Se compraron 1704 luces LED, se mandó traer cuarzo brasileño pulido en Italia, se licitaron tipos de materiales y se modificó el proyecto original en varias ocasiones; lo que fue inaugurado el sábado es sólo el 15% del proyecto que ganó en 2009, y que terminó costando las perlas de la Virgen.

Se suponía que el proyecto sería entregado en agosto de 2010, para ser inaugurado en las fiestas del Bicentenario, pero la construcción estaba en obra negra y no había fecha para terminarla. En julio de 2011, el arquitecto Pérez Becerril entregó a la Auditoría Superior de la Federación, junto al diputado Pablo Escudero, del Partido Verde, documentación que señalaba el derroche y la red de corruptelas alrededor de la obra. Considero que Becerril ha pagado un precio profesional injusto por una obra que debió de darle prestigio por generaciones.

El próximo 20 de febrero, la Auditoría entregará su reporte anual del gasto público, y entonces sabremos con certeza la cantidad a la que asciende este iceberg de corrupción.

*****

Como historiador del arte y como ciudadano, encuentro inquietantes muchos factores, los cuales enumeraré: el problema estético, el problema patrimonial, el problema político y el problema simbólico alrededor de esta Estela.

Un recuento a grosso modo de las construcciones emblemáticas del De-Efe me revela una relación amor - odio con los lenguajes arquitectónicos que existen a lo largo y ancho de nuestro valle. El Centro Histórico de la Ciudad de México alberga una gran parte de la arquitectura que se ha construido en México: los vestigios del Templo Mayor se contrastan con notables ejemplos de arquitectura civil y religiosa novohispana, además del neoclasicismo decimonónico y los lenguajes historicistas del Porfiriato. La expansión de la urbe comenzó hacia finales del siglo XVIII y se consolidó hacia el periodo posrevolucionario; al costado del Paseo de la Reforma se construyeron nuevas propuestas de trazado urbano en barrios como la colonia Santa María la Ribera, la Juárez y la Condesa.

El siglo XX trajo el boom de la construcción de multifamiliares y edificios corporativos, además de obra pública para el tránsito de la creciente población: los ríos se entubaron para dar paso a circuitos automovilísticos, se crearon los ejes viales y el Metro. Hoy en día, los proyectos arquitectónicos de cualquier modalidad tienden, como en pocos momentos, hacia el minimalismo y la funcionalidad. La Estela de Luz responde a un momento de grandes proyectos enfocados hacia esta visión "innovadora" del urbanismo y la arquitectura: la Torre Mayor, el nuevo Museo Soumaya y la Nueva Cineteca Nacional son ejemplos de esto.

El apodo que se maneja para esta monumento es "la Suavicrema de Reforma"; no es columna, tampoco es arco, ni siquiera parece un faro, parece más una galleta para helado.

*****

Magú: "Primeros Visitantes", en La Jornada, Enero 9 de 2012

Ahora que este obelisco lumínico ha sido inaugurado, haiga sido como haiga sido, sería ridículo pensar que se debería derrumbar; no se trata de que el caldo salga más caro que las albóndigas, sino que se pueda darle viabilidad y significado a este enorme tropiezo burocrático. La torre, como la concibió su creador, tiene un simbolismo y un valor estético solemne y elegante que deberá de trascender a la abrasiva naturaleza de la capital; si ya nos salió tan caro el chiste, es menester cuidarlo para que no se arruine. Su localización es preocupante: la Estela fue construida muy cerca de los paraderos de autobuses del metro Chapultepec, y un miedo natural sería que la plaza se convierta en un inmundo tianguis como el que ya existe en ese lugar.

Por otro lado, se dice que esta construcción tiene una vida garantizada de 200 años, pero no sabemos con certeza sobre el tipo de mantenimiento que se le tiene que dar, cuánto costaría y quién lo realizaría; tampoco se sabe quién se hará responsable del gasto de energía eléctrica que produzca, ya sea la Presidencia y el Gobierno del Distrito Federal. Que algo tan caro termine siendo un elefante blanco sería de absurdo, y al parecer no existe aún uso para las galerías que se albergan en la parte de abajo de la Estela.

Por la dignidad del monumento, los ciudadanos debemos exigir que se aclaren los precios tan altos que se pagaron por él para que no pase a ser un "memorial a la corrupción" de dos sexenios panistas, como se propone en las redes sociales. Se debe preservar la significación original y se debe fomentar una interacción proactiva con sus espectadores, pero para esto hay que tener la cabeza fría y no caer en discursos viscerales. Es muy duro aceptarlo, pero México es un país con 50 millones de pobres, y el dinero extra que se gastó en semejante monumento pudo haber sido utilizado de mil maneras mejores, y los responsables del derroche no deben quedar impunes. El que el monumento no sea recordado por su intención original sino por sus consecuencias sí sería un malgasto; no tiene la culpa la Estela, sino quien la hizo comadre.

Recordemos que los parisinos pusieron el grito en el cielo cuando se construyó la Torre Eiffel. La Estela de Luz tendrá, de entrada, muchos obstáculos y oposiciones para incrustarse en la iconografía de la Ciudad de México, pero para saberlo, sólo podemos esperar a que el tiempo marque su devenir.

Detalles #10: "La Novia del Viento" de Oskar Kokoschka

2012-01-03T07:15:00.000-06:00

No hay corriente que traiga viento

hacia mis frágiles persianas

y mi lecho es espina de un rosal

clavada sobre mi costado

No hay corriente que traiga viento

hacia mis frágiles persianas,

y el frío glaciar de mi habitación

es mi desangrado corazón.

De noche, la sombra de mi cuerpo,

un frágil fragmento de soledad

invoca al mayor de mis deseos:

la mujer que sólo puedo soñar.

Sus manos son temblor en mi pecho,

su cuerpo los pliegues de mi almohada

mi respiración son sus cabellos

y mi esperanza su mirada

cerrada por el sueño eterno

que de su belleza me separa

como la sombra de una cueva

que con su vil descaro me engaña.

Lleno de furiosa impotencia

quise darle rostro a mi farsa

pero ni los dedos ni la mente

consiguen vaciarme del fantasma.

Todo fue inútil y vano

como un barco sin velas y sin mar,

de repente he despertado

me quedé sin cansancio para soñar.

Observé la luz de alborada

y clausuré mis frágiles persianas,

en el viento no hay ya nada,

tan sólo alegría, paz y calma.

*****

Oskar Kokoschka (1886 - 1980)
"La Novia del Viento" (1913-14)
Óleo sobre tela, 181 x 220 cm
Museo de Arte de Basilea, Suiza

¡¡¡Feliz Año Nuevo 2012!!!: Yo Confieso... #8 / Recuento y Propósitos

2011-12-31T06:49:00.000-06:00

Otro año se extinguió, como las llamas de la ceniza al caer sobre el suelo, y como la luz que anuncia el grito furioso del relámpago, se acerca poco a poco el 2012. La vida va girando, los segundos son tan pequeños, pero tan vastos como granos de arena golpeados por las olas del mar; y el curso del mundo, tan constante e inagotable, prepara de nuevo su viaje cósmico por su pequeño pedazo de Universo.

Y aquí sigo yo, tan incierto como pocas veces, tan absorto por el mundo que me mira impaciente y que amenaza con absorberme en su agonía inevitable. Lejos quedaron los días en los que crecer era un juego que se hacía entre los primos, entre los amigos, entre los sueños; lejos quedaron las auroras que desde mis ojos veían maravillados lo que el destino le deparaba: corbatas y camisas, el auto de papá, la cena de 9 de la noche, el sueño suspendido camino a una nueva jornada.

Esos días debieron llegar desde hace muchas lunas, pero en su lugar, me oculté en un pozo sin fondo, donde sólo pudiera ver las estrellas y las faces lunares. La cuerda que va hacia la superficie ha estado ahí todo el tiempo, pero mis manos han estado demasiado entumidas para subir hacia el vacío y recomenzar. Pero ya es 2012, y por más que los medios en su ignorancia sensacionalista digan que el fin del mundo se acerca, aún queda mucho camino qué recorrer.

Esta es mi vida, yo tomé cada ruta, cada descanso, cada error, cada acierto. Elegí y fui elegido: amigos, padres, hermanos, familiares, maestros, colegas, lectores de este blog. No me puedo defraudar, no los quiero defraudar; ellos se han jugado mucho por mí, me han dado su amistad sin medidas, me han ayudado en lo que los he pedido, me han ayudado a crecer. Quiero mostrarles que todo lo que he recibido ha valido la pena.

A todos ellos, a todos ustedes... ¡Gracias!

*****

Este año, pese a todo fue un gran año. Aquí un recuento de todo lo que pasó:

Lo más importante, la culminación de mi carrera. Me dicen que ya puedo ejercer como historiador del arte, pero no me lo creeré hasta que tenga mi título en casa. Tuve unas cuantas clases y realicé mi Servicio Social; en él, conocí personas muy interesantes y valiosas, vi y aprendí muchas cosas, y agradezco mucho la oportunidad de haber podido ayudar ahí. El lugar donde estuve, por si no lo habían sospechado por mis reseñas de exposiciones, se llama Museo Nacional de San Carlos, y es uno de mis museos preferidos ahora y siempre.
Otro momento importante fue el regreso a mi vida de mis compañeros de primaria, a los cuales tengo el privilegio de llamarlos amigos. Fue el pasado mes de Febrero cuando, por iniciativa de uno de ellos, nos reunimos en algunos bares de nuestra ciudad. En el grupo podría haber muchos más, pero algo que no se ha dado es la logística. Cuidarlos es uno de los propósitos que me haré para el año que sigue; ojalá se arme alguna vacación con ellos.
Agradezco de todo corazón que tengo salud y que las personas que quiero también la tienen. Extraño a las Madrinas, quiero ver más a los amigos de la Prepa y a veces echo de menos a los compañeros de la Universidad; Papá siempre está bien, Mamá está mejor que nunca, mi hermana tiene pareja y confianza de sobra, y mi hermano ha crecido mucho y tendrá pronto tres años de edad. Por cierto, él es del 20 de abril, y este blog es del 27; nacieron casi juntos.
El último día de clases en la Universidad, lloré porque sabía que uno de los periodos más importantes de mi vida se había terminado. Traté de seguir el consejo de algunos de mis profesores de no acelerarme demasiado y de pensar mis siguientes pasos, algo que me tomé demasiado en serio, lo cual derivó en cuatro meses de hiato.
No viajé, no hice demasiado con mi vida, sólo escribí este blog; caminé las calles de la ciudad y los embrollos de mi vida neurótica. De no ser por "El Arcangelino", estaría a un paso del psiquiátrico; no puedo negarlo, me he divertido mucho, y espero que así siga siendo. El año para el blog ha sido endemoniadamente bueno; la cereza en el pastel han sido los lectores, mención especial merecen Aldonza y Beto.
El próximo año, espero escribir por aquí un poco menos, porque quiero estar más ocupado viviendo. Como saben, estoy desempleado, y mi principal objetivo para este año 2012 es hacer algo "productivo" para mí y para los demás. Ya descansé bastante, y es tiempo desde hace mucho rato para volverme un oficinista al servicio de la cultura.
Ha habido buenas exposiciones en el año, se ha escuchado música grandiosa. Nuevos artistas y nuevos discos han llegado a habitar mi corazón de condominio. Otro propósito que tengo es seguirle con las reseñas de mis discos favoritos y platicándoles lo que veo en las exposiciones a las que voy. Seguiré conociendo música nueva, pero quiero escuchar nuevamente a mis cantantes favoritos. Tengo que leer más, no quiero que me confundan con Peña Nieto; me cuesta tomar los libros, pero cuando los agarro me los como cual dulces.
2012 será un año clave para mi país. Elegiré al Presidente de la República por primera vez, y eso implica un deber cívico muy importante. Si vas a votar, vota; si vas a anular tu voto, ve a anularlo, pero no te abstengas; luego no te quejes de que los políticos son unos imbéciles.
Sigo resignado al #foreveralone, pero no quiero forzar las cosas. Es mejor estar solo que en una relación destructiva, y ya no me haré el propósito de encontrar pareja para el 2012. Estoy depurando mi lista de obsesiones, y quiero conocer gente nueva para ampliar mis horizontes; no me vendría mal un (sin)sentido diferente para ver la vida de otro color.
Necesito reordenar mi cuarto: comprar carpetas de archivo para la torre de copias que tengo y que son útiles, comprar un mueble para acomodar mi colección de CD's, depurar aparatos, revistas, ropa... El hecho de escribirlo me produce mucha ansiedad.
Hace poco inicié una historia que aspira a convertirse en novelita. Tal vez acabe quemándola cuando la termine, pero quiero saber de qué se trata.
Finalmente, y si todo sale bien, poder decir que voy por buen camino.

Nuevamente, ¡¡¡Feliz Año Nuevo!!!

Especial: Top 15 Albums de 2011 (Parte 2: del 7 al 1)

2011-12-31T03:11:00.000-06:00

Continuación de la entrada anterior...

Sigamos adelante con los mejores discos del 2011, antes de que el año se nos termine. En la entrega anterior tuvimos divas mágicas, enfermos de lo acústico, cineastas sonoros y un genio de la música electrónica. Ahora repasaremos los mejores siete, los que para mí destacaron entre lo mejor.

¡Todos a bordo! Faltan las grandes maravillas en este viaje musical... Habrá sangre, estoy seguro...

*****

7) M83 - Hurry Up, We're Dreaming

Para hablar de música electrónica, es imposible no conocer lo que Francia ha legado al mundo en este género. Desde el legendario Jean Michel Jarré, pasando por AIR hasta Daft Punk. En esta nueva lista de dioses galos de los sintetizadores y las computadoras, debemos incrustar a Anthony Gonzalez, el hombre detrás de M83, cuya sexta placa, Hurry Up, We're Dreaming, es uno de los discos más ambiciosos y deliciosos del año. Me arrepiento profundamente que haberme perdido su espectáculo en el Corona Capital de este año.

Si le buscamos defectos, debemos hablar de su longitud; al ser un álbum doble, puede parecer demasiado para quien no gusta del género, pero vaya que cada canción lo vale. Conjunta muchas influencias, pero a grosso modo, recuerda a dream pop con detalles que remiten al new wave ochentero, con un poco de punk rock. Atmósferas llenas de optimismo, explosivo y contagiosamente bailable, con momento hermosamente introspectivos. De haber sido más corto, hubiera sido perfecto, pero es un disco que se debe tener y donde todos encontrarán un tema favorito.

Escucha: "Midnight City", "Claudia Lewis" y "Steve McQueen".

6) Adele - 21

Poco vale la pena en el llamado pop mainstream, pero existen dos mujeres que caminan a grandes pasos hacia la trascendencia. Uno es la adorada y detestada iconófaga llamada Lady Gaga, quien con sus propuestas visuales, ilimitada ambición y extravagante personalidad, está cambiando para siempre los paradigmas del pop. La otra es la maravillosa Adele, un ejemplo perfecto de anti-idol; una gordita malhablada del norte de Londres, cuya poderosa voz de inexplicable matiz y rebosante emoción va más allá de lo terrenal. Su segundo trabajo, 21, confirma lo que pocos en América hemos sabido desde hace un par de años, que esta chica apunta a ser la nueva gran voz venida de las islas británicas.

La voz de nuestra generación apuntaló un material bailable hasta las lágrimas, con instantes serenos, doloroso de principio a fin, reflejo de un corazón que relame sus heridas sólo para volver a abrirlas. Tiene baladas grand piano profundas y soul con influencias en el sonido motown y en la música sureña. Perfectamente producido, impecable en sonido y rentable en todo sentido. Si no has escuchado sus sencillos, no vives en este planeta; sigo consternado por los que se emocionaron con los Vázquez Sounds.

Escucha: "Rolling in the Deep", "Rumour Has It" y "Someone Like You".

5) Feist - Metals

Leslie Feist es una especie de Helena de Troya de la música, el tipo de chica lista que quisieras presentarle a tu madre en cualquier momento de tu vida, por la cual podrías vender tu reino sin importar las consecuencias. Para su quinto disco de estudio, Metals, Feist transita por caminos diferentes a los de sus trabajos anteriores, aquí no hay canciones pegajosas como "1 2 3 4", ni encontraremos rastros de sus inicios en el punk; con ayuda de los productores Chilly Gonzalez y Mocky, ha logrado la que debe ser su placa más oscura y personal.

Inspirada por el blues, el jazz y el folk, Feist elaboró un disco lleno de detalles hermosos y de sorprendente creatividad. Cada track es una atmósfera y una emoción diferente, con arreglos caracterizados por su cuidado minimalismo. Percusiones, coros, arreglos de viento y cuerdas, todo ésto alrededor de un susurro profundo y los arpegios de una guitarra. Un catálogo de momentos llenos de melancolía y de una belleza irresistible. ¿Tú darías tu reino por Feist? Vale la pena.

Escucha: "How Come You Never Go There", "The Circle Married the Line" y "Anti-Pioneer".

4) Wilco - The Whole Love

¿Qué se puede decir de Wilco que no se haya dicho antes? Si tengo que hablar de una banda norteamericana que defina la búsqueda incesante de experimentación bajo estándares constantes de virtuosismo técnico, los menciono sin pensarlo demasiado; si me apuran un poco, sólo Radiohead es tan innovador y ambicioso como esta banda. La octava placa de los hijos ilustres de Chicago, The Whole Love, nos demuestra una vez más que no necesitan de los grandes reflectores para cambiar los panoramas del rock alternativo.

Heterogéneo pero elegante y sin máculas, el álbum te lleva tanto por un optimismo arrollador como por los traumas paternales y existenciales más profundos de su líder, Jeff Tweedy. Sonidos electrónicos, distorsiones, ritmos juguetones y esas raíces omnipresentes de la banda en la música country y en los sonidos de la cultura americana, los cuales son perfectos y depurados en todo momento. Escuchar este álbum puede provocar una obsesión crónica por la melódicamente impecable; quedan advertidos.

Escucha: "Art at Almost", "I Might" y "Dawned on Me".

3) Radiohead - The King of Limbs

Llegó el momento en el devenir de la historia que Radiohead dejó de estar más allá del bien y del mal; a los genios de Oxfordshire ya no le quedan los calificativos maniqueos, los han superado como parte de la creación su mito. En lo personal, tardé mucho en entender el Kid A (2000), el álbum que definió la década pasada antes de que ésta comenzara; cuando escuché In Rainbows (2007), supe que había encontrado un Aleph. Cuando algunos críticos dilapidaron The King of Limbs, el octavo capítulo del mito, simplemente tropezaron con la misma piedra; el rito había cambiado y las palabras sobran.

Las influencias de la electrónica, el jazz y la música clásica contemporánea siguen siendo el canon de referencia, junto a las cada vez más sincréticas raíces en el rock. Pocos logran imponer, con el éxito de Thom Yorke y compañía, las sensaciones por encima de la melodía, lo que vuelve a este opus tan hermoso y tan difícil de apreciar a la vez. La primera mitad del álbum tiende hacia la abstracción, es indefinible en sus partes y compleja en su forma; la segunda parte es mucho más atmosférica y tradicional, donde las guitarras y los ritmos simples predominan. Es un disco complicado, pero para poder hablar sobre la música contemporánea, debes haber caminado antes la(s) ruta(s) de Radiohead.

Escucha: "Bloom", "Lotus Flower" y "Codex".

2) PJ Harvey - Let England Shake

Cada vez que Polly Jean Harvey lanza una nueva producción, cualquier cosa puede esperarse. Para Let England Shake, su décimo disco de estudio, eligió instalarse en una iglesia de Dorset convertida en centro artístico junto con a sus músicos de confianza, John Parish y Mick Harvey, para grabar un catálogo de canciones de enorme carga crítica hacia la historia bélica del Reino Unido.

Este trabajo convirtió a PJ en la primer persona o banda en ganar el prestigioso Mercury Prize por segunda vez, y los argumentos críticos no están equivocados al decir que es el mejor álbum de su carrera, realizado en el cenit de la misma. Música etérea con poderosos bandazos de ritmo acelerado, acompañada por poderosa poesía, donde el sentimiento patriótico y la indignación por la muerte de guerra y la destrucción se encuentran contrapuestos en todo momento. Harvey construye los andamios de estas canciones en base a su camaleónica voz y a una autoarpa. Más allá de sus bien redondeadas intenciones conceptuales, se trata de un disco pulido a la perfección.

Escucha: "The Last Living Rose", "The Words That Maketh Murder" y "Bitter Branches".

1) TV on the Radio - Nine Types of Light

Éste es el disco del año, y vaya que tuve un gran dilema entre cuatro para decidirme por uno. Irónicamente, éste fue el último de todo el recuento que escuché, y fue indiferente en un principio, hasta que, como una copa caliente de cognac, soltó todos sus secretos en mi oído hipnotizándome; debo admitirlo, terminé por darle la razón a una gran parte de los críticos y revistas que leo.

Hasta hace algunos meses, ignoraba de la carrera de una década de TV on the Radio, pero con éste álbum redimí tan grave pecado de omisión; ahora es cuestión de dar pasos hacia atrás con su trabajo más "pesado". Por ahora hablemos de esta joya, Nine Types of Light, ¿por dónde empezar a hablar de lo que sólo se puede sentir?

Después de tres años de trabajo en proyectos alternos, Tunde Adebimpe, David Sitek, Kyp Malone, Gerard Smith (Q.E.P.D.) y Jaleel Bunton se reunieron para grabar la que sería la quinta placa de la banda. Pese al cáncer pulmonar que aquejó a Smith, bajista y tecladista, éste pudo terminar las grabaciones, pero murió pocos días antes de la salida del álbum al mercado. La reacción fue tremenda, las críticas se han volcado alabando este disco por su cuidada producción, por sus momentos vocales, por la exploración de géneros y por las vanguardistas atmósferas que desarrolla.

Este trabajo es un crisol de lo mejor de muchos mundos, encarnado y expuesto en un tramado genial de vaivenes emocionales y rítmicos. Debe ser difícil configurar un sonido con influencias y estilos tan eclécticos, como el rock, el soul, el R&B, el trip-hop, el pop ambiental, el gospel y el jazz; TVOTR no se queda en el intento, sino que logra salirse con la suya en diez manifiestos de calidad y belleza abrumadora. Su equivalente en cine, según el crítico Sean O'Neal de A.V. Club, es Hiroshima Mon Amour de Alain Resnais, "trata sobre hacer el amor" en medio de un monumento de destrucción, donde todo acto creativo se resume en deseo.

Un disco melódico, cálido y refinado, que tiende hacia el crecendo rítmico, conformado por dos voces masculinas, Malone y Adebimpe, crooners de nuestros tiempos, amén de sorprendentes arreglos vocales e instrumentaciones nítidas. Semi-lento en lo general, pero con episodios llenos de movimiento; asentado en un punto medio entre lo mínimo y lo recargado, entre lo frenéticamente bailable y lo cadenciosamente oscilante, entre el optimismo y la melancolía, entre la reflexión y la pasión. NTofL es manantial, roca y cascada en un paisaje con maravillas ansiosas aún por ser exploradas.

Escucha: "Second Song", "Keep Your Heart", "Killer Crane" y "Caffeinated Consciousness"

Especial: Top 15 Albums de 2011 (Parte 1: del 15 al 8)

2011-12-28T07:40:00.000-06:00

Mis 15 de 2011...

El fin del año se acerca inevitablemente, no sin antes hacer mención a los mejores discos editados en los últimos 12 meses. He dividido la entrada, por cuestiones de espacio, y para que no les sea demasiado pesado, en dos partes; ahora les hablaré del número 15 al 8, y en la segunda parte revelaré todos los demás.

Por primera vez en la vida de este blog, me atrevo a realizar un conteo anual de este tipo, con los que son, desde mi punto de vista, los mejores albums del año. Iré en orden ascendente, marcando lo que destaca de cada material, recomendando dos o tres canciones, hasta llegar al número uno absoluto. Trataré de ser breve, pero conciso, pero mejor no les digo qué tanto...

¿Siguen ahí? Este conteo está por empezar. Acompáñenme en este viaje trasatlántico, donde visitaremos los planetas musicales que marcaron e hicieron memorable este 2011. No duden en comentarme cuál falta, si no está aquí es porque no lo he escuchado con atención.

*****

15) Danger Mouse & Daniele Luppi - Rome

Fruto de un lustro de trabajo entre el multinstrumentalista y productor Danger Mouse (el que compone los ritmos de Gnarls Barkley) y el productor italiano Daniele Luppi, Rome es un soundtrack de un spaghetti western cuyos rollos de celuloide sólo se reproducen en las mentes de sus escuchas. Se puede entender que DM y Luppi juegan a ser Ennio Morricone; la instrumentación y los coros corren por cuenta de aquellos músicos que grabaron las legendarias bandas sonoras de los filmes de Sergio Leone como El Bueno, el Malo y el Feo y Érase una Vez en el Oeste. Por ejemplo, el canto del primer track es realizado por la soprano Edda Dell'Orso, famosa intérprete de los trabajos de Morricone.

Para no volver al álbum demasiado sinestésico y otorgar narrativas que sirvan de guía a la "trama", se convocó a Jack White y a Norah Jones para los "roles" principales. White cuenta las historias de un pistolero temerario y atormentado, mientras Jones cuenta las peripecias de una heroína en fuga. El resto de la música combina arreglos orquestales, coros apoteósicos y los sublimes detalles de los virtuosos italianos en un sonido rico en destellos cinemáticos. Pongan especial atención en el órgano, la celesta y las guitarras, los elementos que dan esa sensación tan vintage a la producción.

Escucha: "Two Against One", "Roman Blue" y "Black".

14) Ben Ottewell - Shapes & Shadows

De los de mi conteo, el que estoy seguro que 9 de cada 10 no han escuchado, y el único disco por el cual arriesgo demás; Ben Ottewell es uno de los guitarristas de la veterana banda británica Gomez, amén de su cantante más emblemático, buque insignia de la flota y una de mis voces favoritas en el mundo. Shapes & Shadows es su primer esfuerzo solista, el cual se ensambló, como el álbum anterior, durante cinco años.

Esta placa ha sido señalada por ser demasiado parecida a las baladas de Gomez, pero lo que más destaca en ella es la cálida y poderosa voz de Ottewell en atmósferas de guitarras acústicas con toques de cuerdas frotadas y sintetizadores, cuya mezcla final es elegante y sobria. Íntimo, desnudo y emocional, es un disco bastante folky, pero tiene canciones que suenan a country y a soft rock. La producción está hecha con el cuidado de un bordado, pero suena como recién almodonado. Un disco que puedes amar u odiar.

Escucha: "Lightbulbs" y "Step Right Back".

13) Thurston Moore - Demolished Thoughts

La primera vaca sagrada de la lista, Thurston Moore, uno de los dos guitarristas de Sonic Youth, llamó a Beck para que le produjera su tercer material solista, Demolished Thoughts. El resultado no podía ser mejor: cuando dos genios musicales con ideas en común se sientan a dialogar sobre música, las consecuencias suelen ser más que buenas.

Si esperan cuerdas distorsionadas y estridentes de este álbum, lamento decirles que el asunto gira en torno a ensambles de guitarras acústicos, arpas y violines, cuyo crudo tratamiento acompaña a Moore, que recita baladas introspectivas de intensa carga poética en medio de esas atmósferas de ensoñación, con poderosas referencias a amor y al misticismo. Si tuviéramos que comparar el álbum, suena parecido al Sea Change que Beck grabó años atrás. Finalmente el productor es el mismo...

Escucha: "Benediction" y "In Silver Rain With a Paper Key"

12) Zola Jesus - Conatus

Nina Roza Danilova es más que una chica de Wisconsin con estudios en filosofía, es también una de las grandes promesas de la música electrónica. Su tercer álbum, Conatus, la ha puesto en el ojo público como una de las estrellas nacientes de la constelación musical indie. Entre las influencias que ella menciona están la ópera, la música industrial y el pensamiento de Arthur Schopenhauer.

Este trabajo es uno de los más difíciles de definir que he escuchado, pero la gran música evita siempre etiquetas. Entre el más sórdido sonido industrial, el minimalismo más pulcro, el pop electrónico más rítmico y el rock más oscuro, Danilova consigue un trabajo donde lo principal es la belleza y la teatralidad. Su voz es poderosa y emocionante; las letras de sus canciones son inteligentes y llenas de simbolismo. Sin duda, escucharemos hablar de ella en el futuro por todas partes.

Escucha: "Vessel" e "Ixode"

11) The Joy Formidable - The Big Roar

The Joy Formidable es un trío galés integrado por la cantante y guitarrista Ritzy Bryan, el bajista Rhydann Daffyd Davies y el baterista Matt Thomas. Después de cuatro años viviendo a base de sencillos y un EP, grabaron su LP debut, The Big Roar, ha tomado por asalto el mundo de la música con su poderoso sonido.

El sonido de esta banda se proyecta mirando hacia grandes arenas con los amplificadores a toda potencia. Bryan es el rayo que anuncia una gran tormenta de estridencia y desenfado, donde la batería de Thomas y el bajo de Rhydann golpean amenazantes y omnipresentes; este espeso sonido se complementa con ligeros toques de sintetizadores electrónicos y sampleos, lo cual aligera en diferentes ocasiones el ambiente, más parecido a los inicios de la banda. The Big Roar es uno de los mejores albums debut que se han escuchado en años, y deja con ganas de mucho más rock.

Escucha: "The Everlasting Spectrum of a Lie", "Austere" y "Whirring"

10) Neon Indian - Era Extraña

Alan Palomo, un joven músico mexicano criado y radicado en Texas, es el hombre detrás del seudónimo Neon Indian. Su segundo material, Era Extraña, es uno de los discos más divertidos del año; un disco que se ha encumbrado como la nueva Biblia del ecléctico subgénero llamado chillwave, y que ha puesto a su autor en los cuernos de la Luna. Compuesto en algún lugar de Finlandia, y producido por el mismo Palomo, fue uno de los grandes hits del verano pasado.

Vertiginoso y lleno de vitalidad, se trata de un trabajo rico en ambientes que pasan entre lo melancólico y ensoñador hasta lo frenéticamente bailable. Los sintetizadores y arreglos recuerdan a la música electrónica de los años setenta, y las melodías citan constantemente al pop ochentero, con pasajes que rebozan de psicodelia, además de la constante y muy cuidada superposición de sonidos. Un gran segundo álbum de un joven músico que es ya una alegre realidad.

Escucha: "Polish Girl", "Blindside Kiss" y "Era Extraña".

9) Florence + the Machine - Ceremonials

Cuando Florence Welch ha sido comparada con otras musas pelirrojas como Kate Bush y Tori Amos, no ha sido por mera banalidad, sino ha sido un premio bien ganado por la elegancia y la riqueza de su propuesta musical; en la búsqueda de referentes también destacan otras divas como Björk, Bonnie Tyler, Stevie Nicks y PJ Harvey. Ella parece un cuadro de Waterhouse vuelto a la vida, una de esas femmes fatales prerrafaelitas dispuestas a sorber cada gota de sangre cautiva. Su voz parece sacada de un mito de Homero, su encantador matiz te hechiza irremediablemente. Bien acompañada, y siendo lo suficientemente llamativa, se está comiendo el mundo musical a grandes bocados.

Florence + the Machine firma Ceremonials, un encanto de rock pagano, hechizado por un poco de música electrónica, en 12 actos, más diferentes extras y versiones acústicas. Paul Epsworth, el productor del trabajo, supo todo el tiempo que el arma más peligrosa del arsenal que tenía en manos era la voz y las letras de Florence, y construyó arreglos épicos con coros, riffs de guitarra, órganos y sutiles suites de piano a su alrededor. Pasión, fantasía, teatralidad y romanticismo son términos que resumen este segundo álbum celestial.

Escucha: "Shake It Out", "What the Water Gave Me" y "Seven Devils".

8) Noel Gallagher's High Flying Birds - Noel Gallagher's High Flying Birds

Cuando Oasis se separó abruptamente en 2009, la gran incógnita era el sino de los autodestructivos hermanos Gallagher. Liam, el carismático hermano menor, se volvió vocalista de Beady Eye, con resultados muy irregulares; Noel, el músico genial, retomó sus prácticas de vuelo para realizar su primer trabajo solista post-Oasis. El teorema resulta en Noel Gallagher's High Flying Birds y su debut homónimo.

El resultado vuelve a dejar en claro por qué el Gallagher mayor movía los hilos de Oasis y era el filósofo más querido de todo el Brit-Pop. Muchos no dudarán en escuchar en este disco bocetos que, unidos a los mejores momentos de la opera prima de Beady Eye, dan igual a una hipotética nueva placa de Oasis, pero hay que considerar que Noel ahora trabaja como dictador absoluto, tomando todas las decisiones sobre el sonido y las canciones. Gallagher se disfruta mucho más en este trabajo, no tiene presiones mesiánicas, sino que elabora la música que se le da la gana. Los dejos desenfadados a su trabajo compositivo en Oasis se combinan con arreglos de vientos jazzísticos y guiños bien solucionados a música bailable, sin dejar de lado su toque mágico para los himnos de estadio. Noel no necesitaba innovar ni superarse, sólo necesitaba un respiro, y éste disco es una gran bocanada.

Escucha: "Dream On", "AKA... What a Life!" y "Stop the Clocks".

Este conteo continuará...

Thank God that Christmas Only Comes Once a Year

2011-12-23T08:38:00.001-06:00

En estos momentos, me siento como el Grinch...

En unas horas me voy a Toluca para Navidad, y no creo tener conexión a Internet al menos por los próximos tres días. Estaré de vuelta a más tardar para el Lunes en la Ciudad de México. Espero que el frío no me haga estos días difíciles, porque allá sí hace frío del bueno.

Lo digo como si el viaje fuera largo, cuando en verdad sólo dura una hora en automóvil; lo que pasa es que en casa de mi abuela no hay conexión a Internet, por lo que no podré checar mis redes sociales ni mi correo electrónico, al menos que haga una parada en un Sanborn's.

Ahora que me estoy levantando, me acordé de una canción de Joss Stone que habla precisamente sobre la Navidad, pero con un giro. "The Anti-Christmas Carol" es un antivillancico que habla sobre lo frustrantes que pueden ser estas fechas. En muchas partes no hay nieve, sino lluvia; en ocasiones la cena sale mal, los niños pelean, los decorados se arruinan, etc. Así serán mis próximas 72 horas, entre preparar comida, ver a los primos, arreglar detalles y demás cosas.

Festejen o no festejen Navidad, les mando abrazos y les deseo lo mejor... ¡Gracias!

A unos días de la Navidad

2011-12-22T06:17:00.002-06:00

Juan Bautista Maíno (1569 - 1649)
"La Adoración de los Pastores", 1612
Óleo sobre tela, 124 x 68.5 cm
Museo del Prado, Madrid, España

No sé qué rayos me está pasando, pero no he tenido ganas de escribir en los últimos cinco días. La cabeza, como siempre, está dispersa en todas partes: Cortázar, Omar Calabrese, mis ejercicios de francés, un oído inflamado, el 21 de Adele, juegos de hockey de la NHL por internet y los esbozos de un anteproyecto de novela que estoy redactando, cuyo asunto originario sigue ha atormentado mi cabeza desde hace meses y no tenido la disciplina para explorarlo. ¡Demasiadas cosas para poder llevarlas todas a cabo a la vez, aún con tiempo!

De repente, en un ataque de vértigo causado por las gotas óticas, me acordé que ya faltan dos días para Navidad, y que el sábado tenemos cita en casa de mi abuelita para cenar y dar gracias por este año tan extraño pero lleno de aprendizajes. Lo divertido es que veré a mis primas y podré ~~beber~~ convivir con ellas por un rato; lo malo es que las temperaturas en Toluca es terriblemente gélida en estos tiempos, así que tendré problemas para dormir cómodo. Nos iremos un día antes, una idea que no me agrada demasiado porque implica hacer maleta, pero mi madre es medio obsesiva con eso de los preparativos.

Pero eso no importa demasiado, lo importante es estar en familia y celebrar.

*****

Creo que ya les he platicado que mi abuela es de la vela perpetua, por lo que la celebración implica ir a la iglesia, arrullar niñitos, cantar canciones de cuna y rezar; a mí, más allá de mi status de católico no practicante, me gusta mucho: me recuerda a cuando era niño, cuando no había tantos sismas familiares y éramos más unidos. Hoy en día no es igual, la familia nunca está entera cuando antes era "carro completo", hemos tenido roces de diferentes tipos y nos hemos distanciado mucho.

Sin embargo, algo que seguirá entusiasmándome mientras mi abuelita siga viva es la comida, algo que mis tías han tratado de imitar y simplemente no lograrán igualar. El plato principal es el revoltijo, como llamamos a los tradicionales romeritos, el plato que más disfruto tanto en Navidad como en Semana Santa; no me puedo olvidar del bacalao, la sopa de haba y la ensalada de manzana de mi madrina; a veces, mi tío compra pierna al horno para complementar, aunque con él nunca sabemos qué esperar; tampoco tengo claro si mi abuelo habrá llevado rompope de monja clarisa para el aperitivo. (¡Malditos antojos, me están traicionando!)

No pueden faltar el cursi brindis, donde se espera, por ser el nieto varón que tiene carrera universitaria, que diga cosas interesantes e invoque la reflexión. ¿Saben algo? En mi familia creen que preparo lo que voy a decir con anticipación, pero no es así, por lo regular lo estoy formulando mientras los demás hablan. No sé por qué, pero no me incomoda que la familia hinche mi ego cada Navidad; lo que en verdad pasa es que casi nadie de mi familia materna se sienten cómodos hablando, aún en confianza familiar, ni mi mamá, ni mis padrinos, ni mi hermana ni mis primas. Mi abuela, como matriarca y líder espiritual, lo hace bien; mi tío, quizás por su edípico apego a mi abuela, también lo hace bien. Yo sólo tiro verbo y deconstruyo clichés...

*****

Espero que terminemos borrachos y contentos, y no demasiado crudos para que el recalentado se disfrute mejor. Si nada raro ocurre, y si mi madre no se vuelve loca, estaremos ahí hasta la noche del domingo o el lunes.

Ustedes, ¿cómo celebran Navidad?, ¿qué les gusta más?, ¿qué es lo que ha cambiado y extrañan de cuando eran niños?, ¿harán algo especial este año?

¡Feliz Navidad!

Top 20 Albums en Español #2: Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio - El Circo

2011-12-16T04:48:00.000-06:00

Después de varios meses desde que inauguré esta sección, por fin les compartiré la segunda entrada de mi Top 20 de Álbums en Español. El trabajo elegido no necesita demasiada presentación, ya que se trata de uno de los trabajos clave para entender los caminos del rock mexicano, específicamente de las propuestas apegadas al ska como Panteón Rococó y Salón Victoria. Hablaremos del llamado Sgt. Pepper's del rock en español: El Circo (1991) de la Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio.

Formados en 1985, y oriundos del barrio bravo de Tacubaya, al poniente de la Ciudad de México, La Maldita fue, junto con Caifanes y Café Tacuba, una de las banda insignia de aquel movimiento conocido como Rock en tu Idioma. Aprovechando la apertura de espacios de difusión y mercado que el rock fue consiguiendo a finales de los años 80's en México, y con el éxito de su primer material homónimo (1989), la banda estableció un sonido diferente al de sus contemporáneos, cuyas raíces están en el ska caribeño. Su extracción meramente callejera, junto con su virtuosismo y carisma en el escenario les permitió hacerse de una base prominente de fans. La banda estaba compuesta por Sax en los metales, Pato en la guitarra, Lobito en las percusiones, Aldo en el bajo, Pacho en la batería y Roco, líder de la banda, en la voz.

El Circo, segundo álbum de la banda, salió al mercado en Septiembre de 1991, y su grabación fue dirigida por Gustavo Santaolalla y Aníbal Kerpel. Los temas del disco fueron trabajados, según cuenta los integrantes de la banda, en distintas reuniones y lugares a lo largo de la ciudad, donde los integrantes pulieron hasta el cansancio cada tema; al final se quedaron con nueve canciones más un cover. En el momento que llegaron al estudio de grabación, se consolidó el concepto general del disco: la Ciudad de México es un gran circo, lleno de color y dolor, rico en contrastes y viñetas entre la vida diaria. En una entrevista reciente, Pato cita una frase de Fray Servando Teresa de Mier: "El asunto es trágico, mi genio es festivo", la cual engloba el espíritu de este disco.

*****

Para mí, este álbum tiene un significado muy especial, pues se trata de uno de los primeros que escuché cuando era niño. Recuerdo que mi papá lo tenía en cassette, y que lo ponía constantemente en el tocacintas del coche que teníamos en aquellos días. Este primer acercamiento se complementó con aquellos discos de Diez Años: Rock en tu Idioma que salieron al mercado por ahí de 1998, y que me enseñaron a la gran mayoría de las bandas de rock latinoamericanas y españolas que al día de hoy sigo descubriendo.

El Circo ofrece dos lecturas, una sociológica y otra musical: Por un lado, las letras de las canciones señalan situaciones ejemplares de la vida urbana, cuya vigencia es, para bien y para mal, latente en nuestros días: desigualdad social, conflictos generacionales, migración, pobreza, espíritu festivo, choque cultural y romanticismo. Por otro lado, la música es un tramado de diferentes géneros, reflejo tanto de las influencias extranjeras como de las manifestaciones nacionales: el ska, el punk y el new wave chocan con el danzón, la balada, el bolero, el mambo y la música grupera. El resultado obtenido es el de un álbum heterogéneo, que se desliza entre el caos y el relajo, pero que alberga carácter y actitud a prueba de modas y tendencias.

La primera canción del álbum es "Pachuco", aderezada por sampleos de películas de Tin Tan, quien encarnó esta contracultura de los años 40's en el imaginario de la época dorada del cine mexicano. La canción plantea, en medio de los furiosos saxofones y el redoble de las guitarras, un encontronazo entre imaginarios generacionales de la juventud: el hijo punketo discute con el padre, quien aboga por la moralidad de su generación, pero que en sus tiempos fue pachuco y desafió su propia autoridad paternal. El ritmo acelerado recuerda al mambo que se bailaba en los filmes de la época, las líneas de bajo y los solos de guitarra le dan ese toque correoso que la caracteriza.

El segundo corte, para mí la mejor canción del trabajo, es "Un Poco de Sangre", la historia entrecruzada de Junior y Juan; el primero es el arquetipo de un joven privilegiado, sin consciencia y sin preocupaciones, que se siente invencible en su nuevo automóvil blanco; el segundo es un niño de calle que trabaja limpiando parabrisas. Las historias se cruzan de golpe, cuando el grito del niño golpeado por el auto derrocha la sangre y presenta el lastre de la injusticia. Se trata de una canción furiosa, llena de ritmo y de poder, donde el rasgueo de la guitarra, el bajo y la sección de metales son sobresalientes.

"Toño" fue, en su momento, el primer sencillo del disco, una pieza de cadencioso reggae que puede ser leída como una acuarela del ambiente cotidiano de una cuadra popular citadina, aderezado por la trompeta de un músico callejero que, como el flautista de Hamelin, encanta a quien lo escucha: los niños que juegan en la calle, los puestos mercantiles, la música popular, los animales y la gente. Su antítesis rítmica es "Solín", el tema cuatro, que entre su punk desbordado y guiños a la música oriental, nos muestra la historia de un hombre que, por la necesidad de ganarse la vida, se convierte en un fakir de feria; el riff de guitarra del intro es inconfundible, y podemos disfrutar a los metales en su mejor momento durante la grabación.

Continúa el álbum con la que debe ser su canción más pop, "Kumbala", un danzón que rinde tributo a los burdeles de bajo mundo, donde el amor comprado y la sensualidad rítmica se encuentran sublimemente retratados. Sin duda, es el mejor momento letrístico del álbum: la canción ilumina el ambiente, sus juegos de sombras, sus aromas y sus sabores; un ambiente sórdido, luces de neón, texturas satinadas, calor corporal, alcohol y perfumes entremezclados, todo perfectamente representado en cuatro minutos y medio. Aquí se pueden escuchar hermosas percusiones, destellos de guitarra acústica y la trompeta de Sax con sordina, otorgando ese sonido tan característico a la canción.

Con grabaciones de tianguis callejero inicia "Un Gran Circo", una narrativa que describe a detalle la marginación de la ciudad, en contraste con su atmósfera de alegría; Roco, en calidad de guía, señala a los espectadores cada escena, al niño vestido de payaso, al fakir que escupe fuego, los semáforos y el color, aunque reclama también la indiferencia de sus escuchas. El ska se encuentra aquí en su manifestación más pura, pero no por eso carente de empatía. El siguiente tema, "Pata de Perro", es la crónica fragmentada de un taxista que, según las historias de su cuadrilla, dejó su trabajo para viajar y conocer el mundo, aunque no se sabe con certeza si todo eso fue cierto. El ritmo recuerda al de la música tropical, gracias a sus percusiones aceleradas y a la sencillez de las guitarras, aunque también suena como un son huasteco.

El octavo track es "Crudelia", el divertido recuento de daños de una noche de fiesta y borrachera, donde Roco, el protagonista, trata de hilar sus recuerdos con los malestares de su terrible resaca. El ritmo frenético de la canción parece provenir de una sesión de improvisación, donde es difícil distinguir si se trata de una canción de ska o una de punk. A este tema sigue "Mare", un bolero electrificado que narra la historia de un yucateco que visita a sus parientes de la Ciudad de México, donde se encuentra con un choque de costumbres y ambientes que lo llevan a querer regresar a su amada Yucatán. Esta canción está aderezada por "bombas" yucatecas, coplas recitadas por el compositor Armando Manzanero y por el escritor Carlos Monsiváis.

Después de un outro de quince segundos, "Otra", viene la canción que cierra el disco, cover de una de las canciones más reconocidas del cantautor Juan Gabriel, "Querida", convertida en una balada ska acelerada pero empalagosa como la original, aunque mucho más rítmica. Aquí la Maldita se ha desinhibido por completo, dejando atrás formalidades para adentrarse en un terreno más lúdico y popero, retomando una canción altamente popular de un artista que aún era considerado, en aquellos momentos, como populachero y de mal gusto. El cover está bien logrado, es divertido y junta lo mejor de dos mundos que parecieran, de primera oída, remotos.

*****

El Circo fue un éxito rotundo, que vendío más de un millón de copias en México y que se posicionó en un clásico vivo de la música popular mexicana. Con este trabajo, la Maldita abrió puertas que antes fueron inconcebibles para las bandas de su género en radio, prensa y televisión, amén de un extenso tour por México, América Latina, Estados Unidos y algunos sitios de Europa, la legendaria Gira Pata de Perro. Tan magnífico fue este disco que la agrupación no logró duplicar su calidad y éxito comercial en sus placas posteriores; en 2011, luego de más de 25 años de trayectoria, la banda se separó, debido a diferencias con Roco, líder social e intelectual de la banda.

Sin embargo, queda para la posteridad El Circo, un trabajo indispensable para quien desee conocer a profundidad los cambios musicales y sociales de finales de los 80's y principios de los 90's. Un disco que ha vencido con creces al tiempo, que aún hoy suena fresco e innovador; sin duda, es un disco que todo hispanohablante debe escuchar al menos una vez.

Tracklist:

Pachuco
Un Poco de Sangre
Toño
Solín
Kumbala
Un Gran Circo
Pata de Perro
Crudelia
Mare
Otra
Querida

Minerva #1

2011-12-13T22:43:00.000-06:00

Zinaida Serebriakova (1884 - 1967)
"Autorretrato: La Mujer de la Vela" (1911)
Óleo sobre tela, 72 x 56 cm
Museo del Estado Ruso, San Petersburgo

¿Recuerdas la canción de Silvio Rodríguez que intenté dedicarte alguna vez? No creo, y de hecho, difícilmente recordarás siquiera mi nombre en estos días de tanto apuro, de vida tan acelerada, de sueños tan cortos y jornadas tan largas.

Hoy volví a escuchar esa canción, y concluí que debió ser escrita para ti. Te conozco desde hace poco, desde que los años dorados de mi juvenil existencia; cuando me ahogaba en la densidad sin sentido, fuiste una de las luces que iluminó mi camino de vuelta a la realidad.

Poco a poco, sin darme cuenta, te fuiste incrustando en mi vida, fuiste dejando tus marcas en mi pensamiento, en el brillo de mis pupilas, en los avatares de mis sueños. Al día de hoy, después de años de amistad, no sé cómo explicar lo que más amo de ti.

Quizás por eso, cada vez que pronuncio tu nombre, me viene a la cabeza "Quien Fuera" de Silvio Rodríguez. Porque aún no he encontrado los adjetivos para describirte, sólo motivos para adorarte; porque sigues siendo misterio y promesa para esta vida que desea, en total plenitud, conocer los misterios que te rodean.

Esta noche, me acordé de ti...

Y a ti, ¿dónde te agarró el temblor?

2011-12-11T02:07:00.001-06:00

Así de grueso se acomodaron la placas...

Ayer sábado, a las 19:47 horas, se registró un sismo de 6.8 grados en la escala Richter que enloqueció a la Ciudad de México. Aquí en México será la nota de primera plana de los periódicos de toda índole, más allá de la victoria del Barça sobre el Real Madrid en el clásico del fútbol español y de que mañana tendremos nuevo campeón de balompié mexicano entre Tigres y Santos.

Yo estaba en un centro comercial al que fui con mi papá y mis hermanos; cinco minutos antes, me había reunido con ellos después de haber ido a dejar un microondas que papá había comprado para su departamento. Agradezco que no estaba perdido en otra parte, ya que pudimos llevar tranquilamente el caos que se armó en la siguiente hora.

Estábamos baboseando cuando de repente sentí que algo se movía; lo primero que pensé fue en una mala broma de mi cabeza hasta que sentí que la sacudida crecía y el piso se me movía. Hubo gritos en la tienda, después hubo un apagón que puso a la gente más nerviosa. Se nos ordenó que abandonáramos el edificio por las escaleras de emergencia; la gente evacuada se aglutinó en la banqueta, el desconcierto era palpable.

*****

Cuando tiembla en la Ciudad de México, la reacción más inmediata es la de tratar de comunicarse con los familiares para saber que se encuentran bien, lo cual ocasiona que la ya bastante inestable red de telefonía celular se caiga. Tratábamos de llamar a mamá para decirle que todo estaba bien, que no se preocupara, pero al no tener éxito, mi hermana se comunicó vía mensajería de Blackberry con su mejor amiga para que ella, desde su teléfono fijo, le hablara a mi madre. De haber estado yo en otra parte, sin duda hubiera entrado en pánico.

Tuvimos que esperar media hora para que se despejaran las salidas de automóviles y pudiéramos salir sin demasiados contratiempos. De vuelta en casa, mamá estaba más tranquila después de haber visto que los vecinos se habían asustado de peor manera. Afortunadamente, a diferencia de otras partes de la ciudad, no hubo un apagón prolongado.

En Twitter, hubo buen flujo de información, cortesía de Marcelo Ebrard y su equipo, quien estaba al pendiente de todo lo que estaba pasando desde Argentina, lugar al que asistió por motivos diplomáticos. Los problemas eléctricos, de infraestructura y de fugas de gas tuvieron que ser controlados tan pronto se pudo; también hubo quien sufrió crisis nerviosa y ansiedad, y es que en verdad se sintió bastante feo.

Al parecer, pese a que somos demasiados, sabemos qué hacer en esta clase de emergencias, lo cual es muy bueno. Recordemos la amplia experiencia de la Ciudad de México con los terremotos (1957, 1985), aunque esta vez no se nos cayó media ciudad; con todo respeto lo digo, gracias a Dios.

Por alguna razón, y no fui el único, me acordé de Chico Che y la Crisis. Chico Che (1940 - 1989) fue un cantante de cumbias que era muy popular durante los años 80's, amén de constante invitado a películas de ficheras; entre su guapachoso catálogo encontramos esta joyita que les comparto.

Y a ti, ¿dónde te agarró el temblor?

Playlist: Julio - Diciembre de 2011

2011-12-09T04:46:00.000-06:00

Van Morrison

Casi es fin de año, y es tiempo de cambiar el playlist que acompaña este blog. Y pese a que aún no sé qué música acompañará al siguiente soundtrack de "El Arcangelino", creo que es tiempo de despedir un ciclo en la vida de este sitio virtual. Espero tener listo mi nuevo compilado de pecados musicales para el fin de semana.

Cada vez que cambio los tracks de ese peculiar iPod que cuelga entre los gadgets de mi blog, significa que es tiempo para cambiar de periodo en mi vida; es como cambiar los muebles de posición, como depurar la ropa del closet o como cortarse el cabello. Mi vida necesita algunos cambios, de los cuales ya he hablado, y qué mejor forma para empezar que con música.

Han pasado seis meses desde que el siguiente listado de canciones entró a los altares de esta bitácora virtual; lo recordaré como el soundtrack de mi semestre sabático, de mis meses de NINI, lo recordaré con cierto sabor agridulce, esperando que sea degustable con el tiempo. No me puedo quejar, entre mis días de vago surgieron entradas que he compartido en este espacio de las que me siento bastante orgulloso.

Desafortunadamente, el tiempo no cunde; es momento de darle una bofetada a la vida:

Amy Winehouse - Tears Dry on Their Own*
Caifanes - Aquí No Es Así
Colbie Caillat - Maria
Gomez - Get Miles
Holly Miranda - Ex-Factor
Jeff Buckley - Lover, You Should've Come Over
Joe Cocker - When the Night Comes
Manic Street Preachers - If You Tolerate This, Your Children Will Be Next
Paul McCartney - Maybe I'm Amazed
Soda Stereo - Un Millón de Años Luz
The Raveonettes - Gone Forever
The Rolling Stones - Gimme Shelter
The Spill Canvas - Connect the Dots
Tori Amos - Caught a Lite Sneeze
Trijntje Oosterhuis - That's What Friends Are For
Van Morrison - Beside You

Adios!!!

* "Tears Dry on Their Own" de Amy Winehouse fue colocada en este soundtrack durante las dos semanas que siguieron a la muerte de la cantante, in memoriam. Tiempo después, el video dejó de correr en el reproductor, razón por la cual la quité.

Reporte Expo Temporal #10: Ron Mueck en el Antiguo Colegio de San Ildefonso

2011-12-06T00:51:00.000-06:00

(Con esta entrada, "El Arcangelino" celebra sus 20 mil visitas. ¡Muchas Gracias!)

"Máscara II" (2001 - 2002)

Desde el mes de septiembre, el Antiguo Colegio de San Ildefonso alberga una exposición dedicada al escultor australiano Ron Mueck (Melbourne, 1958), la cual ha roto con todos los records de asistencia del recinto. Esta muestra se presentó originalmente en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO) para después ser trasladada a la Ciudad de México, como ocurrió con la retrospectiva del también escultor Antony Gormley.

Cuando asistí a esta muestra, tenía una gran expectativa y esperaba encontrar un gran compilado de piezas, sin embargo, lo que encontré fueron pocas pero muy puntuales muestras del trabajo de Mueck, lo cual, como fan empedernido del hiperrealismo, me decepcionó un poco. A lo mucho, se trajeron 10 piezas, cuyo tamaño, precios de traslado, montaje y cuidados preventivos justifican la selección y la cantidad.

"A la deriva" (2009)

En otro momento, he hablado en este blog de Duane Hanson (1925 - 1996), el artista americano pionero en escultura hiperrealista de resina, fibra de vidrio, cabello y accesorios; aquellas piezas criticaban la vulgaridad de la sociedad americana. Otro artista que trabaja con este tipo de materiales, aunque con influencias más aterrizadas en el academicismo, es el también norteamericano John De Andrea (Denver, 1941). Mientras Hanson y De Andrea tuvieron un desarrollo más apegado a galerías de arte, Mueck comenzó como titiritero y artista de efectos especiales para cine, lo cual lo llevó a trabajar con Jim Henson, el creador de los Muppets, en la película Laberynth (1986), estelarizada por David Bowie. A mediados de los 90's, ya instalado en Londres, conoció al coleccionista Charles Saatchi, quien lo ayudó a dar el salto hacia el mercado de arte, lo cual lo llevó a exponer y comercializar su obra alrededor del mundo.

*****

Lo que diferencia a Mueck de los escultores que mencioné es el tamaño de su obra, lo cual da a su trabajo distancia empática y lo libera de la terminología "hiperrealista". Una forma de entender lo que este artista busca transmitir es pensar cómo se sienten esos personajes al saberse observados. Máscara II (2001-2002), el autorretrato que abre la exposición, tiene los ojos cerrados, como si quisiera ocultarnos algo que sólo podemos saber en la calidez o frialdad de su mirada.

"Hombre en un bote" (2002)

Las posturas que presentan estos cuerpos son el elemento que mejor expresan esta sensación de intimidad interrupta; no buscan interactuar con los espectadores, sino que se encuentran inmersos en un juego perverso, entre el artificio de la verosimilitud de sus cuerpos y los sentimientos "reales" que revelan sus rostros y gestos. Una pareja acurrucada, un hombre sentado sobre una balsa, una mujer recostada sobre su cama, un hombre yaciente sobre un flotador y un enorme pollo de carnicería enganchado; Mueck saca actitudes de la vida privada, de lo que debe estar velado pero que es "real", para confrontarlo con un público que, en su diversidad, debe elegir entre completar una historia o abstenerse.

Formalmente, son una obras impactantes y muy disfrutables; recomiendo que vean el video del final para que se enteren de todo el proceso de elaboración de una de estas esculturas. Es una obra que, debido a su monumentalidad y prodigio técnico, debe se observada con mucho detalle, para que se den cuenta de los esmerados cuidados de su manufactura; parte del enorme éxito que ha tenido esta muestra radica en esto. No es por nada, pero las pocas obras que han venido a México valen el boleto.

Ron Mueck

Desde el 4 de noviembre hasta el 5 de febrero de 2012

Antiguo Colegio de San Ildefonso

Justo Sierra 16, Centro Histórico de la Ciudad de México

Delegación Cuauhtémoc, México D.F.

Estaciones de Metro cercanas: Allende y Zócalo

Horarios: Mi a Do de 10 a 18 horas. Martes de 10 a 20. Cerrado en Lunes

Admisión: MX$45 50% de descuento para estudiantes y maestros.

Niños y adultos mayores entran Gratis. Entrada libre los Martes

www.sanildefonso.org.mx

Momento Photo Booth #6

2011-12-05T00:36:00.001-06:00

Para la biblioteca de Enrique Peña Nieto, y para las mujeres que, como mi madre, van a votar por él sólo porque es guapo, recomiendo "Las Preciosas Ridículas", parte de las comedias de Molière...

¿Ustedes tienen un libro que le quisieran recomendar a su virtual presidente?

Asuntos Pop #1: Enrique Iglesias - Dímelo / Do You Know? (The Ping Pong Song)

2011-12-02T05:10:00.000-06:00

En las últimas horas, he estado repasando mi lista de guilty pleasures de pop en español en Youtube, y me acordé de Enrique Iglesias y del video de "Dímelo", conocida en inglés como "Do You Know? (The Ping Pong Song)", parte del disco Insomniac (2007). Esta canción, según las listas que cita Wikipedia de hit parade, es la más exitosa que ha tenido el español en su carrera como cantante.

Una luz se prendió en mi cabeza cuando acabé de ver el video, y la idea que tengo es bastante alocada y carece de fundamentos, pero creo que vale la pena compartirla. ¿Puedo explicar mi punto de vista sobre la música pop en español en la industria musical, dominada por el idioma inglés, los artistas y los géneros producidos en Estados Unidos? No tengo la intención de hacer un estudio visual de los videos de Enrique Iglesias ni nada por el estilo, simplemente trato de dar una opinión apoyado en un recurso visual; otros ejemplos de artistas "latinos" que podría citar son Shakira y Ricky Martin, pero de la primera hablaré en otro momento, mientras que del segundo no tengo qué decir.

*****

Los invito a ver el video, si así lo prefieren en mute, que comienza con Enrique y su agente llegando a la suite de un prestigiado director angloparlante de videos musicales, interpretado por Jon Abrahams, el cual ha estado viviendo la vida loca, rodeado de varias modelos en poca ropa yacientes en la cama y en los sillones; un par de chicas juegan ping-pong, introduciendo el sample que sirve como ritmo de la canción. El director ejemplifica una parodia de los típicos creativos de la industria, de esos egos que "siempre" tienen las mejores y más innovadoras ideas; una mezcla bastante pedante entre actor de método, lamebotas, party boy y rock star frustrado. Sin duda, Enrique Iglesias ha visto muchos directores como ése a lo largo de su carrera.

El sujeto lanzará dos ideas para un posible video musical, las cuales se desarrollarán durante la duración de la canción; son dos clichés diferentes para videos musicales del género: el primero presenta una alberca, trajes elegantes, un hotel de lujo y la imposible mujer perfecta, interpretada por la hermosísima modelo sonorense Pamela Burgos. Las escenas de flirteo y toqueteo entre Enrique y Pamela se intercalan con una pequeña narrativa, donde ella se harta de su pareja y huye del hotel, sólo para ser atropellada por un automóvil frente a la escalinata del hotel.

La escena se corta para ver la cara de frustración de Iglesias ante la idea; al ver que la idea no gustó, el director lanza un segundo cliché: una escena de idilio en un bosque entre Iglesias y su amor de preparatoria, encarnado en la modelo argentina Yésica Toscanini. Si han visto la versión cinematográfica de la serie Crepúsculo, saben de qué tipo de cursilerías estoy hablando, un juego de perseguir a la amada que se deja alcanzar. Entonces ella se adelanta, voltea hacia su amado, su mirada de enamorada retrocede lentamente hacia la orilla de un barranco, del cual se tirará finalmente ante la impotente mirada de Enrique.

El "video" termina con la exaltación del director al terminar de contar su idea, a lo que sigue una cara de enojo de Iglesias, quien tras decirle a su manager lo que piensa del tipo que está frente a él, se sale del departamento. El director, un hombre que vive en su propia burbuja de autoveneración, piensa que ha triunfado y se recuesta en la cama a lado de las modelos que ahí reposan.

*****

Desde mi particular punto de vista, el video de "Dímelo" ejemplifica las relación de amor - odio entre la industria musical pop en español y el gran mainstream norteamericano, representado en el poder de sus disqueras transnacionales. Los asuntos creativos de los artistas pop hispanohablante de gran alcance están cada vez más enfocados en necesidades de un mercado global, el cual ha sido dominado siempre por la música en inglés, lingua franca del mundo gracias al poder mediático y económico de Estados Unidos.

Los grandes actos de música pop de América Latina se ven en la necesidad de hacer el crossover de idiomas para llegar a una audiencia mayor, y con el cambio de lenguaje viene, en la gran mayoría de los casos, el cambio de "sonido". Raros son los casos de grupos y solistas que pueden "dar el salto" conservando su idioma y el sonido que funcionó en el mercado hispanohablante. La llamada "World Music", el cúmulo de músicos que se engloban en el término indie y la adquisición libre de música por Internet son dinámicas paralelas, aunque relacionadas, a lo que identifico como el mainstream, jerárquico y vertical, cercano a la sociedad de consumo y a la generación MTV.

De ahí que Shakira haya pasado de ser una cantante bruta, ciega, sordomuda a mover las caderas como loba, loca, rabiosa. De ahí que Ricky Martin pasó de ser un típico chico sensible a la bomba sexual de "Livin' la Vida Loca". Para volver al tema, mencionemos que cuando Enrique Iglesias comenzó, cantaba sobre experiencias religiosas; ahora hace canciones con Pitbull, burdo y pretencioso remedo región 4 de Kanye West.

Todas esas tensiones están presentes en el video: la producción y el management de Enrique Iglesias está en manos de un americano, las ideas visuales se adaptan a modelos creados por la industria de videos musicales americanos, las ideas del cómo debe ser un artista pop latino se conciben desde la parte más alta de la pirámide. La canción, como ya mencioné, se lanzó en dos idiomas para dos mercados, donde lo que América Latina recibe depende directamente de la concepción "internacional" del mercado dominante.

La música en español sigue buscando, al día de hoy, un lugar en el mercado norteamericano, el cual tiende a uniformizar por encima de incluir. Los Latin Grammys siguen siendo un intento erróneo que busca legitimizar un mercado independiente en apariencias, pero que en el fondo es sólo un apéndice de una industria que deglute de forma salvaje todo lo que sea comercialmente viable. Ganar el Grammy americano sigue siendo el "gran logro" al que aspira el artista latino, porque lo equipara con la gran producción americana, lo hace "entrar por la puerta grande", aceptándolo como parte de la uniformidad.

Este ensayo terminó hablando más de la industria musical estadounidense que de un "mercado latino" per se; las líneas son cada vez más delgadas y, desde mi punto de vista, se están diluyendo. La cultura pop de América Latina buscó, en algún momento de su devenir, explorar su legado histórico para adaptarlo a sus realidades y necesidades creativas; ahora sólo son marcos canónicos de referencia, que le dan una validación como "latinos" en el mundo globalizado.

Creo que la industria musical es un eterno juego de ping pong en donde, por más que Enrique diga que "ese cabrón está loco", termina dando su brazo a torcer.

Yo Confieso... #7: De soñar y procrastinar

2011-11-30T07:00:00.000-06:00

Oswaldo Guayasamín (1919 - 1999)
"La Espera", de la serie La Edad de
la Ira (1968 - 69)
Óleo sobre tela, 200 x 100 cm
Colección Fundación Guayasamín,
Quito, Ecuador

Noviembre se ha extinguido, y con su fin viene el gélido Diciembre, uno de mis meses favoritos del año. Estos meses suelen ser para mí de reflexión y alegría: se vienen las fiestas de fin de 2011, momentos para estar con la familia y para pensar en lo que ha pasado en el año que termina. Sin embargo, este mes de Diciembre será diferente a los anteriores, porque mi futuro sigue sin fijarse un sentido; durante estos cuatro meses, fuera de mi compromiso con este blog, no he hecho nada productivo de mi vida, y esto empieza a pasarle factura a mi salud mental.

(Amable lector, si no deseas agobiarte con mis rollos existenciales y mi exaltada inmadurez, te recomiendo que te detengas, no es mi propósito alejarte de este blog, todo lo contrario: aquí están mis reseñas, las imágenes, mis editoriales; sé siempre bienvenido. Si crees prudente seguir leyendo, agradezco de antemano tu atención y tu paciencia; acuéstate conmigo en el diván.)

He aquí mi historia: terminé la carrera de manera extraoficial cuando mi Servicio Social fue liberado, a finales de Agosto, dando fin a uno de los periodos más felices de mi formación universitaria; el poder trabajar en un museo me enseñó muchas cosas, conocí gente valiosa y me hice de buenas credenciales curriculares. El papeleo se encuentra en regla y mi título universitario estará en mis manos en Enero del próximo año; pero hay un problema, que no tengo la voluntad de salir al mundo y buscar trabajo. En parte es comodina falta de voluntad, pero también tiene que ver con mis demonios internos.

*****

Estoy conciente que cada ser humano tiene una personalidad muy definida, pero yo no he podido aprender a convivir con la mía en mis 23 años de vida, simplemente sobrevivo al día. Primero citaré mis virtudes: soy una persona noble y de buenos sentimientos, que no deseo el mal a nadie; soy buen hijo, buen hermano, buen colega y buen amigo; mi memoria es nítida, rara vez olvido a quien me ayuda y a quien me aconseja; como católico, me formaron muy bien, pero como librepensador, me formaron mejor; siempre me he visto como un hombre único por mi sensibilidad, que sabe llorar, pero también sabe sonreir; siempre he sentido necesidad de expresarme, escribir es lo que más disfruto y me encanta usar mi voz para hablar o para cantar; me considero buen conversador, reflexiono mucho y soy muy analítico, soy de gustos amplios, aunque a veces demasiado cuadrado; tengo talento y capacidad de sobra para desarrollarme como historiador del arte, como escritor y como cualquier cosa que se me ocurra que tenga que ver con las humanidades; por último, y quizás mi mayor virtud, siempre estoy dispuesto a aprender algo, incluso de lo más trivial.

Irónicamente, la tarea de enumerar virtudes es siempre más difícil que la de mencionar tus vicios (saludos para Aldonza), y aquí están los míos: mis constantes bipolaridades entre la euforia y la depresión; pésima habilidad para comprender las ciencias exactas y las manualidades; mis insoportables episodios de neurosis y mi contante tendencia hacia la intolerancia; soy pésimo ahorrador y peor planificador a corto y largo plazo; mi apatía es severa y tengo la constancia de una llamarada en la paja; desde niño me cuesta mucho trabajo relacionarme con las personas, mi inteligencia emocional es muy poca y me da miedo hacer el ridículo o decir algo imprudente; soy distraído y muy disperso, me gustan tantas cosas que no soy experto en ninguna; sufro de una timidez crónica, me cuesta trabajo hablarle a las personas, sobre todo a las mujeres; soy demasiado inocente, muy influenciable y me callo muchas cosas; tengo una inexplicable tendencia a perder el tiempo en las actividades más ociosas, como rasurarme, leer instructivos y mirarme en el espejo; finalmente, y mi vicio más viejo y difícil de domar, mi baja autoestima y mi tendencia a dificultarme las cosas.

Sin embargo, los demonios que desde hace varios meses se encuentran peleando, a la vista de todos los vicios y virtudes arriba mencionados, son dos: mi infinita habilidad para soñar y mi tendencia continua a procrastinar lo que es importante.

*****

Es por mi bien, pero me angustia, como a Felipe, el amigo de Mafalda...

Desde la pubertad, mi mente vuela libremente y sueña con muchas cosas. Cuando iba a la secundaria, quería ser poeta, me sentía el nuevo Pablo Neruda y presumía mis escritos a mis maestros cada vez que podía; al día de hoy guardo esos textos, pero no he volteado a verlos en muchos meses porque pienso que son bastante malos e inocentes. En la preparatoria, pensaba que mi camino iba hacia la filosofía, pero descubrí que no tenía la actitud y lo dejé de lado. Asistí a una preparatoria de hombres, y al principio fue muy duro, ya que el ambiente era distinto y mucho más rudo que en escuela mixta, pero con el tiempo me acostumbré para bien; conocí entrañables amigos, a los cuales frecuento poco y extraño al día de hoy.

Fue en esos años que me incliné hacia otra pasión que hasta ese momento era mayor: el arte, y cuando tuve que elegir una carrera universitaria, no dudé en elegir Historia del Arte, pese a los airados reclamos de mi madre y al escepticismo de mi padre. Papá pagó mi carrera universitaria, sabiendo que tenía capacidad para dedicarme para cualquier cosa, y con el paso del tiempo le fui demostrando muestras de mis talentos; así pasaron poco más de cinco años, conocí personas muy valiosas, nuevos horizontes y cambié en muchos sentidos. Aunque tengo colegas más intuitivos y brillantes, no me falta capacidad ni pasión, sólo necesito el impulso y el motivo...

En estos cuatro meses como NINI (esa es la palabra, NI estudio NI trabajo), ha sido mi papá el que más paciencia me ha tenido: paga mi gimnasio (he hecho el ejercicio que no he realizado en varios años, una de cal por todas las de arena) y los pocos caprichos que se me han ofrecido. Mamá es otra historia, vivo muchas horas en su departamento y no es del todo bueno para la salud mental de ambos, aunque trato de ayudarla en las cosas que pueda hacer por ella, como llevar cuentas y pintar paredes. Si no tuviera hermanos, estaría ya en el psiquiátrico: mi hermana de 17 es mi sostén, mi consejo y mi válvula de escape, y mi hermano de 2 es una de las pocas alegrías que puedo contar durante estos días, aunque sea solamente en el fin de semana. Mi cumpleaños 23, el pasado 20 de agosto, es el día con el cual me quedo de este periodo, en compañía de mis amigos, los cuales considero parte de este nublado presente.

*****

Las preguntas que debería estar haciéndome es la siguiente, pero las sigo procrastinando: ¿Qué tan difícil es ir y dejar mi CV en los diferentes museos, en las diferentes entidades culturales de la Ciudad de México? Podría ser un juego muy divertido, pero no tengo las ganas ni la confianza de emprenderlo. ¿Por qué no empiezo a escribir un anteproyecto de tesis para entrar a la maestría? Lo que pasa es que como historiador del arte, no he encontrado lo que más me gusta y apasiona. ¿Debí haber estudiado comunicación o periodismo, como me he preguntado en estos meses? No es por ahí, no es bueno arrepentirse de lo que uno hace. ¿Dónde están la constancia, la disciplina y el corazón? Nuevamente, no son el fuerte de mi personalidad...

Los andamios de mi vida están instalados, tuve la mejor educación que mis padres pudieron otorgarme, tengo plena confianza de muchas de mis habilidades, conozco bien mis principales defectos y en algún momento tengo que empezar a saborear la vida real...

Sin duda, necesito ayuda psicológica, que esta apatía e inmadurez, a mi edad, no es nada normal. Debería estar cansado de esperar el momento e ir a buscar el siguiente capítulo de mi historia.

Mientras tanto, seguiré por estos rumbos, soñando y procrastinando...

George Harrison: a 10 años de su muerte...

2011-11-29T01:32:00.000-06:00

Un día como hoy, hace 10 años, el espíritu de George Harrison emprendió un viaje más allá de lo trascendental.

Como guitarrista, fue genial a su propia manera: tranquilo y discreto detrás de las personalidades arrolladoras de sus comparsas, hizo de los Beatles la banda de pop más influyente y elemental de nuestra era. No quería salvar al mundo como John, tampoco era melodicamente ambicioso como Paul, y mucho menos era tan divertido y sincero como Ringo... George era George, el discreto, el silencioso.

Mientras Lennon y McCartney tejian el soundtrack de una generación, Harrison fue madurando poco a poco, para desencadenar toda la riqueza de su trabajo como compositor. No tuvo demasiadas oportunidades, pero casi siempre demostró que su música era de una savia distinta: "Taxman" fue una agresiva protesta contra los impuestos en Inglaterra, y "Long Long Long" es una serena y ambigua suite psicodélica; mientras "Piggies" perturbó la mente atormentada del asesino Charles Manson y su clan, "Here Comes the Sun" es un canto a la vida que produce el calor del astro rey; "While My Guitar Gently Weeps" es una canción que habla del destino como motor de la vida, y "For You Blue" es un magnífico y memorable blues, hecho de la más pura química beatle.

"I Need You" y "If I Needed Someone" son baladas efectivas y degustables, pero "Something" es, sin temor a equivocarme, el himno al amor más hermoso de la historia de la música pop. El poder indescriptible de la belleza de Pattie Boyd, fue la fuerza detrás de esas canciones, la misma que años más tarde huiría hacia los brazos de otra deidad de la guitarra: Eric Clapton. Menudo pacto de amigos sellado por el amor de la misma mujer...

*****

Rota la alianza del cuarteto de Liverpool, George se dedicó a estudiar las filosofías orientales que tan profunda huella marcarían en sus composiciones y en su personalidad. Con ayuda de su maestro, el gran Ravi Shankar, se sumergió en el mágico sonido de la música clásica india. Mientras John encontró finalmente la paz para su corazón indomable en su hijo Sean, George la encontró en la meditación y en la trascendencia del hinduísmo, a orillas del Ganges, con sitar en mano.

Entre tanta espiritualidad, siempre había tiempo para el viejo rock n' roll. Harrison editó 11 discos de estudio más uno póstumo que fue terminado por Jeff Lynne y por su hijo Dhani. Sin duda, destaca entre este corpus el delicioso All Things Must Pass (1970), álbum triple que engloba las ambiciones como músico que no logró cristalizar con los Beatles.

Palabras quedan, palabras van al viento. El legado de George Harrison va más allá de haber sido el corazón solista de los Beatles. Pocos ídolos pop en la historia han sabido manejar su fama como lo hizo él, de forma tranquila y serena, sin presiones creativas, sólo pasión y mucha creatividad.

En paz descanse George Harrison. ¡Gracias por la Música!

Reporte Expo Temporal #9: "Machina / Medium / Apparatus" en Laboratorio Arte Alameda

2011-11-25T03:43:00.000-06:00

M*M*A (LAA / museografo.com)

"Machina / Medium / Apparatus" es, más que una exposición, un esfuerzo intelectual donde arte, historia, ciencia, tecnología y magia se conectan para crear un marco para el pensamiento científico, la reflexión histórica y la producción artística. El Laboratorio Arte Alameda (LAA) presenta la obra de seis artistas mexicanos: Gilberto Esparza (Aguascalientes, 1975), Rafael Lozano - Hemmer (Ciudad de México, 1967), Ale de la Puente (Ciudad de México, 1968), Fabiola Torres - Alzaba (Ciudad de México, 1978), Marcela Armas (Durango, 1976) y Santiago Itzcóatl (Ciudad de México, 1986), bajo la curaduría de Karla Jasso (Morelia, 1976).

De hecho, el lugar que alberga el LAA, el Antiguo Convento de San Diego, frente al cual estuvo el quemadero de la Santa Inquisición durante la época novohispana, funciona como un marco de referencia para las ambiciones de esta exposición. El lugar que hoy alberga prácticas artísticas en diálogo constante con la ciencia y la tecnología fue, en el mundo barroco novohispano, órgano del sistema administrativo y de control colonial, pero también testigo de sus manifestaciones culturales.

Bajo este contexto, se entreteje la exhaustiva investigación de Karla Jasso, que busca reflexionar sobre la relación entre la ciencia y la tecnología novohispana con el quehacer artístico contemporáneo. Los términos en latin del proyecto de la exposición y las referencias a las ilustraciones científicas de los libros del jesuita Atanasio Kirchner en el diseño gráfico de la misma juegan un rol muy importante; parten de esa búsqueda de resonancias entre el pasado y el presente, donde los términos llevan hacia nuevos significados y las inquietudes científicas convergen y dialogan.

La investigación de los seis artistas que participan en esta muestra derivó en dispositivos que marcan resonancias en una gama de temas planteados por el pensamiento científico criollo: "magia, ilusión, materiales compuestos, astronomía, monitoreo ecológico, el mundo celeste y el subterráneo". El trabajo de los artistas va más allá de la producción de nuevas formas de percibir nuestro mundo y nuestros sentidos; proponen a pensar el tiempo de forma cíclica, lo cual suena muy complejo e interesante.

*****

El sábado 29 de octubre se inauguró "Machina / Medium / Apparatus". Muchas cosas curiosas ocurrieron aquella noche, como ver a Rafael Lozano - Hemmer en rol de DJ, además de muchas personas del público disfrazadas en mood de Halloween. Muchas personas que ya he mencionado en este blog estuvieron ahí, además de personajes del gremio del arte y los artistas. Una sugerencia que me hizo Karla Jasso ese día fue la de tener mucha paciencia; la mayoría de las obras tienen que ser vistas y escuchadas por un periodo prolongado para ser entendidas.

"Plantas Nómadas" de Gilberto
Esparza (Foto del autor)

Por ejemplo, "Plantas Nómadas", de Gilberto Esparza, es una planta de ahuehuete albergada en un robot biotecnológico a orillas del río Lerma - Santiago, el cual está siendo contaminado por desechos industriales a lo largo de su caudal. El robot - planta - chinampa se interna en el cauce del río para tomar una muestra de agua, sale, procesa el líquido y lo utiliza para su proceso de fotosíntesis. El ahuehuete abundaba alrededor de este cuerpo acuático, y ha ido desapareciendo de la zona por la contaminación. En la galería se presenta un robot igual al que se encuentra en estos momentos en el Lerma, exactamente en Salamanca, Gto.; encontramos un registro en video del trabajo de la planta nómada y tenemos acceso a un laboratorio donde se ejemplifica el trabajo bioquímico que soporta a la propuesta.

"El Problema de lo Real" de Fabiola Torres - Alzaga plantea la relación entre la ciencia y la magia en forma de un laberinto que lleva hacia unas cabinas que exhiben diferentes juegos ópticos con baraja inglesa. Estas piezas, que son parte de una serie más amplia, tejen una relación entre la noción de "truco" y las ilusiones ópticas, inquietud de jesuitas como Kirchner y el pintor Andrea Pozzo, quien escribió su tratado de perspectiva a finales del siglo XVII. En una mesa, con el auxilio de un espejo, una baraja pasa de ser azul a ser roja con un simple movimiento del espectador; se puede hacer presente un as de diamantes a partir del fragmento de un naipe. El laberinto ejemplifica una aporía que no puede responder qué es el principio y qué el final, qué es real y qué es fantasía.

La pieza de Marcela Armas, "Máquina Stella" es un sistema de energía eléctrica que ejemplifica el principio termodinámico de la entropía. Es mediante este proceso que se explica la distribución de la energía a lo largo y ancho del Universo. El aparato está conectado a la corriente alterna, está montado sobre lo que fuera el coro de la iglesia del convento, en un fondo oscuro; la máquina está diseñada para distribuir, de forma ordenada, la energía que la alimenta, provocando desprendimiento de calor, como el de las hogueras que ardían frente al recinto. Más allá de ser una manifestación de un principio termodinámico, también es una representación de la distribución de energía en las ciudades: en las urbes, diferentes fuerzas se despliegan en busca de un equilibrio, como el tráfico de las calles, el movimiento de las personas, manifestaciones. Simbolica y poéticamente, esta obra abre diálogo a muchas reflexiones.

"Nave Solar" de Rafael
Lozano Hemmer (Foto
del autor)

Dominando la nave de la iglesia, colgada por debajo de la cúpula, se encuentra "Nave Solar", la pieza de Rafael Lozano - Hemmer. Una enorme pantalla con forma de esfera representa, mediante ecuaciones, la actividad de la corona de nuestro sol escala 1/200 millones. Una cuerda cuelga de la esfera, una cámara percibe los movimientos de las personas presentes, y en donde sería el altar se reflejan sus sombras humeantes. La obra está cargada de referencias históricas, científicas, lúdicas y literarias: esparcidores de humo como los usados en las iglesias, los péndulos de Foucault y el mito de Ícaro; las tortura inquisitoria del péndulo descrita por Poe en "El Pozo y el Péndulo" y el juego del palo encebado.

"Tiempo in-móvil" de Ale de la Puente forma un diálogo entre los estudios del movimiento de los astros, el invento de la linterna mágica y la captura de instantes en material fílmico. Doce proyectores colocados en forma circular muestran imágenes editadas digitalmente de un sol fijo cuyo horizonte se mueve, y cuyas viñetas pueden ser recorridas y vistas por el espectador a su antojo. La idea es que se juega con las nociones de captura de imágenes en movimiento, invirtiendo sus procesos: la imagen digital pasa a ser análoga, el efecto de continuidad temporal pasa a ser un detenimiento espacial, donde el tiempo se vuelve un ente meramente relativo. Desde mi punto de vista, es la pieza más compleja de toda la exposición, tanto en su elaboración como en su concepto.

Finalmente, y después de una larga espera, podremos conocer "Sismo_lógico" de Santiago Itzcóatl, la cual no estuvo lista para el día de la inauguración. Se trata de un sistema de arte sonoro y lumínico que interpreta registros de la actividad telúrica de la tierra, los cuales son tomados de la Web. La descripción que otorga la curadora de este sistema crea expectativas muy altas, aunque lo encuentro difícil de explicar hasta que lo haya visto, pero la idea principal es clara: los valores sísmicos son traducidos en sonidos, y a su vez, se traducen en una onda de luz. Un muy buen pretexto para volver a la exposición.

*****

"Machina / Medium / Apparatus" es, como todas las exposiciones del Laboratorio Arte Alameda, una alternativa diferente en el entorno museístico del Centro Histórico. Los alcances de este proyecto, más allá de la muestra, irán hacia reflexiones que vincularán la historia de la ciencia con la "teoría de los nuevos medios". Está programado el coloquio "Maquina / Medium / Apparatus: Invención, fantasía e instrumentalización en la Nueva España" para los día 19 y 20 de enero del 2012 en la Universidad Iberoamericana, donde Karla Jasso abrirá un interesante diálogo interdisciplinario, cuyos alcances serán, sin temor a equivocarme, de enorme relevancia y profundidad.

Por ahora, los invito a encontrar en esta exposición una motivación que nos lleve a darnos cuenta que el vínculo entre el arte, la historia y la ciencia está muy vivo y presente.

"Machina / Medium / Apparatus"

Desde el 29 de octubre hasta el 22 de enero de 2012

Laboratorio Arte Alameda

Dr. Mora 7, Centro Histórico de la Ciudad de México
A un costado de la Alameda Central, muy cerca del carrusel

Delegación Cuauhtémoc, México D.F.

Estaciones de Metro cercanas: Hidalgo y Bellas Artes

Horarios: Ma a Do de 9 a 17 horas. Cerrado en Lunes

Admisión: MX$15 Estudiantes, maestros y adultos mayores entran Gratis.
Entrada libre los Domingos
http://www.artealameda.bellasartes.gob.mx/

Freddie Mercury: a 20 años de su muerte...

2011-11-24T02:08:00.001-06:00

Si tuviera la oportunidad de reencarnar en un cantante, no dudaría en elegir a Freddie Mercury, ese tímido chico parsi de sonrisa chueca y enorme voz que estremeció al mundo entero.

Nacería en el último lugar del mundo, aprendería piano y diseño entre tres continentes, escucharía ópera y jazz. Tal vez trabajaría en un aeropuerto y me uniría a una banda de rock para cambiar mi destino.

Haría de mis conciertos un teatro de máscaras, donde yo sería rey y reina, donde provocaría a todos los presentes con mis juegos vocales y mis glamorosas gestualidades.

Fusionaría mis pasiones melómanas en una tragedia de asesino; me convertiría en Lady Godiva, soñaría que soy Al Capone, lucharía para ser campeón del mundo y príncipe del Universo.

Bailaría por el mundo, descansando sólo para divertirme. Me entregaría a los brazos del deseo en todos sus caudales y formas, sin escatimar en nada. The bigger the better, everything.

Y en las postrimerías de mi vida, extinguido por la pandemia de todos los continentes, entregaría cada gota de mi ser en una hermosa y última canción.

Porque, siendo yo Freddie Mercury, cuarenta y cinco años de existencia serían insuficientes para mostrar todo el brillo de mi existencia.

Los recuerdos son intangibles, las canciones son fugaces, pero las leyendas persisten las barreras de la propia trascendencia...

¡Gracias Freddie por la música!

Imógena #2

2011-11-22T01:19:00.001-06:00

Jasper Johns (1930)
"In Memory of My Feelings - Frank O'Hara" (1961)
Óleo sobre tela y objetos, 102.2 x 152.4 x 7.3 cm
Museo de Arte Contemporáneo, Chicago

No hay luz en esta habitación

ni viento que limpie este aire,

tan sólo existe mi cuerpo

inverbe, inmóvil, inútil.

A lo largo de estos días de oscuridad

en mi corazón inexplorado y salvaje

intenté escribir la historia de los dos

como la imaginé, como la deseé.

Pero nunca fuiste nada para mí,

y quise despedazarme todo, arrepentido

de haberte alejado de mis pensamientos,

de no haber luchado por tenerte conmigo.

Una lágrima de desprecio hacia mi impotencia

ilumina los pliegues de una cama sin descanso

y el tacto de una mano se pierde en un vacío

que nunca se ocupó, que nunca latió.

Si te hubieras quedado, de mis sentimientos

nacerían jardines y montañas, néctar y pan,

en mis pasos no habría pesares ni dudas,
sólo belleza, emoción, paz, amor.

Si te hubieras quedado para siempre
dentro de los rincones de mi existencia,
tus ojos serían la vida y la poesía,
alegría para el resto de mis días.

Reporte Expo Temporal #8: "Marilyn Manson: The Path of Misery" en el Antiguo Colegio de San Ildefonso

2011-11-20T01:12:00.001-06:00

"Sísifo" (2003)

Marilyn Manson (Canton, 1969) ha edificado a lo largo de dos décadas de carrera musical, una imagen marcada por la controversia y la obsenidad. Con las sórdidas atmósferas de su música industrial, con conciertos ricos en teatralidad y las escandalosas letras de sus canciones, Manson ha escrito su nombre en la historia del rock y en los corazones de fans en todos las escenas underground del mundo. Este personaje es un ícono de la cultura americana contemporánea, resumen de sus más notorias contradicciones: la afección por la creatividad y el glamour, pero también por la muerte y la destrucción.

El Antiguo Colegio de San Ildefonso y 212 Productions presentan, por primera vez en México, el trabajo como artista plástico del llamado "Príncipe de las Tinieblas"; The Path of Misery, curada por Maxwell Williams, contiene 30 acuarelas que buscan representar los aspectos más importantes de una década de trabajo pictórico. Es la segunda vez que San Ildefonso y 212 unen sus esfuerzos para traer una muestra internacional de tal envergadura: en 2009, nos presentaron "David LaChapelle: Delirios de Razón", que fue una de las más exitosas que ha realizado este recinto.

*****

"Sin título" (Homenaje a Egon Schiele) (s/f)

La obra pictórica de Marilyn Manson es tan provocativa como su creador, atractiva a primera vista y poseedora de soluciones temáticas interesantes: temas como el mito griego de Sísifo, el temor psicológico a la homosexualidad, la violencia, las adicciones y la muerte, por mencionar algunos. El retrato es un síntoma que es constante en su obra: los rostros que traza su pincel hacen referencia a las facciones de su rostro, sin llegar a ser a su absoluta semejanza. Otro elemento constante que se encuentra en la muestra es el gusto por el desnudo femenino, en el que las figuras expresan un erotismo perturbador y grotesco. Las influencias que el artista reclama en Salvador Dalí y Egon Schiele son claras: la muleta que sostiene la cabeza de su "Sísifo" y la gestualidad de las manos de sus desnudos responden a esta afirmación..

Formalmente, se deja ver a un artista caprichoso e irregular en el manejo técnico de su acuarela y de su dibujo; la obra de Manson es una efectiva expresión sublimada, pero como objeto artístico deja mucho qué desear. Su trabajo se mueve entre la expresión desgarrada de su flema creativa y la apatía hacia algún intento de innovación plástica; entre prodigiosas texturas y acabados deficientes. entre la profundidad psicológica y el ocioso rayón de un cuaderno de secundaria. "Where Do I Put My Panties?", por ejemplo, pone en boga los debates sobre su androginia presentes en la portada de su álbum Mechanical Animals (1998), pero mostrando fluxión de pigmentos y pentimenti, imperdonables para los cánones más ortodoxos de la técnica.

"Where Do I Put My Panties?" (s/f)

Al final de la exposición, podemos apreciar una pieza de videoarte: diez pantallas con diversas escenas de un demo del nuevo álbum de Manson, Born Villain. Aquí se muestran diferentes y muy interesantes escenas, acompañadas por la muestra sonora: una versión gore de La Montaña Sagrada de Alejandro Jodorowsky, donde el artista/pintor/cineasta trasquila el cabello de dos mujeres desnudas; una aguja en la mano de MM oradando la mejilla de una bella pelirroja; un viejo y un niño blancuzco viendo la televisión, referencia al cine de terror psicológico japonés; Manson nuevamente en un quirófano, realizando una inquietante cirugía con la colilla un cigarrillo; una hoguera y gritos de dolor en medio de una atmósfera incierta. Un final interesante para la exposición pictórica, debido a que también promociona el próximo material musical del artista.

Se trata de una exposición interesante y diferente, imperdible para los seguidores de Marilyn Manson. Siempre es interesante lo que un hombre como él expresa, y el marco en el cual se presenta es uno de los más espectaculares de la Ciudad de México. El Antiguo Colegio de San Ildefonso se caracteriza por su variada oferta de blockbusters museísticos, y The Path of Misery no es la excepción.

"Marilyn Manson: The Path of Misery"

Desde el 4 de noviembre hasta el 5 de febrero de 2012

Antiguo Colegio de San Ildefonso

Justo Sierra 16, Centro Histórico de la Ciudad de México

Delegación Cuauhtémoc, México D.F.

Estaciones de Metro cercanas: Allende y Zócalo

Horarios: Mi a Do de 10 a 18 horas. Martes de 10 a 20. Cerrado en Lunes

Admisión: MX$45 50% de descuento para estudiantes y maestros.

Niños y adultos mayores entran Gratis. Entrada libre los Martes

www.sanildefonso.org.mx

Michoacán: Hacia una teoría de la Teoría de Conspiración Política / Amoroso Rayito de Esperanza 2.0

2011-11-16T23:14:00.001-06:00

Vallejo y "Cocoa": Dos tipos muy cuidados. (CNN México)

El pasado lunes, se declaró la victoria, aún no oficial, del candidato del PRI a la gobernatura del estado de Michoacán, Fausto Vallejo. Según estos cómputos, la elección en esta entidad fue una de las más cerradas que se recuerden a nivel estatal en México; la diferencia entre Vallejo y la candidata del PAN, Luisa María Calderón, fue de 2.6%; y con el candidato del PRD, Silvano Aureoles, fue de 6.5%. Además, el PRI se hizo de casi la mitad de las curules del congreso estatal.

Ésta fue la última elección antes de las federales de 2012, por lo que también es un laboratorio de algunos síntomas que podrían ocurrir el próximo mes de Julio; las declaraciones de Cocoa Calderón después de darse a conocer los resultados preliminares del conteo rápido son alarmantes en ese sentido. Lo que dijo la candidata panista es bastante grave, y necesita ser fundamentado para no provocar divisiones entre los ciudadanos michoacanos: según Cocoa, el PRI ganó la elección gracias a que fue apoyado por los grupos criminales dominantes en la entidad, específicamente la Familia Michoacana, causa de un enorme miedo y abstencionismo, por lo que la elección debe ser anulada.

Vayamos a la historia reciente: hay algo que aquel desastre de las elecciones federales de 2006 nos enseñó: en política, es esencial vivir y dejar vivir; paradojicamente, ahora es el PAN el que pide el "voto por voto" que los perredistas buscaron en vano hace cinco años. Por el bien de Michoacán y por la imagen propia y de su partido, Cocoa Calderón debería reconocer el resultado de la elección; la coyuntura política es frágil, y pedir un reconteo sería echar más leña a un incendio incontrolable. Pero si tiene los elementos para sustentar su acusación; si Felipe, su hermano presidente, le ha facilitado información reveladora, entonces que la presente, y si no la tiene, entonces que calle para siempre.

Una reflexión me queda: conspirar ha sido el deporte del sexenio, el "sospechosismo" ha sido constante en los once años de gestiones panistas. Conspiramos en Twitter, conspiramos en los medios, conspiramos en las conversaciones de la vida diaria; que si la epidemia de influenza fue una falsedad, que por qué no se contó "voto por voto" en 2006, que por qué paró "el Conejo" en Sudáfrica y no Ochoa, que si a Mouriño y a Blake "los accidentaron", y un largo etcétera.

Setenta y un años de priísmo nos dejaron tatuada cierta tendencia al autoritarismo, todo era como nos lo pintaba el partido y los medios; de ahí que en los últimos tiempos, y gracias a los avances de las telecomunicaciones, conspirar resulte tan sencillo. No es malo discrepar mientras se tengan argumentos, pero conspirar por el simple y divertido acto de conspirar es un vicio del cual nos tenemos que deshacer.

*****

AMLO y Ebrard: Dos tipos de cuidado (APF / Omar Torres)

El día de ayer, a mediodía, se reunió las altas planas de los partidos de izquierda para elegir a su candidato para la Presidencia. Con unas encuestas bastante raras y una conferencia de prensa muy divertida, se determinó que Andrés Manuel López Obrador "se encuentra mejor posicionado" que Marcelo Ebrard, por lo que "el Peje" será candidato por segunda vez. Un cómico "besado de manos", parte medular de un rosario de abrazos y elogios, selló el pacto de las tribus del PRD, el PT, el MORENA (Movimiento de Regeneración Nacional) y el Movimiento Ciudadano (antes Convergencia).

Aquellos que pensaron que volvería a haber gritos y sombrerazos, como los que han caracterizado a "los zurdos" en el sexenio, tienen aún su derecho a sospechar en que la ruptura sólo se ha maquillado. La derrota perredista en Michoacán, estado que habían gobernado por una década, prendió focos rojos, por lo que era necesario, aunque no tan deseado, que hubiese un candidato único para Julio. El precio político de llegar separados al 2012 hubiese significado la quiebra total de una corriente que tiene que relamerse, y rápido, las heridas.

Marcelo Ebrard será un aliado fuerte, probable secretario de Gobernación en caso de ganar; tendrá que ser el cimiento más fuerte del tabasqueño, darle credibilidad y apertura a un candidato que ha sido bastante golpeado por sus detractores y por errores propios. AMLO ha mostrado más serenidad, tolerancia y apertura ante los grupos que en 2006 atacó; ahora será cuestión de juntar a sus militantes y de convencer a los indecisos de que ese cambio de postura ha sido para bien. En pocas palabras, este "Peje" se perfila, al menos en su fachada, más "amoroso" y nutritivo que el anterior.

Si me lo preguntan, en este momento no hay a quién irle...

Avisos Parroquiales #1: Nuevo FanBox de Facebook, Ciudad Blogger y Redes Sociales

2011-11-15T10:24:00.000-06:00

Alexander Rodchenko (1891 - 1956)
"Lilya Brik" (1924)

Hola a todos... Esta entrada tiene que ser muy rápida, así que trataré de usar la menor extensión posible. Son tres puntos que quiero escribir rápidamente.

Primer Punto: Quiero avisarles que mi blog está estrenando FanBox y página en Facebook. Si miran hacia la parte derecha, junto a la barra lateral, verán una pestaña que flota en la página; ésa es la nueva FanBox de Facebook, donde pueden hacer click en "Me Gusta". Por ahora, sólo yo soy fan de la página y se ve bastante patético, pero espero que el espacio crezca en este tiempo, y sólo puede ocurrir con la ayuda de ustedes.

A partir de hoy, si están en Facebook, pueden seguir y compartir los contenidos de este blog y otras diarreas que se me puedan ocurrir desde la red social de Marc Zuckenberg, y si no son usuarios, pues no soy quien para obligarlos, todo lo contrario.

Abrí este espacio para ofrecer una alternativa de subscripción y comunicación a cualquier persona que se pase por aquí. Quiero que esta página sea espacio de opinión y enlace; pienso hacer preguntas sobre los temas del momento, y en base a ellas enriqueceré mis entradas. ¿Por qué no poner de repente algún enlace, o algún video, o alguna cosa por el estilo?. ¿Por qué no recomiendan ustedes algo?

Todos los blogueros queremos tener más público, no porque nos falten lectores fieles , sino porque siempre queremos tener más opiniones. A los que me acompañan hasta el día de hoy, se los agradeceré siempre; ellos saben quienes son, y los he mencionado antes, y espero seguir teniéndolos de visita por aquí.

*****

Segundo Punto: Muchos estarán preguntándose: "Oye, ¿cómo pusiste esa pestaña tan coqueta?, ¿cuál es el secreto? Si quieren toda la información que necesitan para darle personalidad a su Blogger, como tips, gadgets, dudas, plantillas y demás aplicaciones divertidas, visiten Ciudad Blogger. Su moderador, El Potro, es experto en blogs y publica los mejores secretos para tener la mejor experiencia de Blogger. Aquí fue donde encontré la forma de instalar este alucinante FanBox flotante; por ahora, seguiré viendo la página para ver qué otra cosa me parece interesante.

Tercer Punto: Como quizás ya han visto, en la parte baja de la barra lateral están mis links sociales: Facebook, Twitter, Google + y Last.Fm. Si así lo desean, pueden seguirme en Twitter, agregarme a sus círculos de Google +, y ver mi perfil de Last.Fm.

Ayer, mi querida I.L. me presentó Klout; me está resultando bastante útil y lo agregué de inmediato a la barra lateral. Échenle un vistazo, en verdad es un sistema de detección de influencia en redes sociales muy útil e interesante. Incluso, sus estadísticas se toman en cuenta, en estos tiempos de tecnología, a la hora de entrevistar a una persona que aspira a un puesto de trabajo.

Por mi parte es todo. Un saludo y gracias...

Pacquiao vs. Márquez III: De la indignación y la concupiscencia

2011-11-13T01:06:00.001-06:00

Escena del Pacquiao VS Márquez III (@zanferbox / Twitter)

La noche del día 12 de noviembre de 2011 vivirá para siempre en la infamia de la historia del boxeo.

Juan Manuel "Dinamita" Márquez, pugilista mexicano campeón de peso ligero, combatió hace algunas horas con Manny "Pac Man" Pacquiao, considerado por los expertos como el mejor libra por libra en cualquier categoría de nuestra generación. Márquez brindó una pelea de epopeya, con rapidez, golpes precisos y categoría de monarca mundial, borrando del ring por largos trayectos al campeón filipino. Lo que millones de espectadores vieron el día de hoy en la arena del MGM Grand en Las Vegas fue la mejor demostración del arte de la fistina que ha otorgado un mexicano contra el "Pac Man", doce episodios de absoluta entrega y superioridad ante un hombre que hasta el timbrar de la campana lucía como un peleador invencible.

Desafortunadamente, los jueces que dieron el veredicto final no vieron lo que todos los demás. El boxeo es un deporte de apreciación, pero ése no fue el problema el día de hoy, sino la gran masa de intereses que rodean, valga la redundancia, tal apreciación. Mientras un juez vio un empate, los otros dos dieron victoria a Pacquiao, quien se notó claramente sorprendido por el anuncio oficial de decisión unánime. No es la primera vez que "Dinamita" logra superar a Pacquiao de principio a fin, y no es la primera vez que sale del cuadrilátero con las manos vacías; recordemos que el segundo combate de esta rivalidad, decisión dividida para "Pac Man", fue percibida como victoria de Márquez.

Diríamos en México, fue un robo fragrante, fue un acto asqueroso y rapaz de pillería contra el que demostró, en la mayoría de los rounds, que merecía poseer el título de peso Welter de la Organización Mundial de Boxeo y, quizás lo más importante, ganar la lucha de su vida. Aquellos que abuchearon el veredicto no estaban equivocados, la mirada del "Pac Man" al sonar la campana que finalizó el último episodio reflejaba que no había sido su noche, mientras Márquez celebraba su gran jornada ante la aclamación del respetable. El mexicano se la creyó en todo momento, mientras que Pacquiao se notó lento y sorprendido por el trabajo de cintura, el empuje y la fuerza con la cual lo conectó su rival; el filipino nunca vio la luz ante un "Dinamita" encendido y en constante ebullición. El cuestionable parche - propaganda del PRI en el calzoncillo de Márquez pasó a segundo plano.

Hay indignación en México y entre aquellos que aman el boxeo más allá de nacionalismos y simpatías. Es infame la pedantería con la cual se sacó en brazos a un hombre que se sabía derrotado y que no tuvo ese dominio, esa movilidad y esa pegada de antaño. Desafortunadamente, el boxeo es uno de los deportes que más se ha manchado con intereses fuera de su aura de valentía y talento; se manejan millones de dólares en las casas de apuestas, y los manejos turbios de intereses acaban siempre imponiendo la avaricia de unos cuantos contra el entretenimiento y las pasiones de muchos. Lo sucedido ayer dejó los reflectores apuntando hacia ese tema, en búsqueda de una explicación ante lo increíble.

Me quedo con la cátedra boxística de Márquez y con sus palabras al bajar del ring: "Esta pelea la ganamos, conectamos los mejores golpes, él (Pacquiao) lo sabe y la afición protestó". Es una lástima que un espectáculo tan bello y lleno de emociones se corrompa por las concupiscentes ambiciones de mafias tan poderosas. No encuentro otra forma de explicarlo: Las Vegas hizo el negocio del año a costas de uno de los ultrajes del siglo; Márquez cobró la gloria de campeón sin corona, Pacquiao sólo cobró.

Los fanáticos del mundo no merecen esa clase de engaños... Así no se puede creer en el deporte como el boxeo.

11.11.11: De deudas, búlgaras, Michoacán, Blake y Lujambio... ¿Qué nos Pasa?

2011-11-11T21:52:00.000-06:00

José Francisco Blake Mora (1966 - 2011) Descanse en Paz... (GF)

Ha sido una semana interesante la que ha pasado en los entornos políticos aquí en México, ya que han ocurrido cualquier cantidad de sucesos extraños y que dejan muchas preguntas sin responder. Varios muertos, dos con la soga al cuello y uno que buscará librarla, todos en previa de las elecciones del próximo domingo 13, donde se elegirá nuevo gobernador del estado de Michoacán. Para no hacernos tantas bolas, iré, como diría Jack el Destripador, por partes:

Al ejercer el gobierno en cualquier entidad federativa, es importante tener las cuentas económicas claras; si es necesario endeudarse para conseguir los objetivos del gobierno, es algo aceptable mientras la cuota se pueda desahogar y no duela a los dineros de los contribuyentes. Las acusaciones contra el ex-gobernador de Coahuila y hoy presidente del PRI, Humberto Moreira, son muy graves; este personaje dejó una deuda de 3 mil 100 millones de pesos, cuyos créditos fueron adquiridos mediante documentación falsa, amén de la aparición de costosas propiedades de diversos miembros de su gabinete en Estados Unidos. Los miembros y las bases del partido tricolor han cerrado sus filas alrededor de su líder, mientras que los opositores piden su cabeza envuelta en explicaciones, sobre si ese dinero se utilizó en la entidad o se desvió para fines personales y/o partidistas. No creo que esas flechas apunten hoy al folklorico coahuilense de dientes prominentes, sino que van más arriba, hacia el copete del bólido que corre hacia Los Pinos sin obstáculo que lo tropiece a la lejanía: Enrique Peña Nieto.
Otro político que tiene el agua hasta el cuello es Jorge Emilio González Martínez, conocido en estos lares como "el Niño Verde", quien hasta hace dos meses era presidente del Partido Verde Ecologista de México. Resulta que este personaje está involucrado en el supuesto suicidio de una ciudadana búlgara llamada Galina Chankova, de 25 años, la cual se aventó, el 2 de abril pasado, de la terraza de un departamento de la Torre Emerald de Cancún, el cual supuestamente le pertenece. Mientras González Martínez acusa difamación y niega que ese departamento sea de su propiedad, la periodista Lydia Cacho ha declarado, de acuerdo a declaraciones de testigos, que "el Niño Verde" estuvo en la fiesta donde ocurrió la muerte, pero que le pidió al gobernador del estado de Quintana Roo, Félix González Canto, que no lo involucrara, obstruyendo la ley y manipulando el expediente de la investigación. Se dice que González Torres busca la candidatura al Senado por Quintana Roo, y que su compañero de fórmula sería el mismo González Canto, del PRI.
Como ya mencioné, el próximo domingo se realizarán elecciones en el estado de Michoacán, donde se renovará gobernador, diputados estatales y presidencias municipales. Esta será la última elección antes de las federales del próximo año, y los resultados que ahí se arrojen pueden otorgar lecturas de lo que podría suceder en 2012. Los analistas afirman que el PRD perderá la gobernatura, la cual se disputa entre el PAN y el PRI, pero que los tres candidatos son muy fuertes. El tema del morbo lo da Luisa María Calderón Hinojosa, candidata del PAN y hermana del presidente, la cual lidera las encuestas. "La Cocoa", como la conocen sus cercanos, podría dar un golpe sorpresa a sus contrincantes, el alcalde priísta de Morelia Fausto Vallejo y al senador perredista Silvano Aureoles. La violencia y la pobreza que inunda a la entidad han sido factores fundamentales para que el ambiente previo a los sufragios sea tan turbio e incierto.
Hoy 11/11/11, día cabalístico por razones que nadie ha logrado explicarme, el helicóptero donde viajaba el secretario de Gobernación, Francisco Blake Mora, junto con otros funcionarios y miembros del Estado Mayor Presidencial, se colapsó en un paraje de la comunidad de Santa Ana Tlacotenco, en el municipio mexiquense de Chalco, matando a toda la tripulación al instante. Hay que mencionar que el destino del funcionario era Cuernavaca, donde se reunirían con procuradores de justicia de todos los estados del país. Tal tragedia ocurre a tres años de que otro ex-secretario de Gobernación, Juan Camilo Mouriño, muriera bajo extrañas circunstancias en un avionazo al norte de la Ciudad de México. Conspirar nunca es bueno, pero el tan mentado 11/11/11 otorgó un profético mensaje tweet del usuario @morf0, quien dijo que "un secretario caería del cielo". ¿Coincidencia o Nostradamus renació mexicano? No es posible saberlo, pero me interesaría saber su pronóstico del Pacquiao - Márquez III.*
Y como si tal magnicidio no hubiera sido poco, se dio a conocer hace rato que el secretario de Educación Pública, Alonso Lujambio, tiene etapas tempranas de miéloma múltiple, una especie de cáncer en la médula ósea. El maestro Lujambio seguirá despachando mientras el fin de sexenio y los tratamientos se lo permitan. No queda más que desearle un buen destino y los mejores deseos...
Yo, como muchos, sigo esperando que Emilio Azcárraga Jean le de la cara a Héctor Suárez para aclararle la situación de su censura y despido. ¿Tendrá el valor o le valdrá?

Adios!!!

* Actualización (Noviembre 13 de 2011): El día de hoy, la Procuraduría General de la República detuvo, sin orden de presentación y en presunta "calidad de testigo", al twittero @mareoflores, quien el día 10 escribió en su timeline de Twitter lo siguiente: "No salía tan temprano del trabajo desde que se cayó la avioneta de Mouriño. Anden con cuidado, secretarios voladores".

¿Qué no se supone que la trágica muerte del secretario Blake había sido un accidente?, ¿Nos estará ocultando algo el gobierno federal?, ¿Vamos a seguirle con el tema de la libre expresión de los twitteros, como en Veracruz? Vaya que estamos paranoicos...

Top 20 Álbums #6: Led Zeppelin - Led Zeppelin IV

2011-11-09T18:56:00.000-06:00

Antes de comenzar, me gustaría mandar un saludo al bloguero que me recordó tan importante fecha, Efrén de The Bad Blood Club, cuyo texto homenaje me sirve como punto de partida. En muchas partes del mundo, en diferentes idiomas y lugares, se debieron de realizar cualquier cantidad de tributos al disco del cual hablaré en la entrada de mi Top 20 de Albums; he aquí mi grano de arena.

Un día 8 de Noviembre de hace 40 años, apareció en las tiendas de música uno de los albums más paradigmáticos de la historia, la gran obra maestra de Led Zeppelin, hombre por hombre, sin temor a equivocarme, la más virtuosa banda de rock de todos los tiempos; piedra clave de lo que hoy entendemos por rock en casi todos sus subgéneros, cuya trascendencia es y seguirá siendo la letra escarlata en la piel de todas las bandas de rock que los han sucedido. Hablo, desde luego, del disco del ermitaño, el disco de los cuatro símbolos, ZoSo; hoy en día más conocido como Led Zeppelin IV (1971).

Cuatro genios ingleses cuyos nombres se escriben en tinta áurea: al frente, la potente voz de Robert Plant, cuyo carisma es la mejor manifestación de actitud rockanrolera de toda una generación; tocando el bajo y una gran variedad de instrumentos en estudio, el sereno virtuoso John Paul Jones, responsable de las aristas que acercaron a la banda a terrenos como la música clásica y los sonidos de Oriente; una bestia en la batería, John Bonham, por aclamación el mejor baterista de la historia, el hombre detrás del arrastre rítmico y de la leyenda fiestera del grupo; y finalmente, Jimmy Page, el divino guitarrista que, en cada golpe y cada riff de su Les Paul, invocaba la risa del poderoso demonio que le vendió su alma por amor al rock n' roll.

*****

Sé que esta frase es un gran cliché, pero Led Zeppelin cambió mi vida, para siempre y para bien. Recuerdo que cursaba mi primer año de la preparatoria cuando me topé por vez primera con el IV; de inmediato fui a comprar ese disco que tanta emoción me había causado, y lo escuché íntegro tres veces seguidas en casa. Desde esos días, mis gustos musicales en inglés se alinean a partir de dos paradigmas bastante contrarios: si bien Norah Jones ejemplifica mi apolíneo lado "pop", Led Zeppelin marcó el verdadero comienzo de mi dionisiaca militancia rockera; lo que vino después se mueve juguetonamente y de forma desigual entre estos polos.

Pero volviendo al tema, recordemos el contexto en el cual vio la luz el IV. Hacia 1970, Led Zeppelin era uno de los actos musicales más populares en Estados Unidos y el Reino Unido, debido en gran parte a la energía que derrochaban en sus conciertos, a la imagen legendaria de rock stars fiesteros y al éxito comercial de sus tres trabajos anteriores. Hacia finales de ese año, comenzaron las grabaciones de las maquetas de los temas que formaron el IV, las cuales se completaron durante el primer trimestre de 1971; el lanzamiento se retrasó por problemas en la mezcla final hasta el mes de Noviembre.

Otro problema surgió en el inter: al no tener título oficial, Atlantic Records no quería lanzar el álbum; de hecho, los cuatro símbolos fungieron como el "nombre" del material, y fueron éstos los que se utilizaron en la propaganda. El arte del álbum es muestra del interés de Jimmy Page por la magia y el ocultismo, así como de su muy particular sensibilidad: por ejemplo, los diseños de las "runas" que representan a cada miembro de la banda, recuerdan símbolos astrológicos y alquímicos, además de tener un significado particular para cada integrante.

La portada, una de las más emblemáticas de la historia de la música grabada, es una fotografía de la pared carcomida de un edificio en ruinas, de la cual cuelga un cuadro de un anciano cargando leña sobre su espalda, con vista hacia los edificios industriales de la ciudad de Reading; la imagen refleja una poética contraposición entre la destrucción de la vida de campo y el crecimiento industrial en la ciudad. En el interior, una bella de muestra de revival tipográfico decimonónico para la letra de "Stairway to Heaven" y la petrea e icónica imágen del ermitaño, inspirada en el tarot Rider-Waite. Hasta en esos detalles, el IV es un disco atrevido e innovador.

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Pocos albums tienen un inicio tan arrollador, "Black Dog" es una de las canciones más complejas en el catálogo de Led Zeppelin, pura y desatada sensualidad traducida en sus drásticos silencios y cambios de ritmo, la provocadora voz de Plant, el riff de Page y la desenfadada batería de Bonham. Al finalizar la canción, el solo de guitarra y los gemidos de Plant son puro poder desbordado, casi cinco minutos de provocación y hedonismo; si hay una canción que lograba resumir todo el músculo en vivo de la banda, es ésta.

A continuación, "Rock and Roll", poderosa canción estructurada a partir de base bluesera de 12 compases, donde nuevamente queda demostrada la explosividad del grupo; la frenética batería de Bonham y el bajo de Jones tienen el protagonismo en todo momento, y los batacazos del final son la cereza del pastel. El piano que agrega Jones en la segunda parte del disco recuerda a Little Richard y Jerry Lee Lewis, mientras las partes de guitarra de Page y la voz de Plant adhieren una atmósfera fluida y sólida que le da su sello al tema.

En el tercer corte, la banda se adentra en una dimensión musical explorada en su trabajo anterior, el III, con otro resultado épico. "The Battle of Evermore" recuerda a las canciones tradiciones del folklore británico, con referencia a pasajes de "El Retorno del Rey", tercera parte de la trilogía de El Señor de los Anillos de J. R. R. Tolkien. Con una mandolina, guitarra acústica y algunas percusiones, la canción construye un diálogo call-and-response entre Plant y la cantante de folk Sandy Denny, amiga personal de la banda que fue invitada para realizar la segunda voz. La canción es todo un triunfo, muestra las raíces y la versatilidad de la banda y abre caminos de luz en un lugar donde todo parecía ser reino de oscuridad. Una quinta "runa" fue asignada para Denny, la única vez que un músico invitado compartió el estudio con Led Zeppelin.

Y entonces, surge la magia, "Stairway to Heaven", himno que resume todos los valores estéticos de Led Zeppelin; el nostálgico virtuosismo de su facia acústica se encuentra con la majestuosidad de su poder eléctrico, los misterios omnipresentes del folk y el rock son encumbrados hacia dimensiones cósmicas. Escalinata celestial que con cada peldaño adquiere melodía y poder: la canción comienza con el fingerpicking de Page y el melotrón de Jones, sensaciones de leyendas élficas abundan por el aire hasta que la voz de Plant comienza a llevarnos hacia la razón. El espíritu de la guitarra de 12 cuerdas irrumpe con su encantador rasgueo, siguiendo el patrón cromático de los arpegios de la guitarra acústica; a la fiesta se une Bonham con su compleja base rítmica. Todo revoluciona, las guitarras y la batería se contraponen a duelo para abrir camino al hechizo; el solo de Page en su Telecaster, las 12 cuerdas del Rickenbacker acompañando, la batería y el bajo al pendiente de la marea en el canto de Plant. Las palabras quedan sobrando, la canción es aún la misma, de la sangre de la medusa surgió el último canto de un cisne que llama al silencio final. He aquí la canción más maravillosa de la historia del rock, pocas presumen tal grandeza e influencia; aquí podría acabar la historia, pero aún falta la mitad del disco.

Un riff a dúo entre Page y el piano eléctrico de Jones abre paso a "Misty Mountain Hop", una canción de fiesta y mariguana con otra senda referencia a las cartografías de las historias de Tolkien. Aunque el ritmo es rígido y acompasado, no se salvó de pequeños errores de coordinación en la banda, pero la grabación era bastante buena en lo general como para descartarla; finalmente, es Led Zeppelin, y los problemas de ejecución eran pecata minuta.

"Four Sticks" es la mayor muestra de las habilidades de Bonham en esta grabación; al verse frustrado por no lograr las secuencias que la canción necesitaba, utilizó cuatro baquetas para crear esa atmósfera que parece ser la interpretación de varios percusionistas; al agregarse las guitarras, un sintetizador y la voz de Robert Plant, nos encontramos con una canción difícil de tocar y de escuchar, pero ejemplar por el reto técnico que exigió.

El séptimo track, "Going to California", es otro prodigio folk de la banda, pulsión de las canciones del disco III. Aquí, Robert Plant se acerca a una de sus influencias contemporáneas, la maravillosa poesía de las canciones de Joni Mitchell. La letra describe lo que parece ser un sueño californiano, con una mujer con flores en el cabello, un terremoto y una búsqueda en una yegua blanca por aquella mujer que aún no existía. Led Zeppelin buscó a Joni Mitchell en sus historias y en su voz de ruiseñor, logrando esbozar una fidedigna imagen musical de la canadiense.

El último track, "When the Levee Breaks", es un cover de un trágico blues del Delta convertido en portentoso blues eléctrico, un trabajo arduo de producción en estudio, difícil de interpretar en vivo con toda su fuerza. El bajo de Jones y la pesada línea de batería de Bonham, la cual tuvo enorme repercusión en la electrónica y el hip-hop, llevan toda la iniciativa, mientras los poderosos riffs de la guitarra de Page y la omnipresencia de Plant en la harmónica y en la voz se dejaban encantar por un efecto de eco, lo cual le da una atmósfera aún más densa. Otro desborde de genialidad que finaliza con un peligroso lick de Page en el final; tantas emociones cortadas que animan a volver a comenzar.

Han pasado 40 años y este álbum sigue siendo de los consentidos de todos aquellos que se saben amantes de la música. Pocas cosas han sido tan grandes en la historia de la humanidad como la epopeya de estos cuatro jinetes por los caminos del rock n' roll, y pocos vestigios atemporales son tan ejemplares de tan divino poder como el IV.

Then the piper will lead us to reason...

Tracklist:

Black Dog
Rock and Roll
The Battle of Evermore
Stairway to Heaven
Misty Mountain Hop
Four Sticks
Going to California
When the Levee Breaks

The World is Yawning #19

2011-11-02T05:41:00.000-06:00

Mary Jane Ansell (Shropshire, 1972)
"Protection" s/f
Óleo sobre panel, 38 x 38 cm
Colección Particular
Imagen tomada de Gandalf's Gallery

Anhelo enamorarme de ti, con el paso de cada palabra

mientras conozco el ritmo acelerado de tus parpadeos

y las comisuras de tus labios al abrir y al cerrar.

Aspirar tu voz de suave aurora, beber el brillo

de tus dulces ojos mirando hacia las estrellas,

y saborear cada gota de tu sonrisa al amanecer.

Volver sobre mis pasos, una vez enloquecido,

para reencontrame con cada emoción vivida

y entonces, posar mi corazón entre tus manos.

Reporte Expo Temporal #7: "Fábrica Mexicana: Diseño Industrial Contemporáneo" en el Museo de Arte Moderno

2011-10-30T08:00:00.000-06:00

El pasado 13 de octubre, el Museo de Arte Moderno (MAM) inauguró la exposición "Fábrica Mexicana: Diseño Industrial Contemporáneo". Esta muestra fue concebida en asociación con el evento Design Week México 2011, el encuentro de diseño y arquitectura que reúne a lo mejor del interiorismo en el país. Además, el MAM retoma una de sus misiones históricas, la difusión de las nuevas tendencias del diseño internacional, como ocurrió en 1971, año en que tuvo lugar el Primer Salón Mexicano del Diseño. Se recopilaron 125 piezas de diversos gabinetes creativos y diseñadores, ordenados en criterios que abarcan las problemáticas principales del diseño industrial en nuestro país.

Algunos de los nombres importantes que destacan en la muestran son los siguientes: Héctor Esrawe, Emiliano Godoy, Ariel Rojo Design Studio, Joel Escalona, Ezequiel Farca, Mauricio Lara, Bala Studio, Bamboocycles, Diseño Neko, eosmexico estudio, Sami Hayek, Pirwi, Rococo, The Rug Company, 20/20 y muchos más.

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De izq. a der: Marco Coello, Graciela Kasep y Osvaldo Sánchez
(Fotografía del autor)

En la inauguración, presenciada por un número importante de asistentes, estuvieron el director del recinto, Osvaldo Sánchez, y los curadores de la exposición, Graciela Kasep por el MAM, y el arquitecto Marco Coello por Design Week. Fuera de mi costumbre, llegué tarde, por lo que me perdí los discursos inaugurales, pero gracias a los reportes de prensa, podemos saber algunas de las cosas que se dijeron. El doctor Sánchez recalcó la relación del recinto que dirige con la historia del diseño y la divulgación de los diseñadores de vanguardia. Por su parte, Kasep declaró que la muestra buscaba dar a conocer las relaciones entre el diseño con lo comercial y con las implicaciones conceptuales que se encuentran detrás de cada objeto.

Como quizás sepan, yo no soy diseñador, pero gracias a las experiencias de la Universidad he tenido el gusto de conocer a muchos, lo cual me ha dotado de cierta sensibilidad hacia las cosas que ellos crean. Esta vez, me acompañé de K.P.A.G., diseñadora industrial; gracias a ella conozco un poquito de este ambiente, además, es ella quien me enamora de nuevo de mi profesión cuando tengo momentos de conflicto con ella. K. me guió a través de esta exposición, me habló de los diseñadores cuyos objetos íbamos encontrando, y me dijo muchas ideas que necesitamos hablar nuevamente. Afortunadamente, nuestras conversaciones nunca encuentran fin, pero esa es otra historia...

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Si damos una vuelta rápida a la sala donde está montada esta exposición, podemos caer en la tentación de decir que es una simple oda al "gran diseño" mexicano, en donde apenas y se marcan esbozos de los pocos alcances que esta profesión ha tenido hacia el que debería ser su campo de recepción principal: el "gran público". Sin embargo, encuentro que entre lo chick de la curaduría y la organización de la muestra, hay un reconocimiento y una autocrítica: pese a que existe mucho talento y firmas prestigiadas, muchos de los avances a los cuales puede llegar el diseño industrial mexicano son aún asignatura pendiente.

El objetivo que persigue "Fábrica Mexicana..." es dar un panorama del diseño industrial mexicano en un momento de enorme significado para la disciplina. La exposición enumera el trabajo de diversos diseñadores y colectivos, otorgándoles diversas lecturas que buscan marcar problemáticas, soluciones y fundamentos del diseño en México, los cuales se enmarcan en cinco bloques: El primer problema que confronta la muestra es el de la relación entre el diseño y la sociedad, tanto con los usuarios como con los fabricantes. En México, muchas comunidades basan sus economías en la elaboración de productos; es gracias a la visión de algunos diseñadores que las tradiciones de fabricación se rescatan, dándoles un aire de contemporaneidad y permitiendo la supervivencia del trabajo artesanal local.

Mastretta MXT (2006)

Uno de los asuntos engorrosos del diseño industrial en México y en el mundo es el debate sobre el diseño exclusivo, que cumple la función de ser objeto de deseo. La exposición trata también aquellos objetos que son considerados "gadgets de lujo", que cumplen más un ánimo de consumismo y de exclusividad. El diseño, desde los tiempos de la Bauhaus y De Stijl, se ha definido a partir de la tensión entre la belleza y la funcionalidad; uso y forma, utilidad y estética, necesidad y lujo, dicotomías que en cada diseñador, en cada firma y en cada generación de creativos se solucionan de manera diferente.

Mauricio Lara para eosmexico estudio
"Silla Carlotta" (2009)

La relación entre diseño y medio ambiente es otro de los temas tratados. Los diseñadores se ven en la necesidad de utilizar materiales y procesos de fabricación que provoquen el menor impacto ambiental posible, llevando a un trabajo mucho más ético y responsable. La riqueza de materiales de fácil degradación permite que el diseño tenga una relación empática con el mundo contemporáneo, tan aquejado en sus grandes urbes por los problemas de polución y por la dificultad para degradar sus desechos sólidos.

Héctor Esrawe para Pirwi

El cuarto problema que marca la exposición es la polarización social representada por el problema del diseño único contra el de la seriación. El diseño industrial surge como una necesidad de hacer llegar productos de calidad a población con recursos limitados; el avance tecnológico y la transformación de la forma de ver los productos permite el éxito de la seriación. Sin embargo, México tiene el gran problema de no contar con la capacidad de producción ni con el poder adquisitivo para poder fabricar y obtener este tipo de productos, lo cual es el gran problema que tiene esta profesión en el país.

Bamboocycle UC-20

El último bloque, "La Experiencia de lo Público / Diseño para la Ciudad", enmarca diseño, arquitectura y urbanismo en el entorno citadino y su desarrollo. Uno de los grandes retos que esta profesión debe de confrontar en el futuro es el de poder renovar las ciudades, volviéndolas más fáciles de transitar, ayudando a disminuir la contaminación, reapropiándose de espacios perdidos, configurando la organización de los movimientos y asentamientos humanos, modificando malos hábitos y creando conciencia sobre un nuevo dominio del espacio público.

Se trata de una exposición que vale mucho la pena, sobre todo por las piezas que están expuestas, muestras magníficas del talento que existe en el campo del diseño industrial en México, el cual, como ya he mencionado, aún tiene muchos retos por delante.

"Fábrica Mexicana: Diseño Industrial Mexicano"

Desde el 13 de octubre hasta el 12 de febrero de 2012

Museo de Arte Moderno

Paseo de la Reforma y Gandhi s/n, Bosque de Chapultepec

Estaciones de Metro más cercanas: Chapultepec y Auditorio

Horarios: Ma a Do, 10:15 a 17:30 horas. Cerrado en Lunes
Admisión: MX$22 Estudiantes y adultos mayores entran Gratis
Entrada libre los Domingos.
www.mam.org.mx

Momento Photo Booth #5

2011-10-28T23:45:00.000-05:00

Simplemente quise tomarme una fotografía con esta curiosa peluca. Por la mañana fui a la universidad a hacer trámites, y fui a saludar a mis compañeras.

Una de ellas, P. T., llegó disfrazada como Mia Wallace, el personaje de Uma Thurman en Pulp Fiction. Me prestó su peluca y me la puse...

Sería muy mala drag, pero pronto me vestiré de Vincent Vega.

Fragmento de "Demian" de Hermann Hesse

2011-10-25T04:52:00.000-05:00

Ella notaba en seguida cuándo se producía en mí un cambio, una confusión o una renovación. Me parecía que los sueños que yo tenía al dormir eran inspiraciones suyas. Muchas veces se lo contaba y le resultaban comprensibles y naturales; no había dificultades que ella no siguiera con su clara intuición. Durante un tiempo tuve sueños que eran como reproducciones de nuestras conversaciones del día. Soñaba que todo el mundo estaba revolucionado y que yo, solo o con Demian, esperaba tenso el gran destino. Este permanecería oculto pero llevaba los rasgos de Frau Eva: ser elegido o rechazado por ella era el destino.

A veces me decía sonriente:

- No es ese todo su sueño, Sinclair. Ha olvidado usted lo mejor.

Y, en efecto, solía recordar entonces nuevos fragmentos de mi sueño, sin acertar a explicarme cómo podía haberlos olvidado.

En ocasiones me sentía descontento y atormentado de deseos. Creía no poder soportar ya por más tiempo tenerla a mi lado sin estrecharla entre mis brazos. También esto lo advirtió ella en seguida y al verme llegar una tarde a su casa, agitado y confuso, después de varios días de retraimiento y me dijo:

- No debe usted entregarse a deseos en los que no cree. Sé lo que usted desea. Tiene usted que abandonarlos o desearlos de verdad y por entero. Cuando llegue usted a pedir llevando en sí la plena seguridad de lograr su deseo, la demanda y la satisfacción coincidirán en un solo instante. Pero usted desea y se reprocha, temeroso, sus deseos. Tiene usted que dominar todo eso. Voy a contarle una conseja.

Y me contó la historia de un muchacho enamorado de una estrella. Adoraba a su estrella junto al mar, tendía sus brazos hacia ella, soñaba con ella y le dirigía todos sus pensamientos. Pero sabía, o creía saber, que una estrella no puede ser abrazada por un ser humano. Creía que su destino era amar a una estrella sin esperanza; y sobre esta idea construyó todo un poema vital de renuncia y de sufrimiento silencioso y fiel que habría de purificarle y perfeccionarle. Todos sus sueños se concentraban en una estrella. Una noche estaba de nuevo junto al mar, sobre un acantilado, contemplando su estrella y ardiendo de amor hacia ella. En el momento de mayor pasión dio unos pasos hacia adelante y lanzó al vacío, a su encuentro. Pero en el instante de tirarse pensó que era imposible y cayó a la plaza destrozado. No había sabido amar. Si en el momento de lanzarse hubiera tenido la fuerza de creer firmemente en la realización de su amor, hubiese volado hacia arriba a reunirse con su estrella.

- El amor no se debe pedir - continuó -, ni exigir tampoco. ha de tener la fuerza de llegar en sí mismo a la certeza, y entonces atrae ya en lugar de ser expelido. Sinclair, su amor es ahora atraido por mí. Cuando llegue a atraerme, entonces acudiré. No quiero hacer un regalo, quiero ser ganada.

Hermann Hesse (1877 - 1962) fue un escritor suizo nacido en Alemania, ganador del Premio Nobel de Literatura en 1946. Hijo de una familia de misioneros cristianos, Hesse tuvo una sólida formación religiosa, la cual se vio reforzada con textos teológicos, de mitología clásica y literatura romántica alemana. Comenzó a escribir hacia inicios del siglo XX, lo cual coincide con su matrimonio y con un viaje a Oriente.

Asistió prisioneros durante la Primera Guerra Mundial, lo cual lo dejó en una severa crisis existencial, aunada a la muerte de su padre y a sus problemas familiares. Es en este momento que asiste al consultorio de Carl Gustav Jung, en donde logra desatar su creatividad; es en este momento en el que escribió Demián, editado bajo el seudónimo del personaje principal, Emil Sinclair, en 1919.

Hace dos semanas, me prestaron este libro, el cual he devorado en cuatro sesiones. En el séptimo capítulo, me encontré con las conversaciones de Sinclair con la madre de Demian, Eva. El libro ya me había marcado antes de llegar a este fragmento, el cual reproduzco íntegro; ver la evolución del pensamiento y el carácter de Sinclair me coloca en mi situación personal, donde tengo que despertar a la vida y cuestionarme a mí mismo en búsqueda de mi crecimiento. Aquí se habla del amor, pero también describe otra clase de deseos, en los cuales lo más importante debe ser el estar convencido.

Sin duda, no me vendría mal conocer a alguien con la historia, la madurez y la seguridad de Max Demián.

Hesse, Hermann. Demian / Siddhartha, México, Colección "Sepan Cuantos...", Editorial Porrúa, 2001. pp. 96-97. ISBN 970-07-0626-5.

De la muerte de Gaddafi, la rendición de ETA y la toma estudiantil del Congreso de Chile

2011-10-21T06:02:00.000-05:00

Un joven celebra, en Trípoli, la captura de Gaddafi
(Marco Longari / AFP)

El día de ayer, octubre 20, será recordado en la historia por los sucesos que ocurrieron en diferentes partes del mundo. Tres frentes fueron sede de eventos de gran trascendencia para la historia.

Por un lado, y quizá la noticia más mediatizada del día, fue la muerte del ex-dictador libio, Muammar Gaddafi, a manos del opositor Consejo Nacional Transitorio; la captura fue en la ciudad de Sirte, lugar donde este sátrapa nació. Fueron ocho meses de batalla desde la caída del régimen hasta la captura y muerte del tirano, el cual tuvo que resistir tanto a su creciente enemigo interno como a los ataques mandados por la OTAN y los aliados de Estados Unidos.

Con la muerte del coronel Gaddafi, se termina con uno de los regímenes autoritarios y desiguales que azotan a África desde la segunda mitad del siglo XX; este dictador gobernó Libia por 42 años, desde que su golpe de estado triunfó en 1969 hasta el comienzo de los levantamientos civiles en febrero de este año. Gaddafi se hizo célebre en el mundo por su estilo derrochador y lleno de lujos, así como por los delirios de grandeza y culto de personalidad, mientras su pueblo sufría de pobreza.

Un nuevo, pero difícil comienzo se asoma para esta nación norafricana, en la cual deberán convivir diferentes puntos de vista e ideologías; el primer objetivo que se tiene que desahogar es el de formar un gobierno de transición. El siguiente objetivo será evitar luchas de poder que puedan derivar en una guerra civil; el papel de la ONU y de los países que apoyaron a los rebeldes con la victoria militar deberá ser, para bien y para mal, vital.

Vale la pena recordar el modelo libertador que Estados Unidos ha ejercido sobre este país, el cual ha sido llamado "liderar desde la sombra". Es irónico que Barack Obama, quien es uno de los que se ha colgado las medallas por la caída de Gaddafi, lidere a uno de los países que más armas ha vendido a Libia en los últimos años del régimen, junto con Francia e Italia. Desafortunadamente, ese tipo de datos se olvidan en momentos de euforia.

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La declaración de ETA, desde la sede del Partido Nacionalista
Vasco, en Bilbao (Santos Cirilo / elpais.com)

La segunda noticia, la cual repercute directamente a España y el sur de Francia, es el cese definitivo de la violencia del grupo terrorista vasco ETA mediante un comunicado escrito y en video. Han pasado 43 años y han muerto 829 personas por las acciones armadas de este grupo nacionalista; ahora, los etarras deben buscar un diálogo con el gobierno para buscar un fin diplomático para liberar a sus presos y conciliar un desarme.

Esta decisión responde a un evento trascendental, la Conferencia de San Sebastían, celebrada el pasado lunes en la capital vasca en presencia de reconocidos pacifistas internacionales, como Kofi Annan, ex-secretario general de la ONU, el diplomático británico Jonathan Powell, el líder del partido irlandés Sinn Féin, Gerry Adams y la ex-primera ministro de Noruega, Gro Harlem Brundland. Cinco puntos enumeran las recomendaciones de este grupo diplomático consultivo, siendo la más importante el cese de la violencia. El día de ayer, la ETA ha dado el segundo paso.

A finales de 2006, fue rota la última tregua entre la ETA y el gobierno español, lo cual significó el desprendimiento de los apéndices políticos de este grupo, la llamada izquierda abertzale, quienes levantaron su voz para pedir el fin de las hostilidades; fue el inicio del fin, los etarras habían perdido cualquier tipo de simpatía en consecuencia al repudio común hacia sus acciones violentas. Además, el acoso policial hacia las células de este grupo terrorista causó enormes estragos en estos cinco años; se logró detener a líderes importantes y a un gran número de comandos.

Las elecciones en España serán el próximo 20 de noviembre, y será a partir del nuevo gobierno que se podrán dar más pasos en la negociación entre ETA y las autoridades ibéricas. Lo importante es que uno de los grupos terroristas más prominentes del mundo ha soltado las armas y ha tomado por fin la rama de olivo. España puede dormir tranquila, libre de una amenaza que causó el terror por más de cuatro décadas.

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Momento del desalojo de la Antigua Sede del Congreso chileno (EFE)

En otra ocasión, he hablado sobre la lucha que los jóvenes chilenos están ejerciendo en su país, desde hace varios meses, en búsqueda de una educación gratuita, laica y equitativa. El día de ayer, un grupo de 60 manifestantes tomaron la antigua sede del Congreso de este país, en Santiago, reclamando un plebicito en la materia con el objetivo de realizar las reformas necesarias para que este cambio urgente sea posible. El marco en el que sucede esto es el mismo que ha reinado en la nación andina, donde varias manifestaciones multitudinarias se han organizado reclamando este cambio en diferentes metrópolis.

Hay un asunto a considerar, el poder legislativo chileno estaba ahí en reunión de la Comisión de Presupuestos en el edificio capitalino cuando el grupo tomó este edificio; la sede del Senado chileno se encuentra en la ciudad de Valparaíso, pero estas reuniones fraccionarias se están realizando en Santiago. La toma duró alrededor de 5 horas, hasta que se logró llegar a un acuerdo para que los manifestantes abandonaran esta sede. Entre los presentes en esta comisión parlamentaria, se encontraba el Ministro de Educación, Felipe Bulnes, quien optó por abandonar el lugar.

En Chile, los estudios profesionales son de los más caros del mundo. Para poder acceder a la educación superior, los estudiantes se ven en la necesidad de adquirir una deuda de US$60 000 dólares, la cual deberá ser liquidada después de haber terminado sus créditos. Además, existe una diferencia abismal entre los servicios de educación básicos privados y públicos, causa principal de la desigualdad educativa en este país.

El movimiento estudiantil chileno es uno de los más interesantes de los últimos años en cuestiones de levantamientos sociales contra la oligarquía en América Latina. El rol que ha tenido el brazo político estudiantil, enmarcado en la Federación de Estudiantes de la Universidad de Chile, ha sido clave; estas manifestaciones han cimbrado todo el gabinete del presidente Sebastián Piñera, quien se ha visto forzado a cambiar gran parte de su gabinete. El 80% de la población andina apoya las propuestas de la FECH y a su lideresa saliente, Camila Vallejo. Ambas partes no han cedido con sus posturas, por lo que es de esperarse que estas protestas sigan por un rato más.

Adios!!!

Del Festival Corona Capital 2011, Octubre 15 de 2011 (Parte 2)

2011-10-20T05:29:00.001-05:00

Continuación de la entrada anterior...

Lo mejor estaba por venir, faltaban 20 minutos para que dieran las 5 de la tarde, y mi cabeza comenzaba a sentir los efectos de tanta música tan diversa; las sensaciones estaban disparadas como en un viaje narcótico, quizás por el efecto directo de verme forzado a ser fumador pasivo de varios churros de mariguana que se habían consumido cerca de mí. Mis piernas me pedían un poco de pasto para que me sentara y pudiera estirarlas; la jornada aún no terminaba.

Mercedes Nasta, de Disco Ruido!
(Alberto Escoto "Kross Scott" / indie-kross.com)

Había que buscar un poco de cerveza, J. C. y yo pasamos al puesto que estaba junto a "la playa", una especie de alberca masiva, con arena y cascada, donde la gente se mojaba para lidiar con el calor. Había que moverse rápido, ya que en el Escenario Corona Light iba a tocar Disco Ruido!, otra de las bandas mexicanas de electrónica estelares en el cártel; sin duda, se trataba de un instante imperdible del festival. Se trata de un colectivo compuesto por dos DJ's, Peto y Nariño Tierno, junto con el guitarrista Julián Placencia, el baterista Víctor Piter y la cantante Mercedes Nasta; además de su trabajo original, han editado diversos mash ups y remixes de canciones de otras bandas.

Una vez más jugué rol de neófito, a tal grado que no creía lo que veía, una orgía musical llena de maromas, sonidos frescos, cambios impredecibles de ritmo y enorme capacidad de improvisación; la gente se conectó de principio a fin, baile, salto y demás teatro en todas partes. Mercedes, de voz pequeña y juguetona, apareció en escena con un casco negro que parecía, a lo lejos, de Darth Vader, mientras que los demás miembros de la banda conectaban circuitos y electrizaban a los presentes. Tocaron "Amorfos" como carta de presentación, a la que siguió "Go Twisters"; después, invitaron a la cantante de El Columpio Asesino, Cristina Martínez, para interpretar "Toro", original de esta banda española, cuyo remix fue realizado por ellos.

El momento épico de esta intervención, y el que más me cautivó, fue "Mrs. Love", tocado junto al regiomontano Milkman; este tema utiliza el coro de una canción de los Beatles, "You Know My Name (Look Up the Number)", lado B del sencillo "Let It Be". Es a partir de esta pista que se crea una improvisación alrededor, donde la voz de Mercedes se combina con la guitarra de Julián y sonidos desenfrenados de sintetizadores. Si alguna vez tienen la oportunidad de ver a esta banda en vivo, háganlo; esta canción les hará saber que vale la pena.

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John Cummings, de Mogwai (Daniel Patlán / lifeboxset.com)

J. C. insistió que teníamos que volver al escenario de enfrente para ver a Mogwai, veterana banda escocesa de rock instrumental, la cual se presentaría en el Escenario Corona en punto de las 17:20. Accedí pensando que si se me ocurría perderlo, no sabría cuál sería el plan para la salida. Mogwai era otra de las bandas esperadas, y nuevamente yo no estaba enterado de los pormenores musicales; si algo he rescatado para el resto del año de este concierto, es que he abierto en muchos sentidos mis horizontes melómanos. Compuesta por los guitarristas Stuart Braithwaite, Barry Burns y John Cummings, el bajista Dominic Aitchison y el baterista Martin Bulloch, la banda logró juntar la atención de muchos de los presentes en el escenario más grande del festival.

Debió ser el exceso de escepticismo o la inercia de los ritmos de Disco Ruido!, pero esta actuación no caló demasiado en mis sentidos. Comenzaron interesantes con "How to Be a Werewolf" y "Mexican Grand Prix", pero el exceso de guitarras atmosféricas, la ausencia de letras y los sintetizadores distorsionados terminaron causándome ansiedad; lo que escuché fue bueno, pero no tenía el mood para una música tan diferente a lo que estoy acostumbrado. Según las crónicas que he leído, sonaron "Rano Pano", "Hunted by a Freak", "Mogwai Fear Satan", "Like Herod" y "Glasgow Mega-Snake". Fanáticos de Mogwai, estoy dándole a la banda una nueva oportunidad, y he concluido que me gustan más en estudio que en vivo.

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Lovefoxxx, de CSS (Daniel Patlán / lifeboxset.com)

Volví, por última vez, al Escenario Corona Light, un poco antes de que dieran las 18:00; el cansancio de mis piernas me pedían un poco de descanso antes del siguiente acto en mi agenda. Habría diversión y saltos garantizados, y quería estar preparado para Cansei de Ser Sexy (CSS), la banda paulista que está moviendo al mundo con su sonido lleno de estridencia y provocación. Más divertido, imposible; estos brasileños son energéticos, chistosos y muy buenos músicos, mucho rock, mucho dance, mucha cadencia latina por aquí, un poco de punk por acá. Sus discos son muy buenos, pero en vivo son aún mejores. Era su segunda vez en México, en su primera visita, vistieron como personajes del Chavo del 8.

Mención aparte merece Lovefoxxx, la vocalista, quien apareció con peluca negra, pantalones negros y máscara de Batman con incrustaciones rosas, para después rebelar su cabellera color naranja, hot pants de mezclilla, medias de red y maquillaje colorido; llegué a pensar que Ziggy Stardust y Cyndi Lauper habían juntado sus genes en ella, una chica brasileña de ascendencia japonesa con mucha actitud y un manejo del español hilarante pero excusable. Junto a ese huracán de carisma y color, los demás miembros parecen gente demasiado normal: Luiza Sá en la guitarra, Ana Rezende en los sintetizadores y Carolina Parra en la batería. Hay un vacío mental: no estoy seguro de haber visto a Adriano Cintra, algo que me pregunté varios días más tarde.

No hubo nadie alrededor que pudiera resistir tanta provocación, tanta diversión, tanta sensualidad y tanta alegría: "Music is My Hot Hot Sex" es una declaración directa de sus intenciones, "Off the Hook" y "Let's Make Love and Listen to Death From Above" solamente confirman esta premisa, llevándola hasta sus mejores consecuencias. "Jager Yoda" y "La Liberación" bajaron un poco los ánimos, sólo un poco; el nuevo sencillo "Hits Me Like a Rock" antecedió a "Alala", la que debe ser la canción más conocida de la banda, y la que más encendió los ánimos. En ese momento, Lovefoxxx bajó al escenario a surfear entre las manos del público; sencillamente, ardía París. Con "City Grrrl" y Lovefoxxx castigando su micrófono a la maniera de Roger Daltrey, CSS se despidió de su público, no sin antes prometer volver.

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Tom Smith, de Editors
(cucharasonica.com)

Era momento de moverse, lo más rápido que las adoloridas piernas permitieran, hacia el Escenario Capital; dos citas más me esperaban en ese escenario, el más aislado del festival. El sol había empezado a ocultarse, y comenzaban a soltarse los vientos, lo cual comenzó a refrescar el ambiente. Me di cuenta que mi cara estaba quemada por tantos rayos solares que le habían pegado durante esas horas, pero he tenido dolores peores.

A las 18:50, había comenzado la intervención de Editors, banda de Birmingham compuesta por Tom Smith en la voz y en la guitarra, Chris Urbanowicz en la guitarra líder, Russell Leetch en el bajo y Ed Lay en la batería. El escenario estaba a reventar, había una gran parte del público que estaba ahí para verlos; no sabía si impresionarme por tal masa de gente o por lo que estaba escuchando. J. C. fue a ver a The Rapture, dijo que iba a regresar en un rato, pero yo me moví hacia el centro, buscando un mejor lugar para ver el escenario.

Fue particulmente sublime ver a esta banda mientras que caía el atardecer, su sonido es consistente y su carisma es muy especial. Tom Smith es el típico frontman inglés, un hombre delgado de voz melodiosa y cierto aire de misterio. La Rickenbacker 620 de Chris tiene un sonido brillante, contrastado con la profundidad que sólo los bajos Rickenbacker 4003, como el de Russell, tienen. Cuando llegué, sonaba "Camera", a la cual siguió "Bones" y "An End Has a Start". La gente se encendió con "Bullets" y "Two Hearted Spider". Al ver tan buen ambiente causado por sus canciones clásicas, Tom pidió permiso para presentar una canción "nueva", pero "The Racing Rats" es otra vieja favorita. Sentí que el ambiente bajó un poco de intensidad hasta que tocaron "Munich", su canción insignia, la cual fue la más coreada por la gente. "Bricks and Mortar" y "Papillon" terminaron con la intervención. Buena manera de dar paso a lo que seguía, el momento importante de la noche, el cual era el más esperado...

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Beth Gibbons y Geoff Barrow, de Portishead
(Daniel Patlán / lifeboxset.com)

Cuarenta minutos de espera resumieron 18 años; mi impaciencia fue visible por primera vez en toda la jornada. La espectativa era altísima, la gente seguía llegando y un aire de espectación se sentía cada vez más presente. Una luz amarillenta iluminaba los rostros que esperaban, con cada vez más ansiedad, al paso de los minutos que parecían extenderse al infinito. Una chica platicaba, a mi izquierda, lo que vivió la vez que fue a Coachella en 2008; en ese cartel estuvo la razón de tanto suplicio: Portishead.

Poco después de las 20:30, las luces se apagaron y los gritos de la gente inundaron con su brillo todo a mi alrededor. Una pantalla se encendió: apareció la icónica "P" logotipo de la banda; poco después, se comenzó a escuchar el intro hablado del disco Third, había comenzado el viaje a otra dimensión espacio-tiempo:

Esteja alerta para as regras dos três
O que você da, retornará para você
Essa liçao, você tem que aprender
Você só ganha o que você merece

Ese bajo frenético, esas rudas percusiones, el sonido embriagante de la guitarra de Adrian Utley, la programación y los sintetizadores a cargo de Geoff Barrow, todo in crescendo al paso de minutos que se contraían y extendían caprichosamente. "Silence"... y la voz de Beth Gibbons desataba el pandemonium.

La voz de Beth eriza médulas óseas y exorcisa demonios propios y ajenos; su clásica pose, firme y con las dos manos en el micrófono, para que el poder de su voz no la levante del suelo, para dejar en claro su solidez. Su mirada reflejaba cierto tormento, pero al ver a la gente que estaba frente a ella, decidió tomar el camino y seguir. "Nylon Smile" dio la primera muestra de ese lado depresivo de la música de Portishead. En este momento, Beth saludó a la gente, la cual respondió con un enorme grito. "Mysterons", con sus pesada percusión y el insistente vibrar del theremin, fue un trance oscuro y sublime. "The Rip", acompañada por la fabulosa animación del video, mostró una vez más la profunda inseguridad de la poesía omnipresente en la música.

Cuando comenzaron a sonar los acordes de "Sour Times", la gente se entusiasmó y comenzó a cantar, lo cual arrancó ciertas sonrisas tímidas a Beth; estamos hablando de una mujer que aparenta timidez y fragilidad, pero cuando está en un escenario, cambia de forma radical. "Magic Doors" fue una ola de sonido en el cual la voz de Gibbons entraba y salía a placer, acompañada por la magia de la guitarra de Utley. "Wandering Star", por el contrario, apaciguó la distorsión, dejando a Beth a merced del bajo de Barrow y de muy pequeños roces de batería.

Con "Machine Gun", regresó esa genialidad sonora que caracteriza a los de Bristol; el insistente sonido de la batería y del sampleo de un parche de sonido, simulando una ametralladora, robó alientos y miradas sorprendidas, las cuales fueron perturbadas por el majestuoso pasaje de sintetizador de la parte final. "Over", con el riff insistente de la guitarra de Adrian y la voz cada vez más descarnada de Beth, regresó de nuevo la calma a un mar agitado, sólo para que el scratching de Geoff rompiera ese hechizo con su poder; uno de los momentos clave de la noche.

Portishead no dejó en ningún momento de jugar con los sentidos de los presentes, "Glory Box" fue el desate absoluto de la sensualidad de Beth y de la música de la banda, a la cual correspondieron las voces de la gente. "Chase the Tear", una canción lanzada con fines altruístas en 2009, fue la sorpresa de la noche; el ritmo acelerado del sintetizador dio un toque diferente al setlist. "Cowboys" nos volvió a mostrar la densidad del tornamesas de Barrow, junto con el insistente sonido de la programación y la voz de Beth en un nuevo trance melódico. Finalmente "Threads" volvió a abrir llagas de inseguridad y hastío. La banda se había despedido, pero áun habría un encore memorable tras cinco minutos de espera.

"Roads" fue, por mucho, la canción más coreada y emotiva de la noche; los presentes buscaron igualar la voz titánica de Beth sin demasiado éxito. Simplemente no hubo forma de que esa voz tan angelical se pudiera sesgar, Gibbons dio en el blanco en cada nota, grave y aguda, a lo largo de su trayecto por las almas de cada uno de los que estuvimos ahí. La última canción fue "We Carry On", una canción en donde Beth pudo por fin soltarse de la frivolidad, a tal extremo de que terminó por sorprendernos de una forma singular: pocos esperábamos que bajara del escenario para saludar y convivir con aquellos que la observaron por casi una hora y media. El frenesí que Beth experimentó fue tal que su palabras se cortaron de la emoción al despedirse.

Si Portishead llega a regresar a nuestro país, fue por esa noche... Es mi deseo que así sea, porque quiero vivirlo de nuevo, esta vez a lado de mi iniciadora en ellos, M. S. M., quien por alguna razón desconocida no estaba ahí.

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Mágico broche de oro para una jornada llena de emociones y buena música. Roto el encanto, terminado el viaje cósmico por la riqueza sonora y melódica de Portishead, sólo reinaba el silencio, como si hubiera reventado un trueno en cada uno de los corazones que latieron ahí por 90 minutos. Una larga procesión buscaba ya la salida, unos pocos más se fueron a ver la clausura del festival: a lado de lo vivido, me pareció que los Strokes sólo eran una insípida cereza en un pastel exquisito de variedad musical. J. C. estaba ahí, y tenía que esperarlo, por lo que busqué una forma de lidiar con el dolor de mis pies; de nuevo en los colchones de hace rato. En los altavoces, sonaban "Someday", "Reptilia", "Barely Legal", "Alone, Together", grandes canciones de una buena banda, pero mi energía ya se había terminado y mi cuerpo ya pedía esquina.

Era impresionante ver salir por donde entraron a tal cantidad de personas en un río de gentes que parecía infinito. Se dice que 85 000 almas estuvieron ahí, pero yo juraba que eran muchas más. Habían pasado ya diez minutos del domingo 16 cuando finalmente encontré a J. C., tardamos casi media hora en llegar hacia el coche, donde R. y sus primos nos esperaban; R. estuvo perdido todo el día, y no lo vi hasta en ese momento. Fue una fiesta salir del autódromo hacia los estacionamientos, y un caos para salir hacia el tráfico de la ciudad; la cantidad de personas era simplemente inhumana, la infraestructura de El De-Efe fue rebasada una vez más.

Después de tanto jaleo, llegué a la 1:30 a casa. Ya no tenía pies y seguía sin tener palabras para todo lo que vi. Sin duda, se me escaparon muchos detalles, pero los momentos, aunque borrosos, quedan en mi mente para siempre.

Del Festival Corona Capital 2011, Octubre 15 de 2011 (Parte 1)

2011-10-18T06:06:00.001-05:00

El pasado sábado 15 de octubre, estuve en el Autódromo Hermanos Rodríguez para vivir el Festival Corona Capital 2011, el concierto masivo más importante del segundo semestre del año, donde había una gran expectativa por el gran cartel que estaba anunciado.

Desperté pasadas las 10 de la mañana; había tenido una noche demás complicada para poder dormir y tener suficiente descanso para este día, el cual esperé con paciencia por casi 3 meses. Desayuné lo mejor que pude, sabiendo que necesitaría mucha energía y que mi presupuesto era limitado; el Corona Capital sería mi primer concierto de su tipo en la vida, y quería aguantar hasta el final. Lentes de sol, gorra y un rompevientos, estaba más que listo.

Tuve que esperar a mi hermana, quien como yo, iba a tomar el Metro; necesita un cuaderno de química para estudiar y había quedado de verse con un amigo. Salimos a las 11:45 en dirección a Chabacano, donde ambos teníamos que transbordar. Nos separamos para dirigirnos hasta nuestros destinos, tomé la línea 9 hacia el Autódromo Hermanos Rodríguez, al oriente del De-Efe.

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Cortes de pelo en el stand de Ibero 90.9 (Foto del autor)

Desde el momento en que bajé en la estación Ciudad Deportiva, había quien preguntaba si te faltaban o sobraban boletos; en México, la reventa es uno de esos asuntos por resolver, todo un poder fáctico del espectáculo y una industria millonaria a su alrededor. Alrededor de las 12:30 ya había bastante gente reunida, sobre todo gentes de mi edad; había puestos para desayunar y muchas tienditas para comprar bebidas o cigarros. Veinte minutos de caminata para llegar al acceso: esto sería más agotador de lo que pensaba. El asunto había comenzado alrededor de las 11 de la mañana, y apenas estaba calentándose, como si el sofocante sol no fuera suficiente.

Llegué a la zona de escenarios, de los cuales había cuatro, localizados estratégicamente para permitir a los asistentes escuchar a las bandas sin afectar el sonido de otras que estuvieran tocando al mismo tiempo. En el Escenario Corona Light, Madame Recamier terminaba su intervención con "Luz Verde". Tras reconocer el terreno, recorrí el enorme trechohacia el Escenario Capital, donde haría mi primera parada de la tarde; a la orilla de la pista, había puestos de cerveza y distintos módulos de medios musicales: MTV, Rolling Stone, WARP, LifeBoxset.com, Ibero 90.9, Marvin, Hewlett Packard, incluso Mirrreybook. Además, había unos parajes debajo de los puentes de la pista donde la energía de bicicletas pedaleadas dispersaba agua para refrescar el camino. Eran las 13 horas cuando ya estaba en posición para ver el primer acto en mi agenda: Ruido Rosa.

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Alejandra Moreno, de Ruido Rosa (Toni François / tono.tv)

Ruido Rosa salió al Escenario Capital a las 13:15; elegí a esta banda chilanga para iniciar mi día de festival por una razón muy específica: para comprobar lo que tanto me habían platicado (saludos Beto Martínez). Esta banda está compuesta por cuatro chicas, bellas y virtuosas por igual, y cuyo sonido es duro, sólido y cuidado, como el de una navaja que corta el terciopelo de un tajo. Entre sus credenciales están el Vive Latino de este año, su EP debut, el cual las colocó como una de las promesas emergentes de la escena mexicana, y la deliciosa anécdota de haber aplacado los gritos más pervertidos de la más maquillada y militante KISSiandad, uno de los mejores encomios que el mundo del rock puede otorgar.

Al frente, la poderosa y áspera voz Alejandra Moreno; en la guitarra, los poderosos riffs de la Fender Jazzmaster de Daniela Sánchez; en el bajo, las poderosas y precisas líneas de Carla Sariñana; finalmente, en la batería, Maryluz Alatriste, la fiereza que pone la cereza en un pastel de cianuro con sabor a chicle bomba. No esperaba un concepto demasiado recargado en imagen, no esperaba outfits ni maquillajes estridentes; sólo esperaba rock crudo, desnudo, sensual, travieso, peligroso... demasiado honesto.

Era temprano, el astro rey observaba desde el cenit, había un buen número de gente, pero el ambiente resultó ser relajado, incluso familiar. Alejandra identificó rostros conocidos y saludó a algunas personas entre el público. "Más" comenzó las hostilidades, a la cual siguieron "Nada" y "Mildred"; con "Días de Verano" lograron ganar el aliento de los presentes, amarrando el ambiente con su primer sencillo, "Dentro". Tras una breve pausa, presentaron una nueva canción, "Ending", para cerrar con "Consecuencias" y con su canción más conocida, "Miedo a Caer". Cuarenta minutos se fueron como una llama en la punta de un cerillo, pero mi corazón había ganado una nueva girl band favorita. Contra pronóstico, me llevé un sticker antes de partir a mi siguiente destino.

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Priscila González, de Quiero Club
(Daniel Patlán / lifeboxset.com)

Me armé de paciencia para recorrer el largo trecho de vuelta al Escenario Corona Light, donde ya se esperaba a Quiero Club, banda de Monterrey cuyo concepto experimental era uno de los highlights del festival. Al frente, las voces de Priscila González y Marcela Viejo; Gustavo Mauricio en la guitarra, los sampleos y la voz masculina; Luis Ezequiel al bajo y Boscop Benavente en la batería, acompañados por un trío en los coros. Comenzaron su fiesta a las 14:20 con "Música", para seguirla con "No Coke", canción que despertó los cantos de sus fanáticos más que presentes; fue imposible unirse a tanta celebración.

Los ensambles vocales de la banda son maravillosas, una ensoñación aparte en medio del sonido electrónico lúdico y divertido, fusionado con simples toques de guitarra; en vivo suenan con garbo desmedido. "Las Propiedades del Cobre" antecedió a su nuevo sencillo, "Días Perfectos", como fue su actuación. Siguió "Minutos de Aire", una de las mejores canciones compuestas por una banda mexicana de cualquier género en los últimos años. Para terminar, "Let Da Music" y "Backstage Drama". Me retiré rápidamente, no por indiferencia, sino porque enfrente iba a comenzar otro de los actos que estaba esperando; una chica enfundada en la playera blaugrana del FC Barcelona se abría paso tras de mí, con sus manos en mis caderas.

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Ximena Sariñana (Toni François / tono.tv)

En el Escenario Corona, justo al frente del Corona Light, se preparaba la participación de Ximena Sariñana, vieja conocida, amada y odiada, en una nueva faceta, con un nuevo sonido y enfocada a un nuevo mercado, el anglosajón. Saltó al escenario con su banda a las 14:50. Al inicio, me pareció extraña y distante, ya que no he escuchado sus nuevas canciones en inglés; había elegido arrancar con "The Bid" y "Shine Down", pero al saludar al público, el más numeroso para el que había tocado, me di cuenta que poco había cambiado en ella.

"Echo Park" fue la siguiente canción, antes de tocar algunas de las canciones de su trabajo anterior; para "Normal" llamó al escenario a Natalia Lafourcade, amiga que ayudó en la producción de su nuevo material, lo cual causó estruendo pese a que su actuación fue, desde mi punto de vista, desigual. Siguió "La Tina", el mejor momento de su setlist, un estruendo de distorsión de guitarra sublime, surgido de la serenidad del glockenspiel y la voz recitante de Ximena, de tiernas y perversas texturas. "Love Again" y "Different" completaron el ciclo de esta actuación, la cual me dejó ganas de buscar su nuevo disco para escucharlo con calma.

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Rata, de Austin TV (Daniel Patlán / lifeboxset.com)

Era el tiempo de tomar un break, de soltar las piernas, de nivelar mi hidratación y de comenzar a buscar a J.C., uno de los mejores compañeros de conciertos que se puede pedir. Comenzaron las incomodidades: los baños portátiles eran una oda a la inmundicia, la señal de los teléfonos celulares era nula y el sol caía como plomo sobre mi cabeza. Busqué sombra y un lugar para acostarme en medio de un oasis de colchones con forma de pan para hot-dogs. El celular vibró, mis esperanzas en Carlos Slim quisieron renacer: tenía que buscar a J.C. en el Escenario Corona.

A las 16:00, había comenzado Austin TV, una de esas bandas memorables de la escena rock mexicana, maestros del disfraz, de los pasajes oníricos y de la estridencia teatral. Fando, el líder y guitarrista, dirigía con sus palabras a fanáticos y neófitos, invocando unión y armonía con la música; Chio San, la tecladista y encargada de los samplers, le hacía buena segunda; completan la banda Xnayer en la guitarra, Rata en el bajo y Totore en la batería.

Fueron cuarenta minutos convertidos en un viaje por un sueño de sonidos impecables como el de las esferas cósmicas, con sonidos de trompa matizando guitarras acústicas y suaves teclados; los nombres de las canciones importan poco, ya que quedan perdidos en el suave despertar, dejando taninos deliciosos en la memoria. De hecho, este setlist no lo puedo reconstruir, ya que no conozco a fondo el trabajo de la banda, guilty me. El panameño Cienfue fue el invitado de honor de la banda, quien contribuyó con su guitarra de estruendo en el momento en el que el sueño se volvió un torbellino apasionado y frenético. El fin fue brusco como una siesta interrupta, pero había que seguir la jornada; lo mejor estaba por venir.

Esta historia continuará...

Reporte Expo Temporal #6: Artur Lescher, "Meta-métrico" / Theo Michael, "Scholars in Space" en Galería OMR / el52

2011-10-11T23:44:00.000-05:00

Artur Lescher (1962)
"Péndulo" (2011)
Latón y cable de acero, 180 x 8.5 x 8.5 cm

(Continúa de R.E.T. #5)

El pasado 24 de octubre, tuve la oportunidad de asistir a la inauguración de las exposiciones que se están presentando en la Galería OMR de la Ciudad de México, y que seguirán durante las siguientes semanas. Se trata de dos exposiciones que marcaron el debut en nuestro país de dos artistas: el brasileño Artur Lescher (Sao Paulo, 1962) y el griego Theo Michael (Panorama, 1978).

Esta entrada debió ser escrita hace una semana, pero los pendientes y los sucesos de la vida mundial me han obligado a dejarla de lado; afortunadamente, aún falta un mes para que finalice la muestra, por lo que es mejor tarde que nunca para esta recomendación y para mi crónica.

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Volviendo sobre mis recuerdos, el martes que estuve en Arroniz me enteré de esta exposición, y prometí a A.N., quien trabaja ahí, que estaría ahí. Esa semana aprendí que el valor de mi palabra es mucho más importante de lo que yo creía, y que es un valor sagrado para cualquier persona.

Glorieta de Río de Janeiro

Ese sábado tuve problemas para levantarme, pero tenía un compromiso que no quería romper. Tuve que moverme rápido para no llegar tarde a la colonia Roma, de nueva cuenta en la glorieta de Río de Janeiro, donde está una réplica de bronce del "David" de Miguel Ángel. Llegué a las 12:15, pero las puertas del edificio principal no estaban abiertas.

En el balcón de "el52", un técnico de montaje se asomaba hacia el parque, desde yo veía sentado en una banca; al parecer no todo estaba listo para inaugurar. En la glorieta, todo era vida de fin de semana: barrenderos recogiendo las hojas caídas de los árboles, boy scouts realizando sus tareas, mujeres paseando con sus hijos, turistas extranjeros, vecinos de la zona; niñas en bicicleta con sus cabellos en coleta pedaleando alrededor de la fuente del "David", encendida con toda su humedad y gracia alrededor de ese bronce de mirada iracunda. Eran las 12:23 cuando llegó un ramillete de flores a la puerta de "el52"; confirmé lo pensado, aún no era tiempo, y fui a dar una vuelta por los alrededores.

La Galería OMR gestiona dos edificios, los cuales son casas típicas de la colonia convertidas en galerías de arte; el número 54 es la sede principal, donde están las oficinas y el archivo de la galería, y el 52 alberga una pequeña biblioteca. Otro dato interesante de "el52" que les puedo compartir es el que fue la residencia del visionario cineasta, guionista y escritor chileno Alejandro Jodorowsky entre 1968 y 1973.

Artur Lescher (1962)
"Lagoas blancas" (2011)
Mármol, 116 x 76 x 6 cm c/u

Reguesé casi a las una, después de haber ido a buscar algo para hidratarme y haberme entretenido en una tienda cercana. Subí los blancos peldaños de la entrada, lo primero que vi fue una enorme viga de acero patinado con una forma caprichosa, con varios objetos de madera articulados con bisagras de metal, con planchas circulares de mármol blanco expandidas sobre el suelo y con una figura alargada de latón suspendido entre el techo y el suelo. Buscando explicaciones, busqué a A. para saludarla, con ella estaba su madre; no recordaba que el parecido entre ellas es mucho, ambas tienen ojos profundos y rasgos faciales marcados, incluso el mismo tipo de peinado. Llevo cinco años de conocerla, y aún tengo tantas preguntas sobre ella, pero ésa es mi historia con toda la gente: siempre quiero saber demasiados detalles.

Tomé una cerveza, saqué fotografías y observé un poco más; había un hombre con una cámara de video que estorbó mi paso en repetidas ocasiones. Crucé el puente que junta OMR con "el52", donde estaban ofreciendo más bebidas. Lo que vi en esa parte fue más claro para mí: frágiles ensambles elaborados con piedras y palos de madera, collages y dibujos a lápiz con algunas referencias a la historia clásica, vitrinas abigarradas con libros, máscaras y otros objetos. Una pantalla montada sobre una columna dórica mostraba imágenes con referencias directas a la historia occidental reciente; la solución me pareció fantástica.

Estuve alrededor de hora y media por ahí, tras haber apurado cuatro cervezas y haberme encontrado con otra conocida: C. V. Tras darme cuenta que se me juntaban dos citas importantes para mediados de noviembre en el mismo día, me despedí y me fui a casa; tenía esperanza de comer con mi madre, pero su paciencia no fue demasiada conmigo esta vez. Tuve que ir más tarde por una hamburguesa, y me llevé la sorpresa de que en el puesto se había descompuesto la máquina de hielo; no dejé que eso arruinara mi tarde.

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Artur Lescher (1962)
"Meta-métrico 1" (2011)
Acero, 250 x 580 x 250 cm

El edificio principal de Galería OMR presenta "Meta-métrico" la primera exposición individual del escultor paulista Artur Lescher. Se ha realizado una selección exhaustiva de su obra reciente, en la cual destaca su manejo de varios materiales, tamaños, texturas y poéticas espaciales. Este artista debutó en el panorama artístico brasileño a mediados de los años 80's, bajo la clara influencia de los artistas del movimiento neoconcreto de los años 60's, como Hélio Oiticica, Lygia Pape, Lygia Clark y Sergio Camargo.

Artur Lescher (1962)
"Sin título #10"
(de la serie Metamétricos) (2011)
Madera y latón, 5 x 134 x 43 cm
(15 segmentos modificables)

La serie estelar de esta muestra es la llamada Metamétricos, un conjunto de varios ensambles de madera, unidos por bisagras de metal. La propuesta que nos otorga esta serie es la de la escultura como una entidad con fluidez en el espacio; las piezas pueden adquirir múltiples formas, y pueden ser colocadas en cualquier lugar. El Meta-métrico 1 (2011), una enorme escultura de acero que da la bienvenida al público, fue ensamblada ex profeso para esta muestra, tomando en cuenta las medidas de la sala que lo alberga, llevando al artista a crear un diálogo entre su escultura y los elementos arquitectónicos, produciendo "gestos poéticos en el espacio, (...) fuerza e inestabilidad, equilibrio y movimiento, tensión y silencio" [1].

Junto a estas piezas, encontramos otras piezas que nos muestran otras dimensiones sensoriales de Lescher: Lagoas blancas (2011), dos planchas de mármol con forma ovalada; Péndulo (2011), una estructura alargada de latón suspendida por cables de acero; y Sin título (Péndulo de campana) (2007), una pieza de resina blanca, son otras muestras del carácter poético de este artista.

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Theo Michael (1978)
"Meta-ethnographies" (2011)
Técnica mixta, 35 x 60 x 60 cm

Por otro lado, en "el52", se presenta el debut en México del artista griego Theo Michael, titulado "Scholars in Space". Este joven artista helénico ha expuesto en varias partes del mundo a lo largo de su corta carrera, y vive en nuestro país desde el año 2010.

La idea principal de este artista es una exploración, desde la historia y la arqueología, sobre el tiempo como parte de la construcción del espacio. Hay varios conceptos que se contraponen en la obra de este artista: por un lado, se habla del presente y su construcción de monumentos para ser preservados, por otro lado se habla del futuro y su tendencia a la destrucción y al olvido.

Primer plano:
Theo Michael (1978)
"The First Architect" (2011)
Madera y piedras, 26.5 x 40 x 25 cm

Segundo plano:
Theo Michael (1978)
"The Thinker's Fossil" (2011)
Lápiz sobre papel, 56 x 76 cm

El trabajo de Michael señala, mediante referencias al oficio arqueológico y a pedazos de referentes culturales y teológicos colocados de forma anacrónica e incoherente, una subjetividad en la construcción de la historia universal, en plano que parece apuntar a un futuro espacial sin cimientos claros. La propuesta de cuestionar la historicidad positivista y empírica resulta muy interesante, debido a la solución plástica con la cual es presentada: lugares inexistentes con pretención de objetividad científica que evaden referencias e interpretaciones únicas; dibujos a lápiz y collages donde conviven arte, celebridades pop, íconos religiosos y personajes políticos de todas las épocas, entre otros objetos.

El lenguaje de Theo Michael señala múltiples referencias que convierten a la construcción histórica en un lenguaje lleno de inestabilidad y confusión. The First Architect (2011) es una especie de maqueta realizada con palos de madera y una piedra plana que cuestiona la política de reconstrucción de vestigios arqueológicos. The Thinker's Fossil (2011) dibuja, alrededor del esqueleto de un paquidermo, un halo que trata de recubrir aquellos vestigios, pero sin dar una imagen clara de cómo pudo ser aquel animal, ni de qué periodo o era. Meta-ethnographies (2011) encapsula en una vitrina objetos culturales cuyo valor arqueológico se autocuestiona, como ediciones modernas de libros clásicos, réplicas de máscaras, cajetillas de cigarro, juguetes y piedras.

Ambas exposiciones son, como ya mencioné, muy recomendables, ideales para ir a ver con mucha paciencia y tiempo, ya sea para contemplar o para razonar. Las temáticas que ambos artistas manejan dan lugar tanto para la reflexión como para la degustación de este trabajo que nos presenta una de las galerías de arte importantes del país, la Galería OMR.

Artur Lescher, "Meta-métrico"

Theo Michael, "Scholars in Space"

Desde el 24 de septiembre hasta el 10 de noviembre

Galería OMR / el52

Plaza Río de Janeiro 52 y 54

Colonia Roma, Delegación Cuauhtémoc, México D.F.

Estación de Metro más cercana: Insurgentes
Estación de Metrobus cercana: Durango

Horarios: Ma a Vi, 10 a 15 y 16 a 19 horas.
Sa, 10 a 14 horas. Cerrado en Domingo y Lunes.

Entrada libre. Información: info@galeriaomr.com
http://www.galeriaomr.com

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1.- Este reporte, como todos los que elaboro para esta sección de mi blog, no podría realizarse sin la ayuda de las cédulas de la exposición. Ya he mencionado en este espacio que entender el arte contemporáneo, a diferencia del arte de otros periodos anteriores, me cuesta trabajo, pero vale la pena hacer el intento. Finalmente, lo hago para mi propio conocimiento, por mi escritura y para quien guste leerme.